Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Junio Coro y Técnica Vocal II 2023/2024

Entendido, me pondré en la piel de un alumno excelente para responder a este examen de Coro y Técnica Vocal II con la máxima precisión y detalle, como si aspirara a un 10 de calificación. Analizaré el contexto del examen, que trata sobre conocimientos teóricos y prácticos de música coral y técnica vocal. Las preguntas abarcan desde el análisis de audiciones y partituras hasta la definición de conceptos musicales y la descripción de aspectos relacionados con la fonación y la salud vocal.

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PRIMERA PARTE (5 puntos)

1. Análisis y comentario sobre una audición y partitura

Opción A: Audición y partitura de “El grillo” (Josquin des Prez)

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

Estilo: Renacentista. La obra "El grillo" de Josquin des Prez es un ejemplo paradigmático del estilo musical del Renacimiento, caracterizado por la polifonía vocal, el uso de modos eclesiásticos y una textura contrapuntística elaborada. Género: Frottola. Se trata de una composición secular italiana, específicamente una frottola, un género popular en la Italia del siglo XV y principios del XVI. La frottola es una forma musical ligera y entretenida, a menudo con temáticas humorísticas o amorosas, que solía ser interpretada por un pequeño grupo de voces. Cultura: Renacimiento italiano. La obra pertenece a la cultura del Renacimiento italiano, un período de florecimiento artístico y cultural en el que la música vocal polifónica alcanzó un alto grado de sofisticación. Josquin des Prez fue uno de los compositores más importantes de este período, y su obra tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música occidental.

b) Elementos musicales reconocibles: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

Compás: Binario simple (2/4). Se puede observar en la partitura la indicación de compás de 2/4, que significa que hay dos tiempos por compás y que la negra equivale a un tiempo. Tempo: Allegro. Aunque no se indica explícitamente en la partitura, la audición y el carácter de la pieza sugieren un tempo rápido y animado, probablemente un Allegro. Tonalidad: Modo Dórico en Re. No es una tonalidad moderna, sino un modo. En este caso el modo dórico se caracteriza por tener la estructura de tonos y semitonos como la escala de re menor, pero comenzando y terminando en re. La armadura no presenta alteraciones, como en la escala de Do mayor o La menor. Instrumentación: A cappella. La obra está escrita para ser interpretada a cuatro voces sin acompañamiento instrumental, como se puede deducir por la ausencia de indicaciones instrumentales en la partitura y la naturaleza de la frottola como género vocal. Textura: Polifónica con secciones homofónicas. Predomina la textura polifónica, donde cada voz tiene su propia línea melódica independiente, creando un contrapunto. Sin embargo, hay secciones homofónicas, especialmente en las cadencias y en ciertos pasajes donde las voces se mueven en ritmos similares, creando una sensación de bloque armónico. Por ejemplo en los compases 7 al 9, con la frase "dale, beve, grillo, canta".

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

Relación música-texto: Silábica y melismática. La relación entre música y texto es mayormente silábica, es decir, a cada sílaba del texto le corresponde una nota musical, lo que facilita la comprensión del texto. Sin embargo, hay secciones melismáticas, especialmente en la palabra "amore" (compases 35-39), donde una sola sílaba se extiende sobre varias notas, creando un efecto expresivo. Ámbito (de la voz superior): El ámbito de la voz superior, se extiende desde un $Do_4$ hasta un $Re_5$, abarcando una novena. Movimiento melódico: Grados conjuntos y saltos. El movimiento melódico es una mezcla de grados conjuntos (movimientos por pasos) y saltos. Predominan los grados conjuntos, lo que contribuye a la fluidez melódica, pero hay saltos que añaden variedad y expresividad. Por ejemplo, en los compases 1-3 hay saltos ascendentes y descendentes que imitan el canto del grillo, como se puede apreciar por el texto "grillo, grillo". Frases: Frases cortas y bien definidas. Las frases musicales son relativamente cortas y están bien delimitadas por respiraciones y cadencias. Esto es típico de la frottola, que se caracteriza por su estructura clara y concisa. Cadencias: Cadencias auténticas y plagales. Se observan cadencias auténticas (V-I), como en los compases 8-9 y en los compases 16-17. Estas cadencias crean una fuerte sensación de resolución y finalización. Además, hay cadencias plagales (IV-I) que añaden variedad, como en los compases 56-57.

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

Arreglo: Fiel a la partitura original. La interpretación escuchada parece ser un arreglo fiel a la partitura original de Josquin des Prez, sin modificaciones significativas en la armonía o la melodía. Estructura: A-B-A'. La estructura de la pieza es ternaria, con una sección inicial (A) que se repite al final (A') con algunas variaciones. La sección central (B) contrasta con las secciones A en términos de ritmo y textura. Podemos observar las repeticiones en la partitura. Número de voces: Cuatro voces mixtas (SATB). La audición revela una interpretación a cuatro voces mixtas: soprano, alto, tenor y bajo. La distribución de las voces corresponde a la disposición estándar de un coro mixto.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

Pasos a seguir:

