Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Artes Escénicas 2023/2024

Ejercicio a - Resumen y localización del fragmento

Resumen:

El fragmento presenta un diálogo entre Diana y Teodoro, personajes de la obra El perro del hortelano de Lope de Vega. Teodoro anuncia su partida debido a las "crueldades" de Diana. Ella, aunque afirma adorarlo, no puede corresponderle por su estatus social. Ambos personajes, con lágrimas en los ojos, expresan su amor mutuo y la imposibilidad de estar juntos. Teodoro, finalmente, decide partir, dejando su alma con Diana como símbolo de su amor incondicional.

Localización:

Este fragmento pertenece al Acto III, escena XIV de la obra El perro del hortelano, escrita por Lope de Vega en 1618. La obra se enmarca dentro del género de la comedia de enredo, perteneciente al Siglo de Oro español. En esta escena, se encuentra el clímax de la tensión amorosa entre Diana y Teodoro, ya que él decide abandonar el servicio de Diana al no poder soportar la frustración de su amor no correspondido. La escena se desarrolla en el jardín del palacio de Diana, un espacio que simboliza tanto la belleza como las barreras sociales que separan a los protagonistas.

Ejercicio b - Comente el estilo del párrafo

El estilo del fragmento es característico del teatro del Siglo de Oro español, y en particular, de la comedia de Lope de Vega. Se observa el uso del verso octosílabo, con rima asonante en los versos pares, esquema métrico habitual en las comedias de la época. La rima y la métrica aportan musicalidad y ritmo al diálogo, intensificando la expresión de los sentimientos.

Lope emplea un lenguaje poético rico en metáforas y simbolismos. Por ejemplo, cuando Diana dice que le ha caído "algo en los ojos", se refiere a las lágrimas que brotan como consecuencia del dolor que le produce la partida de Teodoro, y más adelante se indica que ese "algo" es "amor". De igual manera, cuando Teodoro afirma que se va, pero "el alma no", está utilizando una metáfora para expresar que, aunque se aleje físicamente, su amor por Diana permanecerá.

El diálogo es ágil y dinámico, con intervenciones breves que reflejan la tensión emocional de los personajes. El uso de preguntas retóricas como "¿Lloras?" o "¿Si ha sido amor?" intensifica la carga dramática de la escena. La repetición de la frase "Yo me voy, señora mía; yo me voy, el alma no" por parte de Teodoro enfatiza su dolorosa decisión y su amor inquebrantable.

Ejercicio c - Opinión Crítica sobre la obra

El perro del hortelano es una obra maestra del teatro del Siglo de Oro que destaca por su ingeniosa trama, la profundidad psicológica de sus personajes y su brillante uso del lenguaje. Lope de Vega, con su habitual maestría, construye una comedia de enredo que explora temas universales como el amor, los celos, las diferencias sociales y el poder del deseo.

La obra critica, con sutil ironía, las rígidas convenciones sociales de la época que impedían la unión entre personas de diferente clase. Diana, atrapada entre su deseo por Teodoro y su deber como condesa, representa la lucha interna entre el corazón y la razón. Su comportamiento, que da título a la obra, refleja la contradicción de quien "ni come ni deja comer", es decir, ni se permite amar a Teodoro ni consiente que él ame a otra.

El personaje de Teodoro es el prototipo del galán del Siglo de Oro, noble de espíritu, leal y apasionado. Su amor por Diana es sincero y profundo, pero se ve obstaculizado por las barreras sociales y los vaivenes emocionales de su amada.

El ingenio de los criados, especialmente el de Tristán, que se puede extrapolar del comportamiento de Teodoro en este fragmento, añade un toque de humor y picardía a la obra, aligerando la tensión dramática y ofreciendo una visión más terrenal del amor y las relaciones humanas.

En definitiva, El perro del hortelano es una obra divertida, conmovedora y llena de matices que, a pesar de haber sido escrita hace más de cuatro siglos, sigue cautivando al público actual por su frescura, su ingenio y la universalidad de los temas que trata. Es una obra que nos invita a reflexionar sobre las complejidades del amor, las ataduras sociales y la búsqueda de la felicidad, todo ello envuelto en una trama vibrante y un lenguaje exquisito.

2º FRAGMENTO EXTRAÍDO DE BODAS DE SANGRE

a- Analice la estructura interna del párrafo (1p)

El fragmento presenta una estructura interna que se desarrolla de forma lineal y progresiva, intensificando la tensión dramática hasta un clímax final.

