Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Coro y Técnica Vocal 2023/2024

EJERCICIO 1 - OPCIÓN B

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

La obra "Ratoh Duek" pertenece al estilo de la música tradicional de la región de Aceh, en Indonesia. El género es una danza vocal acompañada de percusión corporal. En cuanto a la cultura, se trata de una manifestación artística profundamente arraigada en la cultura acehnesa, con influencias islámicas. La danza Ratoh Duek es una evolución de la danza Saman, que tiene sus orígenes en la tribu Gayo y que se usaba para la "Dakwah", es decir, la propagación del Islam. Ratoh Duek significa literalmente "sentarse y conversar", lo que puede ser una referencia a los orígenes de esta danza, ya que hoy en día, en la versión actual, se baila y canta de rodillas en el suelo con una serie de movimientos de percusión en el cuerpo que la hacen muy característica de esta región.

b) Elementos musicales reconocibles, por ejemplo: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

El compás de la obra es un 4/4, como se puede observar al inicio de la partitura, lo que nos da una sensación rítmica binaria. El tempo es Allegro, indicado al inicio de la partitura, lo que significa que la pieza se interpreta a una velocidad rápida y vivaz. La tonalidad, a falta de armadura, podría interpretarse como Do mayor o La menor, sin embargo, dado el carácter modal de la música y la presencia de alteraciones accidentales, es más preciso decir que la obra utiliza un modo que no se ajusta estrictamente a las escalas mayores o menores tradicionales, se puede apreciar en el uso del Sib que no pertenecería a ninguna de estas dos tonalidades. Además, se pueden apreciar notas al unísono y otras a dos voces, como por ejemplo entre los compases 11 y 14.

La instrumentación es principalmente vocal, con un coro femenino. No hay instrumentos melódicos, pero sí percusión corporal, como se puede observar en la partitura que está lleno de dobles y triples notas que, por la tesitura en la que se encuentran, son para ser interpretados con las palmas de las manos y con golpes en el pecho. En cuanto a la textura, es homofónica al principio, donde todas las voces se mueven con el mismo ritmo y melodía similar. Luego, se vuelve más polifónica, con la introducción de un solo y respuestas del coro, creando una textura de llamada y respuesta en algunos pasajes, y a dos voces en otros pasajes, como se ha mencionado antes.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

La relación música-texto es silábica en su mayoría, es decir, a cada sílaba del texto le corresponde una nota musical. Sin embargo, hay algunos melismas, como se aprecia en el compás 11, en la palabra "laju", donde varias notas se cantan sobre una sola sílaba.

El ámbito de la voz superior es de aproximadamente una octava y una 5ª, desde un Sol3 hasta un Re5, tal y como se puede ver a lo largo de la partitura. El movimiento melódico es predominantemente por grados conjuntos, con algunos saltos, pero generalmente la melodía se mueve de forma suave y escalonada.

Las frases son cortas y repetitivas, lo que es característico de la música tradicional de esta región. Las cadencias no siguen las convenciones de la música occidental, sino que se basan en la repetición de patrones melódicos y rítmicos que generan una sensación de conclusión, como se aprecia al final de la partitura, con una cadencia plagal (IV-I) que resuelve en la nota Do.

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

La interpretación escuchada es un arreglo para coro femenino a varias voces, con la inclusión de una solista en algunos pasajes. La estructura de la pieza se basa en la alternancia entre el coro y la solista, creando un diálogo musical.

El número de voces varía a lo largo de la pieza, como ya se ha comentado anteriormente. Al principio, todas las voces cantan al unísono o a dos voces. Luego, se divide en dos grupos que se responden mutuamente, creando una textura polifónica de llamada y respuesta en los pasajes indicados en la partitura como "solo" y "tutti", y una textura a dos voces en los pasajes indicados como "due". También se puede observar una parte en la que se indica "All (Clap)" en la que todas las voces cantan al unísono.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

Para lograr una interpretación coral exitosa de "Ratoh Duek", se deben seguir los siguientes pasos:

1. Aprendizaje del ritmo y la percusión corporal: Dado que la percusión corporal es un elemento fundamental de la obra, es crucial que las coralistas dominen los patrones rítmicos y los movimientos corporales asociados. Esto implica practicar la coordinación entre el canto y los golpes en el pecho y las palmas, prestando especial atención a la precisión rítmica y la sincronización entre las integrantes del coro. La mayor dificultad en este aspecto radica en la complejidad de algunos patrones rítmicos y la necesidad de mantener un pulso constante y uniforme.

