Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Junio Análisis Musical II 2023/2024

PARTE 1. AUDICIÓN CON PARTITURA (5 puntos)

Partitura y Audición 1

1. Aspectos rítmicos: (compás, tempo, fórmulas rítmicas principales).

La obra se encuentra en un compás de $6/8$, lo que indica un compás de subdivisión binaria, con seis corcheas por compás y donde la negra con puntillo recibe un pulso. El tempo indicado es "Allegretto", lo que sugiere un ritmo moderadamente rápido, pero más lento que un "Allegro".

En cuanto a las fórmulas rítmicas, predominan las corcheas, que proporcionan un movimiento constante y fluido. Además, se observan semicorcheas, que añaden variedad y un carácter más vivo en ciertos pasajes, como por ejemplo en el compás 7 con el tresillo de semicorcheas. También aparecen patrones rítmicos con puntillo, en los compases 5 y 6, que generan un ritmo ligeramente sincopado y una sensación de impulso hacia adelante.

En resumen, la combinación del compás de $6/8$, el tempo "Allegretto" y las variaciones rítmicas entre corcheas, semicorcheas y figuras con puntillo otorgan a la pieza un carácter fluido, ágil y con un pulso bien definido.

2. Aspectos armónicos: (tonalidad y modalidad de la composición, enlaces armónicos principales, tipos de acordes principales).

La obra está en la tonalidad de Sol mayor, como indica la armadura de clave con un sostenido (Fa#). La modalidad es mayor, lo que se confirma por la presencia constante de la sensible (Fa#) y la resolución en la tónica (Sol).

Los enlaces armónicos principales se basan en las funciones tonales de tónica, dominante y subdominante. Se observa una progresión armónica típica del período clásico, con cadencias perfectas (V-I) que refuerzan la tonalidad, como la que se produce entre los compases 7 y 8. También hay uso de la dominante secundaria $V/V$ (compás 6), con un acorde de Re mayor, que es la dominante de Sol mayor, que resuelve en la dominante (Sol mayor). Los acordes más utilizados son los acordes de tríada en estado fundamental y primera inversión, típicos del estilo clásico.

El acorde de séptima de dominante aparece en los compases 5 y 7.

En resumen, la obra se enmarca claramente en el sistema tonal, utilizando las funciones tonales principales y cadencias perfectas para establecer la tonalidad de Sol mayor.

3. Aspectos melódicos: (intervalos dominantes, ámbito, perfil).

Los intervalos melódicos dominantes son los intervalos de segunda, tercera y cuarta justa. Se observan tanto en sentido ascendente como descendente, creando un perfil melódico fluido y cantabile. En ocasiones se observan saltos más amplios como por ejemplo una sexta mayor ascendente en el compás 4. El ámbito de la melodía principal es de una décima, desde un Re4 a un Fa#5.

El perfil melódico es variado, combinando movimientos graduales con algunos saltos. Predomina un carácter ascendente en las frases iniciales, seguido de un diseño más ondulante. La melodía presenta un equilibrio entre momentos de tensión y reposo, creando un arco expresivo a lo largo de la pieza.

4. Aspectos de dinámica, agógica, carácter y articulación.

La obra presenta una dinámica variada que contribuye a su expresividad. Se observan indicaciones de "piano" (p), "mezzo forte" (mf) y "forte" (f), creando contrastes dinámicos a lo largo de la pieza. Además, hay reguladores que indican cambios graduales de intensidad, como crescendos y diminuendos, por ejemplo en el compás 5, añadiendo matices y expresividad.

En cuanto a la agógica, no se observan indicaciones específicas más allá del tempo "Allegretto". Sin embargo, la interpretación de las diferentes figuras rítmicas y la articulación sugerida por las ligaduras, puede implicar sutiles variaciones de tempo para realzar el carácter de la música.

El carácter de la obra es principalmente lírico y cantabile, especialmente en la melodía principal. La articulación combina pasajes ligados, que sugieren una interpretación suave y conectada, con notas sueltas que aportan un carácter más ligero y articulado.

5. Textura.

La textura predominante en la obra es la melodía acompañada. Se observa claramente una melodía principal en la voz superior, mientras que las voces inferiores proporcionan un acompañamiento armónico y rítmico. La melodía principal destaca por su carácter cantabile y su diseño melódico, mientras que el acompañamiento se basa en acordes y arpegios que complementan la armonía.