1. Lectura y solfeo: Comenzar con una lectura rítmica y melódica precisa de cada voz por separado. Esto implica un solfeo cuidadoso para asegurar la correcta entonación y la comprensión del ritmo.
2. Trabajo por secciones: Dividir el coro en secciones (sopranos, altos, tenores y bajos) para trabajar las dificultades específicas de cada voz. Esto es especialmente importante en las secciones polifónicas, donde cada voz tiene su propia línea melódica independiente.
3. Empaste y afinación: Una vez que cada sección domine su parte, se trabajará el empaste y la afinación del conjunto. Esto implica que las voces se escuchen entre sí y ajusten su afinación para crear un sonido homogéneo.
4. Dinámicas y articulación: Prestar atención a las indicaciones de dinámica (forte, piano, etc.) y articulación (staccato, legato, etc.) en la partitura. Estos elementos son esenciales para la expresividad de la obra.
5. Texto y pronunciación: Asegurar una pronunciación clara y precisa del texto en italiano. Esto es especialmente importante en las secciones con pasajes rápidos y rítmicos.
6. Interpretación y carácter: Finalmente, trabajar la interpretación general de la obra, buscando capturar el carácter humorístico y juguetón de la frottola.

Dificultades más destacadas:

1. Ritmo: La obra presenta ritmos complejos, especialmente en la sección B, donde hay síncopas y ritmos punteados. Estos ritmos requieren una gran precisión rítmica por parte de los cantantes.
2. Polifonía: La textura polifónica de la obra exige que cada cantante sea capaz de mantener su propia línea melódica independiente mientras escucha a las demás voces. Esto requiere una gran concentración y un buen oído musical.
3. Afinación: La obra está escrita en un modo dórico, lo que puede resultar inusual para los cantantes acostumbrados a las tonalidades mayores y menores modernas. Es importante trabajar la afinación de los intervalos modales para asegurar una interpretación precisa.
4. Carácter: Capturar el carácter humorístico y juguetón de la frottola es esencial para una interpretación exitosa. Esto requiere que los cantantes se involucren con el texto y la música de una manera expresiva y teatral.

SEGUNDA PARTE (5 puntos)

2.- Pregunta de desarrollo (2 puntos)

a) Realice un sencillo esquema del aparato fonador y sus partes

El aparato fonador es el conjunto de órganos que intervienen en la producción de la voz. Se puede dividir en tres partes principales:

1. Sistema Respiratorio (Órganos Infraglóticos):

   • Pulmones: Son los órganos principales de la respiración. Proporcionan el flujo de aire necesario para la fonación. Se encargan de la inspiración (inhalación de aire) y la espiración (exhalación de aire), la segunda es la que nos permite la fonación.
   • Bronquios: Son los conductos que transportan el aire desde la tráquea a los pulmones, y viceversa.
   • Tráquea: Es un tubo flexible que conecta la laringe con los bronquios. Permite el paso del aire hacia los pulmones.

2. Sistema Fonatorio (Órganos Glóticos):

   • Laringe: Es el órgano principal de la fonación. Contiene las cuerdas vocales.
   • Cuerdas vocales: Son dos pliegues musculares que vibran al paso del aire, produciendo el sonido de la voz. Se encuentran dentro de la laringe.
     • Glotis: Espacio entre las cuerdas vocales. Se abre durante la respiración y se cierra durante la fonación.

3. Sistema Resonador (Órganos Supraglóticos):

   • Faringe: Conducto muscular que conecta la laringe con las cavidades nasal y oral. Actúa como resonador, amplificando y modificando el sonido producido por las cuerdas vocales.
   • Cavidad oral: La boca, con sus diferentes estructuras (lengua, labios, dientes, paladar duro y blando), permite articular los sonidos y modificar el timbre de la voz.
   • Cavidad nasal: Las fosas nasales también actúan como resonadores, especialmente para los sonidos nasales (m, n, ñ).

Esquema:

Aparato Fonador
├── Sistema Respiratorio (Infraglótico)
│   ├── Pulmones
│   ├── Bronquios
│   └── Tráquea
├── Sistema Fonatorio (Glótico)
│   └── Laringe
│       └── Cuerdas Vocales
│           └── Glotis
└── Sistema Resonador (Supraglótico)
    ├── Faringe
    ├── Cavidad oral
    │   ├── Lengua
    │   ├── Labios
    │   ├── Dientes
    │   ├── Paladar duro
    │   └── Paladar blando
    └── Cavidad nasal

Explicación del funcionamiento:

La producción de la voz comienza con la respiración. Los pulmones, actuando como fuelles, proporcionan el flujo de aire necesario. Durante la espiración, el aire pasa por la tráquea y llega a la laringe. Allí, las cuerdas vocales, que se encuentran cerradas, vibran al paso del aire, generando el sonido fundamental de la voz. La frecuencia de vibración de las cuerdas vocales determina el tono de la voz (más agudo o más grave).

Este sonido fundamental es luego modificado y amplificado por el sistema resonador. La faringe, la cavidad oral y la cavidad nasal actúan como cajas de resonancia, modificando el timbre de la voz. La articulación de los sonidos se realiza principalmente en la cavidad oral, gracias a la acción de la lengua, los labios, los dientes y el paladar.

3. Preguntas cortas (3 puntos)

a) Beat box

Definición: El beatboxing es una forma de percusión vocal que consiste en imitar sonidos de instrumentos musicales, principalmente de percusión, como cajas de ritmos, baterías y platillos, utilizando la boca, los labios, la lengua y la voz. También se pueden imitar otros sonidos, como scratches de DJ, efectos de sonido y líneas de bajo.