2. Dominio de la melodía y la afinación: Se debe trabajar la melodía por secciones, asegurando que cada coralista aprenda correctamente las notas y los intervalos. La afinación es un aspecto crucial, especialmente en los pasajes al unísono y a dos voces, donde cualquier desafinación se notará fácilmente. Las dificultades aquí incluyen la presencia de intervalos no convencionales y la necesidad de mantener una afinación precisa en un contexto modal que puede resultar ajeno a algunas cantantes. En este punto es importante remarcar la importancia del Sib, que aparece a lo largo de la obra y que hay que tener especial cuidado en afinar correctamente.

3. Comprensión del texto y la pronunciación: Aunque el texto no esté en un idioma conocido, es importante que las coralistas entiendan el significado general de la pieza y pronuncien correctamente las palabras. Esto contribuirá a una interpretación más expresiva y auténtica. La principal dificultad radica en la pronunciación de sonidos y ritmos del habla que pueden ser inusuales para las cantantes.

4. Trabajo en la dinámica y la articulación: La obra presenta contrastes dinámicos que deben ser respetados para lograr una interpretación expresiva. Además, se debe prestar atención a la articulación de las notas, especialmente en los pasajes con staccato y legato. Las dificultades aquí incluyen el control del volumen y la claridad en la articulación, especialmente a un tempo rápido. En pasajes como entre el compás 15 y 18, hay que tener especial cuidado con los cambios de dinámica de mf a f y al final a ff.

5. Integración del solo y el coro: La obra incluye pasajes en los que una solista se alterna con el coro. Es importante trabajar la transición entre estos dos elementos, asegurando que la solista se destaque sin opacar al coro y que el coro responda de manera precisa y dinámica. La dificultad aquí radica en el equilibrio entre el solo y el coro, y en la capacidad de la solista para proyectar su voz de manera clara y expresiva.

6. Ensamblaje y cohesión del grupo: Finalmente, se debe trabajar en el ensamblaje del grupo, asegurando que todas las voces se empasten correctamente y que el coro suene como una unidad. Esto implica trabajar la escucha mutua, la respiración conjunta y la cohesión rítmica y melódica. La principal dificultad aquí es lograr que un grupo de voces individuales suene como un solo instrumento, manteniendo la homogeneidad del sonido y la precisión en la interpretación.

EJERCICIO 2

a) Clasificación de las voces humanas

Las voces humanas se clasifican principalmente en función de su tesitura, es decir, el rango de notas que pueden cantar cómodamente, y su timbre, que es la calidad o color único de la voz. Tradicionalmente, se dividen en voces masculinas y femeninas, y dentro de cada categoría, se distinguen diferentes tipos.

Voces Femeninas (de más agudo a más grave):

• Soprano: Es la voz femenina más aguda. Su tesitura habitual abarca aproximadamente desde el Do4 hasta el Do6. Se caracterizan por un timbre claro y brillante, y a menudo tienen la capacidad de ejecutar ornamentos y agilidades con facilidad. Dentro de las sopranos, podemos encontrar subcategorías como soprano ligera, lírica, spinto y dramática, cada una con características tímbricas y de volumen específicas. Ejemplos famosos de sopranos incluyen a Maria Callas, Montserrat Caballé y Anna Netrebko.

• Mezzosoprano: Es la voz intermedia entre la soprano y la contralto. Su tesitura se extiende aproximadamente desde el La3 hasta el La5. Las mezzosopranos poseen un timbre más oscuro y rico que las sopranos, y suelen interpretar roles de mujeres maduras, seductoras o incluso personajes masculinos jóvenes (conocidos como "roles de pantalón"). Ejemplos de mezzosopranos incluyen a Cecilia Bartoli, Elīna Garanča y Joyce DiDonato.