En algunos momentos, como en el compás 15, se observa un breve pasaje donde la mano izquierda del piano tiene un papel más activo melódicamente, pero la textura de melodía acompañada sigue siendo la principal.

PARTE 2. ANÁLISIS MUSICAL (5 puntos)

1. Madrigal.

El madrigal es una forma musical vocal que floreció durante el Renacimiento y principios del Barroco, especialmente en Italia. Se caracteriza por ser una composición polifónica, generalmente a cuatro o cinco voces, aunque puede variar, sobre un texto secular. El madrigal se distingue por su estrecha relación entre la música y el texto, donde la música busca expresar el significado y las emociones del poema.

Características principales del madrigal:

• Texto: Se basa en poemas seculares, a menudo de temática amorosa, pastoral o descriptiva. Los poetas más musicados incluyen a Petrarca, Tasso y Guarini.
• Música: La música está al servicio del texto, utilizando recursos como el madrigalismo, que consiste en la representación musical de palabras o ideas del texto. Por ejemplo, si el texto habla de "ascender", la música puede ascender melódicamente.
• Textura: Predomina la polifonía, con un contrapunto imitativo donde las voces se van imitando entre sí. También se pueden encontrar pasajes homofónicos para destacar ciertas partes del texto.
• Forma: No tiene una forma musical fija, sino que se adapta a la estructura del poema. Es común encontrar una estructura en secciones, donde cada sección corresponde a una estrofa o idea del texto.
• Estilo: El estilo del madrigal evolucionó a lo largo del tiempo. Los primeros madrigales eran más simples y homofónicos, mientras que los madrigales tardíos se volvieron más complejos, cromáticos y expresivos, anticipando el estilo Barroco.

Importancia del madrigal:

El madrigal fue una de las formas musicales más importantes del Renacimiento, ya que permitió a los compositores explorar nuevas posibilidades expresivas y desarrollar un lenguaje musical más complejo. Además, contribuyó al desarrollo de la ópera, ya que muchos de los recursos utilizados en el madrigal, como el madrigalismo y la expresividad musical, se trasladaron posteriormente a la ópera.

2. Dodecafonismo.

El dodecafonismo es una técnica de composición musical desarrollada por Arnold Schoenberg a principios del siglo XX como una alternativa al sistema tonal tradicional. Se basa en la utilización sistemática de los doce sonidos de la escala cromática, ordenados en una serie específica que sirve como base para la composición.

Principios fundamentales del dodecafonismo:

• Serie dodecafónica: La base de una composición dodecafónica es una serie, que consiste en una ordenación específica de los doce sonidos de la escala cromática. No se puede repetir ningún sonido hasta que se hayan utilizado los otros once.
• Formas de la serie: La serie original (P) puede presentarse en cuatro formas básicas:
  • Original (P): La serie en su orden original.
  • Inversión (I): Los intervalos de la serie original se invierten (los ascendentes se convierten en descendentes y viceversa).
  • Retrogradación (R): La serie se presenta en orden inverso, de la última nota a la primera.
  • Retrogradación de la inversión (RI): La inversión de la serie se presenta en orden inverso.
• Transposición: Cada una de estas formas puede transponerse a cualquiera de los doce sonidos de la escala cromática, lo que multiplica las posibilidades de utilización de la serie.
• Ausencia de tonalidad: El dodecafonismo evita la jerarquía tonal, ya que todos los sonidos tienen la misma importancia. No hay tónica, dominante ni ninguna otra función tonal.
• Uso de la serie en la composición: La serie se utiliza como material temático y estructural de la composición. Puede aparecer en la melodía, en la armonía, en el ritmo o en cualquier otro parámetro musical.

Objetivos del dodecafonismo:

Schoenberg desarrolló el dodecafonismo con el objetivo de crear un nuevo sistema de organización musical que permitiera una mayor libertad expresiva y evitara las limitaciones del sistema tonal. El dodecafonismo proporcionaba un método riguroso para componer música atonal, es decir, música que no se basa en el sistema tonal tradicional.

Importancia del dodecafonismo:

El dodecafonismo fue una de las técnicas compositivas más influyentes del siglo XX. Fue adoptado por numerosos compositores, entre ellos los alumnos de Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern, y tuvo un impacto significativo en el desarrollo de la música contemporánea. Aunque el dodecafonismo en su forma más estricta no es tan utilizado en la actualidad, sus principios siguen siendo relevantes para muchos compositores.