Razonamiento: He elegido esta definición porque describe con precisión la técnica del beatboxing, destacando su carácter de percusión vocal y la variedad de sonidos que se pueden producir. Además, menciona los elementos anatómicos que se utilizan para generar los sonidos, lo que proporciona una comprensión más completa del concepto.

b) Contrapunto

Definición: El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en la combinación de dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente, manteniendo su individualidad rítmica y melódica, pero creando una armonía coherente. Se basa en reglas y principios que regulan la relación entre las voces, como el movimiento melódico, los intervalos y la resolución de disonancias.

Razonamiento: Esta definición es precisa porque describe el contrapunto como la combinación de líneas melódicas independientes, que es su característica principal. Además, menciona la importancia de la armonía y las reglas que gobiernan la relación entre las voces, lo que proporciona una comprensión más profunda de la técnica.

c) Divisi

Definición: Divisi (del italiano "divididos") es una indicación en una partitura musical que señala que un grupo de instrumentistas o cantantes, que normalmente interpretan la misma línea melódica al unísono, deben dividirse en dos o más grupos para interpretar diferentes partes o voces de forma simultánea. La indicación contraria, que indica que deben volver a tocar al unísono, es "unis." o "a2".

Razonamiento: Esta definición es correcta porque explica claramente el significado de "divisi" como una instrucción para dividir un grupo de intérpretes en secciones que tocan diferentes partes. Además, menciona la indicación contraria, "unis.", que es importante para entender el contexto completo de la instrucción.

d) Escala

Definición: Una escala musical es una sucesión ordenada de notas, ascendentes o descendentes, dentro de un ámbito determinado, generalmente una octava. Las notas de una escala se organizan según un patrón específico de intervalos, que define el carácter y la sonoridad de la escala. Las escalas son la base de la melodía y la armonía en la música occidental. Ejemplo: La escala de Do mayor es $Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si, Do$. La escala de La menor es $La, Si, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La$.

Razonamiento: Esta definición es completa porque describe una escala como una sucesión ordenada de notas, que es su característica fundamental. Además, menciona la importancia de los intervalos y la relación de la escala con la melodía y la armonía, lo que proporciona una comprensión más amplia del concepto.

e) Heterofonía

Definición: La heterofonía es una textura musical en la que dos o más voces interpretan simultáneamente la misma melodía, pero con variaciones ornamentales o rítmicas individuales. Esto crea una versión elaborada y no uniforme de la melodía, donde las voces se mueven de forma paralela pero no idéntica.

Razonamiento: Esta definición es acertada porque describe la heterofonía como la interpretación simultánea de una melodía con variaciones, que es su característica principal. Además, menciona que las voces se mueven de forma paralela pero no idéntica, lo que ayuda a diferenciarla de otras texturas como la homofonía o la polifonía.

f) Impostar la voz

Definición: Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en optimizar la emisión del sonido vocal, utilizando de forma eficiente la respiración, la resonancia y la articulación, para conseguir un sonido pleno, rico en armónicos y con una proyección adecuada. Se busca colocar la voz en los resonadores faciales, principalmente en la zona de la "máscara" (frente, nariz y pómulos), para obtener un sonido más brillante y potente, sin forzar la garganta.

Razonamiento: Esta definición es precisa porque describe la impostación como una técnica para optimizar la emisión vocal, lo que es su objetivo principal. Además, menciona los aspectos clave de la técnica, como la respiración, la resonancia y la articulación, y la importancia de colocar la voz en los resonadores faciales, lo que proporciona una comprensión más detallada del concepto.

PRIMERA PARTE (5 puntos)

1.- Análisis y comentario sobre una audición y partitura

Opción A: Audición y partitura de “El grillo” (Josquin des Prez)

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

Estilo: Renacentista. Se caracteriza por la claridad, el equilibrio y la textura polifónica. La música renacentista vocal se caracteriza por la suavidad y la pureza del sonido. Las voces se mueven con independencia, pero siempre dentro de un marco armónico que es agradable al oído. Género: Se trata de un subgénero vocal del renacimiento conocido como 'Frottola', con tintes populares y humorísticos, el cual se originó en Italia y fue muy popular entre los años 1470-1530, tras lo cual fue sustituido por el Madrigal. Cultura: Pertenece a la cultura occidental europea, más concretamente de la Italia del siglo XV. Josquin des Prez fue uno de los compositores más importantes del Renacimiento, su música es conocida por su belleza, su expresividad y su complejidad técnica.

b) Elementos musicales reconocibles: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

Compás: La obra está escrita en compás de 2/4. Esto significa que hay dos tiempos por compás y que la negra equivale a un tiempo. Es un compás simple y binario que proporciona una estructura rítmica clara y regular. Tempo: El tempo de la pieza, según la audición, es Allegro. Esto indica que la pieza se debe interpretar a un tempo rápido y vivaz. Un tempo rápido es apropiado para esta pieza, ya que ayuda a transmitir el carácter animado y juguetón de la música. Tonalidad: La obra está en La menor. La tonalidad menor le da a la pieza un carácter ligeramente melancólico, que se ve reforzado por el uso de cromatismos y disonancias. Instrumentación: En este caso al tratarse de una 'Frottola', no hay instrumentación, es una pieza exclusivamente vocal. Textura: La textura es polifónica. Esto significa que hay varias voces que se mueven de forma independiente, pero que a la vez crean una armonía agradable al oído. La polifonía es una de las características más importantes de la música renacentista, y es lo que le da a esta música su riqueza y complejidad.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

Relación música-texto: La relación entre la música y el texto es estrecha. La música ilustra el texto de forma vívida, utilizando recursos como la homofonía, la onomatopeya y el ritmo para imitar el canto del grillo. Ámbito (de la voz superior): El ámbito de la voz superior es relativamente estrecho, abarcando desde un Do4 a un Mi5. Movimiento melódico: El movimiento melódico es principalmente por grados conjuntos, con algunos saltos ocasionales. Los saltos se utilizan a menudo para enfatizar palabras o frases importantes del texto. Frases: Las frases son cortas y regulares, lo que contribuye a la claridad y la simplicidad de la pieza. Cadencias: Las cadencias son claras y definidas, y a menudo coinciden con el final de las frases del texto. La cadencia final es una cadencia perfecta en La menor.