• Contralto: Es la voz femenina más grave. Su rango vocal se sitúa aproximadamente entre el Fa3 y el Fa5. Las contraltos tienen un timbre oscuro, profundo y potente, y son relativamente raras. A menudo interpretan roles de mujeres mayores, brujas o diosas. Ejemplos de contraltos incluyen a Kathleen Ferrier, Ewa Podleś y Marian Anderson.

Voces Masculinas (de más agudo a más grave):

• Contratenor: Es la voz masculina más aguda, que se produce utilizando principalmente el registro de falsete o voz de cabeza, para imitar el rango vocal de una contralto, mezzosoprano o incluso soprano. Su tesitura es comparable a la de las voces femeninas mencionadas. Los contratenores suelen especializarse en música antigua o barroca, aunque también abordan repertorios más contemporáneos. Ejemplos de contratenores incluyen a Andreas Scholl, Philippe Jaroussky y David Daniels.

• Tenor: Es la voz masculina aguda natural más común. Su tesitura habitual abarca aproximadamente desde el Do3 hasta el Do5. Los tenores se caracterizan por un timbre brillante y heroico, y a menudo interpretan los roles de los protagonistas masculinos en la ópera. Al igual que las sopranos, los tenores se subdividen en ligero, lírico, spinto y dramático, según las características de su voz. Ejemplos famosos de tenores incluyen a Luciano Pavarotti, Plácido Domingo y Jonas Kaufmann.

• Barítono: Es la voz intermedia entre el tenor y el bajo. Su tesitura se extiende aproximadamente desde el La2 hasta el La4. Los barítonos poseen un timbre más oscuro y robusto que los tenores, y suelen interpretar roles de personajes nobles, villanos o figuras de autoridad. Ejemplos de barítonos incluyen a Dmitri Hvorostovsky, Thomas Hampson y Bryn Terfel.

• Bajo: Es la voz masculina más grave. Su rango vocal se sitúa aproximadamente entre el Mi2 y el Mi4. Los bajos tienen un timbre profundo, resonante y potente, y a menudo interpretan roles de reyes, sacerdotes, ancianos o personajes de gran solemnidad. Se pueden clasificar en bajo cantante, bajo buffo y bajo profundo. Ejemplos de bajos incluyen a Samuel Ramey, René Pape y Ferruccio Furlanetto.

Es importante tener en cuenta que esta clasificación es una simplificación, y que existen muchas voces que se encuentran entre dos categorías o que poseen características únicas que no se ajustan estrictamente a estos tipos. Además, la clasificación de la voz puede variar según la escuela de canto o la tradición musical.

b) Nombre y explique el tipo de respiración más adecuada para el canto lírico.

La respiración más adecuada para el canto lírico se llama respiración diafragmática o costo-diafragmática-abdominal. Es un tipo de respiración profunda que utiliza el diafragma, un músculo grande en forma de cúpula ubicado debajo de los pulmones, de manera eficiente para controlar el flujo de aire y el apoyo vocal.

Explicación:

1. Inhalación: Cuando se inhala para el canto lírico, el diafragma se contrae y desciende, aplanándose. Este movimiento crea un vacío en la cavidad torácica, lo que permite que los pulmones se expandan completamente hacia abajo, adelante y hacia los lados. La expansión se siente principalmente en la zona abdominal y lumbar, como si se estuviera inflando un globo alrededor de la cintura. Las costillas inferiores también se expanden, pero el pecho superior y los hombros deben permanecer relativamente relajados y sin tensión.

2. Apoyo: El "apoyo" es el proceso de mantener el diafragma comprometido y controlado durante la exhalación. En lugar de permitir que el diafragma se relaje y ascienda rápidamente, se mantiene una sensación de expansión en la zona abdominal y lumbar, controlando la salida del aire. Esto proporciona una corriente de aire constante y regulada que es esencial para una buena técnica vocal.

3. Exhalación: Durante la fonación (producción del sonido), el aire se libera gradualmente a través de las cuerdas vocales, que vibran para producir el sonido. El control preciso del flujo de aire se logra mediante la acción coordinada del diafragma, los músculos intercostales y los músculos abdominales. El diafragma se eleva lentamente, pero la sensación de apoyo en la zona abdominal y lumbar debe mantenerse.