1. Inicio (líneas 1-7): Diálogo entre la Novia y Leonardo donde la Novia le pide a Leonardo que huya, pero él se niega. Se establece la situación de huida y la decisión de la Novia de aceptar su destino fatal.
2. Desarrollo (líneas 8-13): Intensificación del diálogo. Leonardo expresa su determinación de no separarse de la Novia. La Novia acepta su destino y deciden huir juntos, sellando un pacto de amor y muerte.
3. Clímax (líneas 14-21): Entrada en escena de la Luna y la Mendiga. Se produce un cambio radical de atmósfera con la luz azul y los violines, que simbolizan la tragedia inminente. Dos gritos desgarrados y la aparición de la Mendiga como un ave de mal agüero anuncian el desenlace fatal. El telón baja en silencio, dejando la resolución en suspenso y la tragedia consumada.

En resumen, la estructura del párrafo se caracteriza por:

• Progresión dramática: La tensión aumenta gradualmente a través del diálogo y la acción.
• Simbolismo: La Luna, la Mendiga, la luz azul y los violines son elementos simbólicos que presagian la tragedia.
• Final abrupto: El telón baja sin mostrar explícitamente la muerte de los personajes, dejando la resolución a la imaginación del espectador.

b- Realice un análisis de los personajes (1p)

En este fragmento de "Bodas de Sangre", se nos presentan tres personajes: La Novia, Leonardo y, de forma simbólica, la Luna y la Mendiga.

• La Novia: Muestra una evolución a lo largo del fragmento. Inicialmente, aparece como una figura que alienta a Leonardo a huir, pero al mismo tiempo acepta su propio destino fatal, que puede ser la muerte o la deshonra. Su lenguaje es apasionado y refleja la intensidad de sus emociones, "con los pies dentro del agua y espinas en la cabeza". Hacia el final del fragmento, acepta el amor de Leonardo y decide huir con él, asumiendo las consecuencias. "¡Los dos juntos!"
• Leonardo: Representa la pasión y la fuerza. Se muestra resuelto a estar con la Novia, desafiando cualquier obstáculo. Su lenguaje es directo y contundente: "Si nos separan, será porque esté muerto". No teme a la muerte y está dispuesto a todo por amor.
• La Luna y la Mendiga: No son personajes en el sentido tradicional, sino más bien representaciones simbólicas. La Luna, con su "fuerte luz azul", crea una atmósfera irreal y premonitoria de la tragedia. La Mendiga, que aparece al final como un "gran pájaro de alas inmensas", es un presagio de la muerte. Su presencia y los gritos que la preceden intensifican la sensación de fatalidad.

c- Opinión Crítica sobre la obra (1p)

"Bodas de Sangre" es una obra maestra del teatro español que combina elementos del drama rural con la tragedia clásica. La obra de Lorca destaca por su lenguaje poético, la fuerza de sus personajes y el uso de símbolos. La obra es una profunda reflexión sobre la pasión, el destino, el honor y la muerte.

El fragmento analizado es un claro ejemplo del estilo de Lorca. La intensidad dramática, el lenguaje cargado de emociones y el uso de símbolos como la Luna y la Mendiga crean una atmósfera de tragedia inminente. La obra nos enfrenta a la fuerza arrolladora del amor y la pasión, que puede llevar a la felicidad o a la destrucción. La forma en que Lorca entrelaza el destino con las pasiones humanas es simplemente magistral. La lucha entre el deseo y el deber, el amor y la muerte, se presenta de manera cruda y conmovedora.

En mi opinión, "Bodas de Sangre" es una obra que sigue vigente por su capacidad para conmover y hacer reflexionar sobre la condición humana. Lorca logra crear una obra universal que trasciende el tiempo y el espacio, y que sigue interpelando al público actual.

II- CONTESTE A DOS DE LAS SIGUIENTES CUATRO PREGUNTAS DE DESARROLLO:

a- Elementos dramáticos: el personaje y el objetivo. (2P.)