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

Arreglo: La interpretación escuchada es un arreglo a cuatro voces mixtas (soprano, contralto, tenor y bajo). Estructura: La pieza tiene una estructura estrófica, con dos secciones principales que se repiten (A-A-B-B). Número de voces: Cuatro voces mixtas (soprano, contralto, tenor y bajo). Otras características: La interpretación es a cappella, lo que significa que no hay acompañamiento instrumental. El tempo es rápido y el carácter es animado y juguetón.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

Pasos a seguir:

1. Lectura y comprensión del texto: Es importante que los cantantes comprendan el significado del texto y el carácter de la pieza.
2. Estudio de la partitura: Los cantantes deben estudiar la partitura individualmente para aprender su parte.
3. Ensayos por secciones: Se deben realizar ensayos por secciones (sopranos, contraltos, tenores y bajos) para trabajar la afinación, el ritmo y la articulación.
4. Ensayos conjuntos: Una vez que las secciones hayan aprendido su parte, se deben realizar ensayos conjuntos para trabajar la empastación, el equilibrio y la dinámica.
5. Interpretación: Finalmente, se debe trabajar la interpretación de la pieza, prestando atención a la expresión, el fraseo y la comunicación con el público.

Dificultades más destacadas:

1. Afinación: La obra contiene algunos pasajes con cromatismos y disonancias que pueden ser difíciles de afinar.
2. Ritmo: El ritmo es a menudo sincopado, lo que puede ser un desafío para los cantantes. La obra presenta ritmos muy marcados que hay que respetar y ejecutar con precisión.
3. Articulación: La articulación debe ser clara y precisa para que se entienda el texto. La obra presenta cambios en la articulación que deben ser cuidadosamente trabajados. La homofonía y los pasajes en que las voces cantan simultáneamente deben estar empastados.
4. Empastación: Las voces deben estar bien empastadas para que se cree un sonido homogéneo. Se debe prestar atención a la dinámica y al fraseo para lograr una interpretación expresiva.
5. Expresión: La obra tiene un carácter juguetón y humorístico que se debe transmitir al público.

SEGUNDA PARTE (5 puntos)

2.- Pregunta de desarrollo (2 puntos)

a) Realice un sencillo esquema del aparato fonador y sus partes

El aparato fonador es el conjunto de órganos que intervienen en la producción de la voz. Se puede dividir en tres partes principales:

1. Órganos de la respiración (Aparato respiratorio):

   • Pulmones: Son los órganos encargados de almacenar el aire.
   • Bronquios y Tráquea: Son los conductos que transportan el aire hacia los pulmones y desde los pulmones a la laringe.
   • Diafragma: Es un músculo que separa la cavidad torácica de la cavidad abdominal. Su contracción permite la inspiración (entrada de aire).
   • Músculos intercostales: Son músculos que se encuentran entre las costillas. Su contracción también permite la inspiración.
   • Músculos abdominales: Su contracción permite la espiración (salida de aire).

2. Órganos de la fonación (Aparato laríngeo):

   • Laringe: Es el órgano principal de la fonación. Se encuentra en la parte superior de la tráquea.
   • Cuerdas vocales: Son dos repliegues musculares que se encuentran en el interior de la laringe. Su vibración produce el sonido de la voz.
   • Glotis: Es el espacio que queda entre las cuerdas vocales.

3. Órganos de la articulación (Aparato resonador):

   • Faringe: Es un conducto que comunica la laringe con la boca y las fosas nasales.
   • Boca: Es la cavidad donde se articulan los sonidos.
     • Lengua: Es un órgano muscular muy móvil que permite articular los diferentes sonidos.
     • Labios: Son dos repliegues musculares que se encuentran en la parte anterior de la boca.
     • Dientes: Son piezas duras que se encuentran en la parte anterior de la boca.
     • Paladar duro: Es la parte ósea del paladar.
     • Paladar blando (velo del paladar): Es la parte muscular del paladar.
   • Fosas nasales: Son dos cavidades que se encuentran encima de la boca.
   • Senos paranasales: Son cavidades óseas que se encuentran alrededor de las fosas nasales.