Beneficios de la respiración diafragmática para el canto lírico:

• Mayor capacidad pulmonar: Permite una inhalación más profunda y una mayor capacidad de aire, lo que es esencial para sostener frases largas y notas altas.
• Control del flujo de aire: Facilita un control preciso del flujo de aire, lo que permite una mayor estabilidad en la emisión vocal, un mejor control dinámico y la capacidad de ejecutar matices sutiles.
• Reducción de la tensión: Al utilizar los músculos correctos para la respiración, se reduce la tensión en el cuello, los hombros y la garganta, lo que permite una producción vocal más libre y eficiente.
• Mejora del timbre: Un buen apoyo respiratorio contribuye a un timbre más rico, resonante y proyectado.
• Mayor resistencia vocal: Al utilizar el diafragma de manera eficiente, se reduce la fatiga vocal y se puede cantar durante períodos más largos sin forzar la voz.

En resumen, la respiración diafragmática es la base de una técnica vocal sólida en el canto lírico. Proporciona el combustible y el control necesarios para una producción vocal eficiente, expresiva y saludable.

EJERCICIO 3

a) Glissando

Un glissando es un efecto musical que consiste en un deslizamiento continuo de la altura del sonido entre dos notas, pasando por todas las frecuencias intermedias. Se puede realizar tanto con la voz como con instrumentos que permitan una variación continua de la altura, como el violín, el trombón de varas o el theremín. En la notación musical, se suele indicar con una línea recta o ondulada que conecta las dos notas entre las que se produce el glissando. Un ejemplo de esto sería el inicio de la obra Rhapsody in Blue de George Gershwin, que empieza con un famoso glissando ascendente de clarinete.

b) Melisma

Un melisma es una técnica vocal que consiste en cantar varias notas diferentes sobre una sola sílaba del texto. Es decir, se extiende una sílaba a lo largo de una serie de notas, en lugar de asignar una nota a cada sílaba. Los melismas son comunes en muchos estilos musicales, como el canto gregoriano, la ópera, el R&B y la música gospel. Aportan un carácter ornamental y expresivo a la melodía. Un ejemplo de esto sería la canción "I Will Always Love You" de Whitney Houston, en la cual se hace un amplio uso de melismas para adornar la melodía y expresar la emoción de la canción.

c) Cancionero

Un cancionero es una colección de canciones, generalmente compiladas en un libro o manuscrito. Puede referirse a una recopilación de canciones populares, tradicionales, folclóricas o de autor, y puede incluir la letra, la música o ambas. Los cancioneros son una fuente valiosa para el estudio de la música y la cultura de una época o región determinada. Un ejemplo famoso es el "Cancionero de Palacio", una recopilación de música polifónica del Renacimiento español, que contiene obras de compositores como Juan del Encina y Francisco de Peñalosa.

d) Sprechgesang o Sprechstimme

Sprechgesang y Sprechstimme son términos alemanes que se refieren a una técnica vocal que se encuentra a medio camino entre el habla y el canto. Sprechgesang se traduce como "canto hablado" y Sprechstimme como "voz hablada". En esta técnica, el intérprete debe seguir el ritmo y la entonación aproximada indicados en la partitura, pero sin mantener las alturas de forma precisa como en el canto tradicional. El resultado es una declamación estilizada que tiene un carácter expresivo y dramático particular. Esta técnica fue utilizada principalmente en la música del siglo XX, especialmente en el expresionismo, por compositores como Arnold Schoenberg en obras como "Pierrot Lunaire", y Alban Berg en su ópera "Wozzeck".

e) Impostar la voz

Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar o dirigir el sonido en las cavidades de resonancia de la cabeza (senos paranasales, cavidad nasal, etc.) para obtener una mayor proyección, brillo y riqueza de armónicos. Implica el uso eficiente del aparato fonador, incluyendo la respiración, la colocación de la laringe y la articulación, para lograr un sonido pleno y resonante sin tensión ni esfuerzo excesivo. Una voz bien impostada suena con claridad, potencia y belleza, incluso en los pasajes más suaves. Esta técnica es fundamental en el canto lírico y se utiliza para optimizar la calidad del sonido y la salud vocal.