Los personajes son el motor de la acción dramática. Se definen por sus acciones, sus palabras y las relaciones que establecen entre sí. Cada personaje tiene una personalidad, una historia y una forma de ser que lo hacen único. En el teatro, los personajes se construyen a través de varios elementos, entre ellos:

1. El diálogo: Lo que dicen y cómo lo dicen revela su carácter, sus intenciones y su estado emocional.
2. Las acciones: Lo que hacen y cómo lo hacen define su personalidad y su papel en la obra.
3. Las descripciones: El autor puede dar detalles sobre su apariencia física, su forma de vestir o su manera de moverse.
4. Las acotaciones: Indicaciones del autor sobre el tono de voz, los gestos o las emociones del personaje.
5. Las relaciones con otros personajes: La forma en que interactúan con los demás personajes también los define.

El objetivo es aquello que el personaje desea conseguir a lo largo de la obra. Es el motor que impulsa sus acciones y determina sus decisiones. El objetivo puede ser algo concreto, como conseguir un objeto o realizar una acción específica, o algo más abstracto, como alcanzar la felicidad o la venganza. El objetivo principal de un personaje se denomina a menudo "superobjetivo", mientras que los objetivos más pequeños que contribuyen a alcanzar el superobjetivo se denominan "objetivos inmediatos".

La relación entre el personaje y su objetivo es fundamental para el desarrollo de la trama. Los obstáculos que el personaje encuentra en su camino hacia la consecución de su objetivo generan conflicto y tensión dramática. La forma en que el personaje supera esos obstáculos y la consecución o no de su objetivo determinan el desenlace de la obra.

b- Enumere a los integrantes de los equipos técnico y administrativo de una obra y explique sus funciones (2P.)

Una obra teatral es el resultado del trabajo conjunto de un equipo de profesionales que se dividen en dos áreas principales: el equipo técnico y el equipo administrativo.

Equipo Técnico:

• Director de escena: Es el máximo responsable artístico de la obra. Se encarga de la puesta en escena, la dirección de los actores y la coordinación de todos los aspectos creativos.
• Escenógrafo: Diseña y supervisa la construcción del espacio escénico, incluyendo decorados, mobiliario y atrezo.
• Diseñador de vestuario: Crea y selecciona el vestuario que llevan los actores, teniendo en cuenta la época, el estilo de la obra y las características de los personajes.
• Diseñador de iluminación: Crea la atmósfera lumínica de la obra, utilizando la luz para crear ambientes, emociones y efectos especiales.
• Diseñador de sonido: Crea y controla el espacio sonoro de la obra, incluyendo música, efectos sonoros y amplificación.
• Técnico de iluminación: Opera la mesa de luces y se encarga del montaje y mantenimiento del equipo de iluminación.
• Técnico de sonido: Opera la mesa de sonido y se encarga del montaje y mantenimiento del equipo de sonido.
• Maquinista: Se encarga del montaje y desmontaje de la escenografía, así como de los cambios de escena durante la representación.
• Sastre: Confecciona y ajusta el vestuario diseñado por el diseñador de vestuario.
• Maquillador/Peluquero: Se encarga del maquillaje y peinado de los actores, según las indicaciones del director y el diseñador de vestuario.
• Regidor: Es el responsable de la coordinación de todos los aspectos técnicos durante la representación. Es el enlace entre el director y el equipo técnico y se asegura de que todo funcione correctamente.

Equipo Administrativo:

• Productor: Es el responsable de la financiación y gestión económica de la obra. Busca los recursos necesarios para llevar a cabo la producción y se encarga de la contratación del personal, la gestión de los derechos de autor y la comercialización de la obra.
• Gerente de sala: Administra el espacio escénico, incluyendo la taquilla, la atención al público y el mantenimiento de las instalaciones.
• Jefe de prensa: Se encarga de la promoción de la obra y de la relación con los medios de comunicación.
• Auxiliar de producción: Asiste al productor en la gestión diaria de la producción.
• Contable: Lleva la contabilidad de la producción y se encarga de la gestión de los pagos y cobros.

La coordinación y el trabajo en equipo entre el equipo técnico y el administrativo son fundamentales para el éxito de una producción teatral.

III- CONTESTE BREVEMENTE A SEIS DE LAS DOCE PREGUNTAS SIGUIENTES, CUYO VALOR ES DE 0,5 PUNTOS CADA UNA:

1- ¿Qué diferencias esenciales hay entre el teatro oriental y el occidental?

El teatro oriental y el occidental presentan diferencias fundamentales en cuanto a su concepción, estética y técnicas de representación.