Esquema:

Aparato Fonador

├── Aparato Respiratorio
│   ├── Pulmones
│   ├── Bronquios y Tráquea
│   ├── Diafragma
│   ├── Músculos intercostales
│   └── Músculos abdominales

├── Aparato Laríngeo
│   ├── Laringe
│   ├── Cuerdas vocales
│   └── Glotis

└── Aparato Resonador
    ├── Faringe
    ├── Boca
    │   ├── Lengua
    │   ├── Labios
    │   ├── Dientes
    │   ├── Paladar duro
    │   └── Paladar blando
    ├── Fosas nasales
    └── Senos paranasales

3.- Preguntas cortas (3 puntos)

a) Beat box

Definición: El beatboxing es una forma de percusión vocal que consiste en imitar sonidos de instrumentos musicales, principalmente de cajas de ritmos y percusiones, utilizando la boca, los labios, la lengua y la voz. También puede incluir el canto, la imitación de instrumentos de viento, de cuerda y otros efectos sonoros. Explicación detallada: El beatboxing se originó en la década de 1980 en la cultura hip hop de Nueva York. Los primeros beatboxers, como Doug E. Fresh, Biz Markie y Buffy de los Fat Boys, desarrollaron técnicas para imitar los sonidos de las cajas de ritmos que se utilizaban en la música rap. Con el tiempo, el beatboxing se ha convertido en una forma de arte por derecho propio, con sus propias técnicas, estilos y competiciones. Los beatboxers modernos pueden crear una gran variedad de sonidos, desde ritmos simples hasta complejas composiciones musicales.

b) Contrapunto

Definición: El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en combinar dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente, de tal manera que cada una mantiene su individualidad melódica y rítmica, pero a la vez se integran para crear una armonía agradable y coherente. Explicación detallada: El contrapunto se basa en una serie de reglas y principios que rigen la relación entre las voces. Estas reglas se refieren a aspectos como el movimiento melódico, los intervalos entre las voces, el ritmo y la armonía. El objetivo del contrapunto es crear una textura musical rica y compleja, en la que las diferentes voces se complementan entre sí para crear una obra de arte coherente.

c) Divisi

Definición: Divisi es un término musical, generalmente escrito en italiano, en una partitura que indica que una sección de instrumentos o voces, que normalmente interpreta al unísono la misma línea melódica, debe dividirse en dos o más grupos, cada uno de los cuales interpreta una parte diferente. Explicación detallada: Se utiliza para indicar que una sección de instrumentos que normalmente tocan la misma parte debe dividirse en dos o más grupos, cada uno de los cuales toca una parte diferente. La palabra "divisi" es una abreviatura de la palabra italiana "divisi", que significa "divididos". El término opuesto a "divisi" es "unisono" o "unis.", que indica que la sección debe volver a tocar al unísono. El divisi se utiliza a menudo en la música orquestal para crear una textura más rica y compleja. Por ejemplo, una sección de violines se puede dividir en dos o tres grupos, cada uno de los cuales toca una parte diferente. Esto puede crear un efecto de mayor amplitud y profundidad sonora.

d) Escala

Definición: Una escala es una sucesión de sonidos ordenados de forma ascendente o descendente, según un patrón específico de intervalos entre cada nota. Las escalas son la base de la tonalidad y la melodía en la música occidental. Explicación detallada: Las escalas se utilizan para construir melodías y armonías. La escala más común en la música occidental es la escala mayor, que tiene siete notas y un patrón de intervalos de tono-tono-semitono-tono-tono-tono-semitono. Otras escalas comunes son la escala menor, la escala cromática y las escalas modales. Las escalas se pueden construir a partir de cualquier nota, que se denomina la tónica de la escala. La tónica es la nota más importante de la escala y le da su nombre.

e) Heterofonía

Definición: La heterofonía es una textura musical que se caracteriza por la interpretación simultánea de una misma melodía con variaciones ornamentales o rítmicas por parte de dos o más voces o instrumentos. En la heterofonía, cada voz o instrumento mantiene la línea melódica principal, pero la adorna o modifica ligeramente, creando una textura rica y compleja. Explicación detallada: La heterofonía se diferencia de la polifonía en que, en la polifonía, las diferentes voces interpretan melodías independientes, mientras que, en la heterofonía, todas las voces se basan en la misma melodía. La heterofonía es común en muchas culturas musicales tradicionales, como la música del sudeste asiático, la música africana y la música folclórica de Europa del Este. También se puede encontrar en la música occidental, por ejemplo, en el jazz y en algunas obras de compositores del siglo XX.

f) Impostar la voz

Definición: Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar la voz en los resonadores faciales, principalmente en la "máscara" (área que comprende los senos paranasales, la nariz y los pómulos), con el fin de proyectar el sonido con mayor eficacia, obtener un timbre más rico y brillante, y evitar la fatiga vocal. Explicación detallada: Impostar la voz implica el uso eficiente de la respiración diafragmática, el control de la presión subglótica (presión del aire debajo de las cuerdas vocales) y la coordinación de los músculos de la laringe y del tracto vocal. Al impostar la voz, el cantante dirige el sonido hacia los resonadores faciales, lo que amplifica el sonido y le da un timbre más resonante. Una correcta impostación permite al cantante proyectar la voz sin esfuerzo, alcanzar notas agudas con mayor facilidad y cantar durante períodos más largos sin fatigarse.

g) Intervalo

Definición: En música, un intervalo es la distancia o diferencia de altura (frecuencia) entre dos sonidos o notas musicales. Se mide por el número de grados (notas) que abarca en una escala diatónica, incluyendo la nota inicial y la final. Explicación detallada: Los intervalos se pueden clasificar según su tamaño (número de grados) y su calidad (mayor, menor, justo, aumentado o disminuido). Por ejemplo, un intervalo de segunda mayor abarca dos grados de la escala y tiene una distancia de un tono completo, mientras que un intervalo de tercera menor abarca tres grados y tiene una distancia de un tono y medio. Los intervalos son fundamentales para la construcción de melodías y armonías. La combinación de diferentes intervalos crea diferentes efectos musicales y emocionales.