f) Arpegio

Un arpegio es una forma de ejecutar un acorde en la que las notas que lo componen se tocan o cantan de forma sucesiva, una después de otra, en lugar de simultáneamente. Puede ser ascendente (de grave a agudo) o descendente (de agudo a grave), o una combinación de ambos. Los arpegios son un recurso técnico y expresivo común en muchos instrumentos, como el piano, el arpa, la guitarra y, por supuesto, la voz. En la notación musical, un arpegio se indica a veces con una línea ondulada vertical delante del acorde. Un ejemplo de esto se puede ver en el "Preludio en Do mayor" del Libro I de "El clave bien temperado" de Johann Sebastian Bach, que está construido principalmente sobre arpegios.

g) Contrapunto

El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en la combinación de dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente, creando una textura polifónica. Cada voz mantiene su individualidad melódica y rítmica, pero al mismo tiempo, las voces se relacionan entre sí armónicamente, creando un tejido musical coherente. El contrapunto se basa en una serie de reglas y principios que rigen la relación entre las voces, como el movimiento melódico, los intervalos permitidos y la resolución de disonancias. Es una técnica fundamental en la música occidental, especialmente en la música del Renacimiento y el Barroco. Un ejemplo claro de esto es la "Fuga en Sol menor" (BWV 578) de Johann Sebastian Bach, conocida como la "Pequeña Fuga", que es un ejemplo magistral de contrapunto a cuatro voces.

h) Scat

El scat es una técnica de improvisación vocal típica del jazz en la que el cantante utiliza sílabas sin sentido, onomatopeyas y sonidos no léxicos para crear melodías y ritmos, imitando el sonido de un instrumento. El scat es una forma de expresión musical espontánea y creativa que permite al cantante explorar la melodía, el ritmo y el timbre de forma libre e imaginativa. Se considera que el scat se originó a principios del siglo XX y se asocia con artistas como Louis Armstrong, Ella Fitzgerald y Sarah Vaughan. Un ejemplo icónico de esto es la grabación de "Heebie Jeebies" de Louis Armstrong en 1926, que se dice que contiene uno de los primeros ejemplos grabados de scat.

i) Falsete

El falsete es un registro vocal, principalmente en la voz masculina, que se produce utilizando un mecanismo diferente al de la voz de pecho o voz modal. En el falsete, las cuerdas vocales se estiran y se adelgazan, y solo los bordes vibran, produciendo un sonido más agudo y aireado que la voz de pecho. El falsete se caracteriza por un timbre más ligero y menos potente que la voz modal, y se utiliza a menudo para alcanzar notas altas fuera del rango normal de la voz de pecho. Aunque se asocia principalmente con la voz masculina, las mujeres también pueden producir un sonido similar, a menudo llamado "voz de cabeza". Un ejemplo del uso del falsete en la música popular es el grupo Bee Gees, especialmente en canciones como "Stayin' Alive".

j) Divisi

Divisi es un término italiano que se utiliza en la notación musical para indicar que un grupo de instrumentistas o cantantes que normalmente tocan o cantan al unísono, deben dividirse en dos o más grupos para interpretar diferentes partes. Por ejemplo, en una partitura orquestal, la indicación "divisi" en la sección de violines significa que los violinistas deben dividirse en dos o más grupos para tocar diferentes líneas melódicas. En un coro, "divisi" indica que los cantantes de una misma cuerda (por ejemplo, las sopranos) deben dividirse en dos o más grupos para cantar diferentes partes. El término opuesto a divisi es "unísono" (abreviado "unis."), que indica que los intérpretes deben volver a tocar o cantar la misma parte juntos. Un ejemplo de esto se puede ver en el "Aleluya" del oratorio "El Mesías" de Georg Friedrich Händel, donde el coro se divide a menudo en diferentes partes para crear una textura polifónica más rica.