• Teatro Oriental:

  • Se centra en la espiritualidad, la filosofía y la simbología.
  • Utiliza formas de representación estilizadas y ritualizadas, con gran importancia del gesto, la danza, la música y el canto.
  • La narrativa suele ser no lineal, y se enfoca en temas mitológicos, religiosos y folclóricos.
  • Los actores se someten a un entrenamiento riguroso que abarca cuerpo, voz y mente.
  • Ejemplos: Teatro Noh (Japón), Ópera de Pekín (China), Kathakali (India).

• Teatro Occidental:

  • Se centra en el realismo, la psicología de los personajes y el conflicto dramático.
  • Tiende a una representación más naturalista, aunque hay diversas corrientes y estilos.
  • La narrativa suele ser lineal, con un principio, desarrollo y desenlace claros.
  • Se enfoca en temas sociales, políticos y existenciales.
  • Los actores se enfocan en la interpretación del texto y la creación de personajes verosímiles.
  • Ejemplos: Teatro Griego, Teatro Isabelino, Teatro Realista, Teatro del Absurdo.

En resumen, el teatro oriental es más simbólico, ritualizado y espiritual, mientras que el occidental es más realista, psicológico y centrado en el conflicto.

2- Defina teatro gestual.

El teatro gestual es una forma de teatro que se basa principalmente en el movimiento corporal, la expresión facial y el gesto para comunicar ideas, emociones y narrativas. El diálogo, si existe, es mínimo o se utiliza de forma complementaria. Se centra en la expresividad del cuerpo como principal herramienta de comunicación, utilizando técnicas como la mímica, la danza, la acrobacia y el clown. El teatro gestual puede abarcar una amplia gama de estilos, desde la comedia física hasta el drama poético. Ejemplos de teatro gestual incluyen la pantomima, el mimo corporal dramático y el teatro físico.

3- ¿Qué es el código kinésico?

El código kinésico, también conocido como kinesia o cinésica, se refiere al lenguaje corporal y abarca todos los movimientos y gestos que utilizamos para comunicarnos, de forma consciente o inconsciente. Incluye la expresión facial, la postura, los gestos de las manos, la mirada, el movimiento de la cabeza, e incluso la orientación del cuerpo. Este código es fundamental en la interacción humana, ya que aporta información sobre el estado emocional, las intenciones y las actitudes de la persona. En el teatro, el código kinésico es una herramienta esencial para los actores, que lo utilizan para construir sus personajes y comunicar con el público.

4- ¿A qué tipo de teatro se le llama “teatro a la italiana”?

Se denomina "teatro a la italiana" al tipo de teatro que se desarrolla en un escenario enmarcado por un arco de proscenio, que separa la escena del público. Este tipo de teatro se originó en la Italia renacentista y se caracteriza por la perspectiva y la ilusión de profundidad creada por la escenografía. El público se sitúa frente al escenario, en una sala oscura, y observa la acción como si estuviera mirando a través de una "cuarta pared" imaginaria. El "teatro a la italiana" es el modelo de teatro más extendido en Occidente y ha influido en la arquitectura teatral y la puesta en escena durante siglos.

5- Defina Teatro pobre y diga quién planteó ese tipo de teatro

El Teatro Pobre es una corriente teatral propuesta por el director polaco Jerzy Grotowski. Se define por su austeridad y minimalismo, eliminando todo lo que se considera superfluo en la puesta en escena: escenografía elaborada, vestuario lujoso, iluminación artificial, música, etc. Se centra en el trabajo del actor como elemento esencial del teatro, buscando una conexión profunda y auténtica entre el actor y el público. El Teatro Pobre busca la esencia del teatro a través de la energía física y emocional del actor, utilizando su cuerpo y su voz como instrumentos principales. Grotowski consideraba el teatro como un acto ritual y un encuentro humano en el que el actor se entrega al público de forma total y honesta.

6- ¿Qué es la concha del apuntador y cuál era la función de este?

La concha del apuntador era un elemento arquitectónico, generalmente en forma de concha o semicúpula, que se situaba en el centro del proscenio, en el borde del escenario, cubriendo parcialmente a la persona que ocupaba el puesto de apuntador. La función del apuntador era seguir el texto de la obra durante la representación y "apuntar" o "soplar" las palabras a los actores en caso de que las olvidaran. La concha servía para ocultar al apuntador del público y, al mismo tiempo, proyectar su voz hacia el escenario. Con el desarrollo de las técnicas de memorización y la profesionalización de los actores, la figura del apuntador y su concha cayeron en desuso.