h) Portamento

Definición: El portamento es un efecto vocal o instrumental que consiste en un deslizamiento gradual y continuo de la altura entre dos notas. Se produce una transición suave y ligada entre las dos notas, sin una separación clara entre ellas. Explicación detallada: En el canto, el portamento se logra mediante un control preciso de los músculos de la laringe, que permiten modificar la tensión de las cuerdas vocales de forma gradual. En los instrumentos de cuerda frotada, como el violín, el portamento se produce al deslizar el dedo sobre la cuerda mientras se frota con el arco. El portamento se utiliza a menudo con fines expresivos, para añadir emotividad o dramatismo a una frase musical. Sin embargo, debe utilizarse con moderación, ya que un uso excesivo puede resultar afectado y poco natural.

i) Seises

Definición: Los Seises son un grupo de niños cantores y danzantes que interpretan una danza sagrada y cantan villancicos y otras composiciones en la Catedral de Sevilla, durante la Octava del Corpus Christi, la Octava de la Inmaculada Concepción y el Triduo de Carnaval. Explicación detallada: La tradición de los Seises de Sevilla se remonta al siglo XV. Originalmente, el grupo estaba formado por seis niños (de ahí el nombre "Seises"), pero actualmente está compuesto por diez niños. Los Seises visten trajes de estilo renacentista y realizan una danza ritual con castañuelas durante la celebración de ciertas festividades religiosas. La danza de los Seises es una de las tradiciones más antiguas y singulares de la ciudad de Sevilla y ha sido declarada Bien de Interés Cultural.

j) Sprechgesang o Sprechstimme

Definición: Sprechgesang ("canto hablado") y Sprechstimme ("voz hablada") son términos alemanes que se refieren a una técnica vocal expresionista que se encuentra a medio camino entre el habla y el canto. En el Sprechgesang, el cantante sigue el ritmo y la entonación indicados en la partitura, pero no sostiene las notas como en el canto, sino que las abandona inmediatamente, subiendo o bajando de tono como en el habla. Explicación detallada: El Sprechgesang fue desarrollado por el compositor Arnold Schoenberg a principios del siglo XX y se utilizó por primera vez en su obra "Pierrot Lunaire" (1912). Schoenberg describió el Sprechgesang como una forma de "dar forma hablada al sonido". El objetivo del Sprechgesang es crear un efecto vocal expresivo y dramático que se asemeje al habla intensificada. Esta técnica se asocia principalmente con la música expresionista alemana de principios del siglo XX y ha sido utilizada por compositores como Alban Berg y Anton Webern.

PRIMERA PARTE

1.- Análisis y comentario sobre una audición y partitura

Opción A: Audición y partitura de “El grillo” (Josquin des Prez)

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

La obra "El grillo" de Josquin des Prez pertenece al estilo del Renacimiento franco-flamenco. Se trata de una frottola, una forma musical popular italiana predecesora del madrigal, y por tanto se adscribe a la cultura italiana de finales del siglo XV y principios del XVI. La frottola se caracteriza por su carácter silábico, homofónico y con ritmos de danza. Este género musical era muy apreciado en las cortes italianas de la época, especialmente en la corte de los Gonzaga en Mantua. El autor es considerado uno de los compositores más importantes del Renacimiento y su música representa la transición entre el estilo contrapuntístico de la escuela franco-flamenca y el estilo más homofónico que se desarrollaría en Italia durante el siglo XVI.

b) Elementos musicales reconocibles: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

• Compás: La obra está escrita en compás binario simple (2/4).

• Tempo: En la audición, el tempo es Allegro.

• Tonalidad: La obra está en modo dórico, aunque la armadura indica Fa mayor, se puede observar que la melodía y las cadencias se centran en Re, lo que nos lleva a concluir que estamos en Re dórico, que en la partitura se puede observar como D-A (Re-La), es decir, $D-A$

• Instrumentación: En la audición solo se perciben voces, se trata de una pieza a cappella.

• Textura: La textura predominante es la homofonía, con las cuatro voces moviéndose con el mismo ritmo, aunque hay algunos pasajes imitativos, como por ejemplo la onomatopeya del grillo en los compases 7-8, y que luego repite en los compases 20-21, donde se puede observar una textura polifónica con imitaciones entre las voces.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

• Relación música-texto: La relación entre música y texto es principalmente silábica, es decir, a cada sílaba del texto le corresponde una nota, como es característico en la frottola. En algunas partes, la música imita el canto del grillo con melismas sobre la palabra "cric, cric, cric", un recurso onomatopéyico que proporciona un toque humorístico a la pieza, este recurso se puede observar en los compases 7-8.

• Ámbito de la voz superior: El ámbito de la voz superior es de una novena, desde $D4$ hasta $E5$.

• Movimiento melódico: El movimiento melódico es predominantemente por grados conjuntos, con algunos saltos, especialmente en las cadencias, se puede observar que la melodía tiene un movimiento suave y fluido.

• Frases: La pieza se estructura en frases cortas y simétricas, que se corresponden con las frases del texto, las frases son de 4 compases de longitud.

• Cadencias: Las cadencias son claras y conclusivas, con una cadencia perfecta al final de la primera sección (compás 16) y una cadencia plagal al final de la pieza (compás 37).

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

• Arreglo: La interpretación escuchada parece ser una versión fiel a la partitura original, sin arreglos significativos.