Ejercicio 1: Análisis y comentario sobre una audición y partitura

Opción B: Audición y partitura de Ratoh Duek

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

La obra "Ratoh Duek" pertenece al género de la música tradicional de Indonesia, específicamente de la región de Aceh, ubicada en el extremo norte de la isla de Sumatra. Se puede clasificar dentro del estilo de música folclórica vocal e instrumental, con una fuerte conexión con la danza tradicional Saman. Esta danza, que es una de las más famosas de Indonesia, es conocida por sus movimientos rápidos y sincronizados, y "Ratoh Duek" a menudo se interpreta como acompañamiento musical de la misma. La obra refleja la rica cultura y las tradiciones musicales de Aceh, que tienen una larga historia y están profundamente arraigadas en la vida social y religiosa de la comunidad. La cultura a la que pertenece "Ratoh Duek" es, por tanto, la cultura acehnesa, una cultura islámica con influencias indígenas, que se refleja en la música a través del uso de ritmos complejos, melodías vocales ornamentadas y la llamada y respuesta entre el solista y el coro.

b) Elementos musicales reconocibles, por ejemplo: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

• Compás: La obra se encuentra en un compás de $4/4$, lo que le confiere una sensación de regularidad y estabilidad rítmica.
• Tempo: El tempo es Allegro, comenzando con una introducción a un tempo más lento, andante con moto. Esto significa que la música se interpreta a un ritmo rápido y enérgico, lo que contribuye a la atmósfera vibrante y dinámica de la pieza.
• Tonalidad: La obra no sigue una tonalidad diatónica tradicional de la música occidental. La armonía es modal, centrada en un modo javanés. Esto le da a la música un carácter exótico y distintivo.
• Instrumentación: La partitura indica que la obra está escrita para un coro a cuatro voces mixtas (soprano, contralto, tenor y bajo).
• Textura: La textura es principalmente homofónica, lo que significa que las voces se mueven juntas rítmicamente, creando acordes y armonías. Sin embargo, también hay secciones en las que se utiliza una textura más polifónica, con imitaciones y contrapunto entre las voces, como en la introducción. La introducción tiene una textura canónica, una voz imitando a la otra a la quinta justa ascendente.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

• Relación música-texto: La música está estrechamente relacionada con el texto, que consiste en sílabas sin sentido específico en el contexto de la música occidental, pero que son comunes en las tradiciones musicales del sudeste asiático. La melodía se adapta a las sílabas rítmicas, creando un efecto percusivo y onomatopéyico.
• Ámbito (de la voz superior): El ámbito de la voz superior (soprano) es relativamente estrecho, moviéndose principalmente dentro de una octava, desde un $Do4$ hasta un $Do5$.
• Movimiento melódico: El movimiento melódico es predominantemente por grados conjuntos, con algunos saltos interválicos más amplios para dar énfasis y variedad. La melodía es ondulante y fluida, con ornamentaciones que imitan el estilo vocal tradicional de la región. Los saltos son usualmente de tercera y de quinta.
• Frases: Las frases musicales son cortas y repetitivas, siguiendo la estructura de llamada y respuesta entre el solista y el coro, aunque en este caso no hay solista como tal. Cada frase suele durar dos compases.
• Cadencias: Las cadencias no son las tradicionales de la música clásica occidental. En cambio, la música se basa en la repetición y la variación de patrones melódicos y rítmicos para crear una sensación de conclusión. La obra termina en una cadencia plagal (IV - I).

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

• Arreglo: El arreglo está escrito para coro mixto a cuatro voces (SATB), con momentos en los que las voces se dividen, creando una textura más rica y densa, especialmente en los clímax de la pieza.
• Estructura: La obra sigue una estructura ternaria (A-B-A). La sección A presenta el tema principal en estilo homofónico. La sección B es más lírica y contrastante, con un movimiento melódico más suave. La sección A regresa al final, concluyendo la obra con el tema principal.
• Número de voces: La obra está escrita para cuatro voces mixtas (SATB), aunque en algunos momentos hay divisi en las voces, especialmente en las sopranos y tenores, que añaden riqueza armónica a la pieza.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

1. Comprensión del estilo: El primer paso es familiarizarse con el estilo musical de Aceh y la danza Saman. Esto implica escuchar grabaciones, leer sobre la cultura y comprender el contexto en el que se interpreta esta música.
2. Estudio de la partitura: Analizar la partitura en detalle, prestando atención al compás, tempo, tonalidad, ritmo, melodía y armonía. Identificar las secciones homofónas y polifónicas, y marcar las frases, cadencias y divisi.
3. Trabajo rítmico: La precisión rítmica es fundamental en esta obra. Se debe practicar el ritmo de cada voz por separado y luego en conjunto, asegurando que las sílabas se articulen de manera clara y sincronizada.
4. Entonación: La afinación es crucial, ya que la obra utiliza un sistema modal diferente al occidental. Se debe trabajar la entonación de los intervalos y las melodías para lograr el carácter modal de la pieza.
5. Dinámica y articulación: Trabajar las dinámicas indicadas en la partitura, así como la articulación de las sílabas para crear el efecto percusivo y onomatopéyico.
6. Ensamblaje: Una vez que las voces individuales estén seguras, se debe trabajar el ensamblaje del coro, prestando atención al balance entre las voces, la dinámica y la expresión general.
7. Interpretación: Finalmente, se debe trabajar la interpretación de la obra, buscando transmitir la energía, el ritmo y la emoción de la música tradicional de Aceh.

Dificultades más destacadas:

• Ritmo: La complejidad rítmica de la obra, con síncopas y contratiempos, es una de las principales dificultades.
• Entonación: La afinación modal puede ser un desafío para los coros acostumbrados a la música tonal occidental.
• Idioma: La pronunciación de las sílabas acehnesas puede ser difícil para los cantantes que no están familiarizados con el idioma.
• Estilo: Capturar el estilo y la energía de la música tradicional de Aceh requiere una comprensión profunda de la cultura y la tradición musical.

Ejercicio 2: Pregunta de desarrollo

a) Clasificación de las voces humanas

Las voces humanas se clasifican principalmente en función de su tesitura, que es el rango de notas que una persona puede cantar con comodidad y buena calidad de sonido. También se consideran otros factores como el timbre (color de la voz) y la potencia vocal.

Voces femeninas (de más agudo a más grave):

1. Soprano: Es la voz femenina más aguda. Su tesitura típica abarca desde un $Do4$ hasta un $Do6$. Se caracteriza por un timbre claro y brillante, y a menudo se divide en subcategorías:
   • Soprano ligera: Voz ágil y flexible, ideal para coloraturas y ornamentaciones.
   • Soprano lírica: Voz más plena y expresiva, adecuada para melodías líricas y emotivas.
   • Soprano dramática: Voz potente y con gran proyección, capaz de interpretar roles dramáticos y de gran intensidad.
2. Mezzosoprano: Es la voz intermedia entre la soprano y la contralto. Su tesitura habitual va desde un $La3$ hasta un $La5$. Posee un timbre más oscuro y cálido que la soprano, y también se subdivide en:
   • Mezzosoprano ligera: Similar a la soprano lírica, pero con mayor facilidad en los graves.
   • Mezzosoprano lírica: Voz expresiva y versátil, capaz de interpretar una amplia gama de roles.
   • Mezzosoprano dramática: Voz potente y con un timbre rico en armónicos, ideal para roles intensos y apasionados.
3. Contralto: Es la voz femenina más grave. Su tesitura se extiende desde un $Fa3$ hasta un $Fa5$. Se caracteriza por un timbre oscuro, profundo y con gran resonancia en los graves. Es una voz poco común y muy valorada en el repertorio coral y operístico.