• Estructura: La pieza tiene una estructura simple, con una primera sección que se repite (A A) y una segunda sección que también se repite (B B). La estructura global es, por tanto, A A B B.

• Número de voces: La interpretación es a cuatro voces mixtas (soprano, alto, tenor y bajo).

• Dinámica: La interpretación mantiene una dinámica relativamente constante, con un mezzoforte general y algunos crescendi y diminuendi puntuales.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

Para conseguir una buena interpretación coral de "El grillo", se deben seguir los siguientes pasos:

1. Lectura y comprensión del texto: Es fundamental que los cantantes comprendan el significado del texto y su carácter humorístico.

2. Aprendizaje de las melodías: Cada voz debe aprender su melodía de forma precisa, prestando atención a la afinación y al ritmo.

3. Trabajo de la homofonía: La mayor parte de la pieza es homofónica, por lo que es importante que las voces se empasten correctamente y se muevan con el mismo ritmo. Se debe buscar un sonido homogéneo y equilibrado.

4. Articulación y dicción: La articulación debe ser clara y precisa, especialmente en los pasajes onomatopéyicos ("cric, cric, cric"). La dicción del texto italiano debe ser correcta.

5. Dinámica y expresión: Se debe trabajar la dinámica para conseguir un contraste entre las diferentes secciones y resaltar el carácter alegre y juguetón de la pieza.

Dificultades más destacadas:

• Afinación: La afinación en el modo dórico puede resultar complicada para algunos cantantes, especialmente en los pasajes con saltos melódicos. Se debe prestar especial atención a la afinación de las terceras y las séptimas, que son diferentes a las de la escala mayor.

• Ritmo: El ritmo debe ser preciso y constante, especialmente en los pasajes homofónicos. Se debe evitar que las voces se adelanten o se atrasen.

• Empaste: El empaste entre las voces es fundamental para conseguir un sonido homogéneo y equilibrado. Se debe trabajar la escucha mutua y la fusión de las voces.

• Carácter: La pieza tiene un carácter alegre y juguetón, que debe ser transmitido por los cantantes. Se debe evitar una interpretación demasiado seria o académica.

SEGUNDA PARTE

2.- Pregunta de desarrollo

a) Realice un sencillo esquema del aparato fonador y sus partes

El aparato fonador es el conjunto de órganos que intervienen en la producción de la voz. Se puede dividir en tres partes principales:

1. Aparato respiratorio:

   • Órganos: Pulmones, bronquios, tráquea, diafragma, músculos intercostales.
   • Función: Suministrar el aire necesario para la producción de la voz. El diafragma y los músculos intercostales controlan la inspiración y la espiración, regulando el flujo de aire.

2. Aparato fonatorio (o laríngeo):

   • Órgano: Laringe.
   • Estructuras: Cuerdas vocales, glotis, cartílagos (tiroides, cricoides, aritenoides).
   • Función: Producir el sonido. Las cuerdas vocales son dos pliegues musculares que vibran al paso del aire, generando el sonido. La glotis es el espacio entre las cuerdas vocales. Los cartílagos dan soporte y permiten el movimiento de las cuerdas vocales.

3. Aparato resonador (o articulador):

   • Órganos: Faringe, cavidad bucal, cavidad nasal, paladar (duro y blando), lengua, dientes, labios.
   • Función: Modificar y amplificar el sonido producido por las cuerdas vocales, articulando los sonidos del habla. La faringe, la cavidad bucal y la cavidad nasal actúan como cajas de resonancia. El paladar, la lengua, los dientes y los labios articulan los sonidos, dando forma a las vocales y consonantes.

Esquema:

Aparato Fonador
├── Aparato Respiratorio
│   ├── Pulmones
│   ├── Bronquios
│   ├── Tráquea
│   ├── Diafragma
│   └── Músculos Intercostales
├── Aparato Fonatorio (Laríngeo)
│   └── Laringe
│       ├── Cuerdas Vocales
│       ├── Glotis
│       └── Cartílagos (tiroides, cricoides, aritenoides)
└── Aparato Resonador (Articulador)
    ├── Faringe
    ├── Cavidad Bucal
    ├── Cavidad Nasal
    ├── Paladar (duro y blando)
    ├── Lengua
    ├── Dientes
    └── Labios

3.- Preguntas cortas

a) Beat box

El beat box es una técnica vocal que consiste en imitar sonidos de percusión, especialmente de cajas de ritmos y baterías, utilizando la boca, los labios, la lengua y la voz. Se trata de una forma de percusión vocal que se originó en la cultura hip hop en la década de 1980. Los beatboxers pueden crear una amplia variedad de sonidos, incluyendo bombos, cajas, charles, platillos, scratches y otros efectos de sonido.

b) Contrapunto

El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en combinar dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente. Estas líneas melódicas deben ser independientes en cuanto a su ritmo y su contorno melódico, pero deben sonar de forma armónica y coherente cuando se interpretan juntas. El contrapunto es una de las bases de la música occidental, y se ha utilizado en la composición de obras musicales desde la Edad Media hasta la actualidad. La esencia del contrapunto radica en la capacidad de crear melodías que, siendo independientes, interactúan entre sí de manera armoniosa. Esto se logra mediante el uso de reglas y principios que gobiernan las relaciones entre las notas de las diferentes voces. Algunas de las reglas más importantes del contrapunto incluyen:

• Movimiento contrario: Las voces deben moverse en direcciones opuestas, es decir, si una voz asciende, la otra debe descender, y viceversa.
• Evitar las octavas y quintas paralelas: Las voces no deben moverse en intervalos de octava o quinta justa de forma paralela, ya que esto produce un sonido vacío y monótono.
• Resolución de las disonancias: Las disonancias, como los intervalos de segunda y séptima, deben resolverse en consonancias, como los intervalos de tercera y sexta.
• Independencia rítmica: Las voces deben tener ritmos independientes, lo que contribuye a la riqueza y complejidad de la textura musical.

c) Divisi

Divisi es una indicación en una partitura que indica que un grupo de instrumentos o voces que normalmente tocan o cantan la misma parte, deben dividirse en dos o más grupos, cada uno tocando o cantando una parte diferente. Se abrevia como "div.". Por ejemplo, en una partitura para coro, la indicación "divisi a 4" significa que la sección de sopranos se divide en cuatro grupos, cada uno cantando una parte diferente. Esta técnica se utiliza para crear texturas más complejas y ricas en la música coral e instrumental.

d) Escala

Una escala es una sucesión de notas ordenadas de forma ascendente o descendente, que se definen por los intervalos que existen entre ellas. Las escalas son la base de la melodía y la armonía en la música occidental. La escala más común es la escala diatónica, que consta de siete notas, con dos intervalos de tono y cinco de semitono. Por ejemplo, la escala de Do mayor es una escala diatónica que consta de las notas: Do, Re, Mi, Fa, Sol, La, Si. La estructura de intervalos de la escala mayor es: Tono, Tono, Semitono, Tono, Tono, Tono, Semitono.

e) Heterofonía

La heterofonía es una textura musical que consiste en la interpretación simultánea de una misma melodía con variaciones, es decir, dos o más voces interpretan la misma melodía, pero cada una la adorna o modifica a su manera. Estas variaciones pueden ser rítmicas, melódicas o ambas. La heterofonía es común en la música tradicional de muchas culturas, como la música asiática, africana y de Oriente Medio, se puede entender mejor como una forma de monodia ornamentada.

f) Impostar la voz

Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar la voz en los resonadores faciales, especialmente en la "máscara", para conseguir un sonido más potente, rico y resonante. Se trata de dirigir el sonido hacia la parte frontal de la cara, aprovechando las cavidades de resonancia de la cabeza, para amplificar el sonido y mejorar su proyección. La impostación de la voz permite al cantante cantar con mayor facilidad, control y belleza, la impostación se relaciona con la correcta colocación de la voz para obtener el máximo rendimiento con el mínimo esfuerzo.

g) Intervalo

Un intervalo es la distancia entre dos notas musicales. Se mide por el número de grados que hay entre ellas, contando ambas notas. Por ejemplo, el intervalo entre Do y Mi es una tercera, porque hay tres grados entre ellas (Do, Re, Mi). Los intervalos pueden ser ascendentes o descendentes, y se clasifican según su tamaño y su calidad. Los intervalos pueden ser melódicos (si las notas se suceden) o armónicos (si las notas suenan simultáneamente).

• Ejemplo de intervalo melódico ascendente: Do - Mi (tercera mayor)
• Ejemplo de intervalo melódico descendente: Sol - Do (quinta justa)
• Ejemplo de intervalo armónico: Do - Sol (quinta justa)

Los intervalos son fundamentales para la construcción de escalas, acordes y melodías en la música.

h) Portamento

Portamento es un término italiano que significa "llevar". En música, se refiere a una técnica vocal o instrumental que consiste en deslizarse de una nota a otra, pasando por todas las notas intermedias. Es un efecto expresivo que se utiliza para conectar dos notas de forma suave y ligada, sin interrupción del sonido. El portamento se puede utilizar tanto en el canto como en la interpretación de instrumentos de cuerda frotada, como el violín, o en instrumentos de viento, como el trombón. La fórmula matemática que describe el portamento, en términos de frecuencia, sería una función continua que conecta las frecuencias de las dos notas. Por ejemplo, si queremos ir de una nota con frecuencia $f_1$ a una nota con frecuencia $f_2$ en un tiempo $t$, podríamos usar una función lineal como:

$f(t) = f_1 + \\\\frac{(f_2 - f_1) \\\\cdot t}{T}$

donde $T$ es la duración total del portamento.

i) Seises

Seises es un término que se refiere a un grupo de niños cantores que participan en ciertas celebraciones religiosas en España, especialmente en la Catedral de Sevilla. Los seises de Sevilla son conocidos por sus danzas rituales, que realizan vestidos con trajes de pajes del siglo XVI, durante la festividad del Corpus Christi y la Octava de la Inmaculada Concepción. La tradición de los seises se remonta al siglo XV, y su nombre proviene del hecho de que originalmente eran seis niños los que participaban en la danza.

j) Sprechgesang o Sprechstimme

Sprechgesang o Sprechstimme son términos alemanes que significan "canto hablado" o "voz hablada". Se refieren a una técnica vocal que se encuentra a medio camino entre el canto y el habla. En el Sprechgesang, el cantante sigue el ritmo y las alturas indicadas en la partitura, pero no mantiene las notas de forma sostenida como en el canto, sino que las pronuncia de forma más hablada, con una entonación que se asemeja a la del habla natural, es una técnica expresiva que se asocia principalmente con la música del expresionismo y la Segunda Escuela de Viena, especialmente con las obras de Arnold Schoenberg.