Voces masculinas (de más agudo a más grave):

1. Tenor: Es la voz masculina más aguda. Su tesitura típica abarca desde un $Do3$ hasta un $Do5$. Se caracteriza por un timbre brillante y heroico, y se clasifica en:
   • Tenor ligero: Voz ágil y flexible, con facilidad para las notas agudas.
   • Tenor lírico: Voz más plena y expresiva, adecuada para roles románticos y líricos.
   • Tenor dramático: Voz potente y con gran proyección, ideal para roles heroicos y de gran intensidad.
2. Barítono: Es la voz intermedia entre el tenor y el bajo. Su tesitura habitual va desde un $Sol2$ hasta un $Sol4$. Posee un timbre cálido y viril, y es la voz masculina más común. Se subdivide en:
   • Barítono lírico: Voz más ligera y flexible, con facilidad para las notas agudas.
   • Barítono dramático: Voz más oscura y potente, capaz de interpretar roles de carácter y fuerza.
3. Bajo: Es la voz masculina más grave. Su tesitura se extiende desde un $Mi2$ hasta un $Mi4$. Se caracteriza por un timbre profundo, resonante y con gran presencia en los graves. Se clasifica en:
   • Bajo cantante: Voz más lírica y flexible, con capacidad para melodías cantables.
   • Bajo profundo: Voz extremadamente grave y con gran resonancia, ideal para roles solemnes y de gran autoridad.

Además de estas clasificaciones principales, existen otras voces intermedias como el contratenor (voz masculina que canta en el rango de contralto o mezzosoprano utilizando la técnica del falsete) y el bajo-barítono (voz con características de bajo y barítono).

b) Nombre y explique el tipo de respiración más adecuada para el canto lírico.

La respiración más adecuada para el canto lírico se llama respiración diafragmática-abdominal o costo-diafragmática.

Nombre:

• Diafragmática-abdominal: Este nombre se debe a que se utiliza principalmente el diafragma (un músculo en forma de cúpula que separa la cavidad torácica de la abdominal) y los músculos abdominales para controlar la respiración.
• Costo-diafragmática: Este nombre hace referencia a la participación de las costillas (costo) y el diafragma en el proceso respiratorio.

Explicación:

Este tipo de respiración se basa en el uso eficiente del diafragma y los músculos intercostales para lograr un control preciso del flujo de aire, fundamental para el canto. Los pasos son los siguientes:

1. Inhalación:
   • El diafragma se contrae y desciende, aplanándose.
   • Los músculos intercostales externos se contraen, elevando y expandiendo la caja torácica hacia adelante y hacia los lados.
   • Esto crea un vacío en los pulmones, permitiendo que el aire entre de forma natural y profunda, llenando la parte inferior de los pulmones.
   • El abdomen se expande ligeramente hacia afuera como consecuencia del descenso del diafragma.
2. Apoyo o sostén:
   • Antes de comenzar a cantar, se crea una sensación de "apoyo" o "sostén" del aire. Esto se logra manteniendo una ligera tensión en los músculos abdominales e intercostales, como si se estuviera "sosteniendo" el aire en la parte baja del torso.
   • Este apoyo es esencial para controlar el flujo de aire de manera constante y gradual durante la fonación.
3. Espiración:
   • El diafragma se relaja lentamente y vuelve a su posición inicial en forma de cúpula.
   • Los músculos intercostales internos y abdominales se contraen de forma controlada, ayudando a expulsar el aire de los pulmones de manera gradual y regulada.
   • El control de la espiración es crucial para mantener una emisión vocal estable, prolongar las frases musicales y controlar la dinámica (volumen) del canto.

Ventajas para el canto lírico:

• Mayor capacidad pulmonar: Permite tomar más aire y utilizarlo de manera eficiente.
• Control del flujo de aire: Facilita un flujo de aire constante y regulado, esencial para una emisión vocal estable y afinada.
• Apoyo vocal: Proporciona un soporte sólido para la voz, permitiendo una mayor potencia, proyección y control.
• Frases largas: Permite sostener notas y frases musicales largas sin quedarse sin aire.
• Dinámica y matices: Facilita el control de la dinámica y la realización de matices expresivos.
• Menor tensión en la laringe: Reduce la tensión en la laringe y las cuerdas vocales, previniendo la fatiga vocal y posibles lesiones.

En resumen, la respiración diafragmática-abdominal es fundamental para el canto lírico porque proporciona el control, el apoyo y la eficiencia necesarios para una emisión vocal de calidad, permitiendo al cantante expresar la música con belleza, potencia y expresividad.

Ejercicio 3: Preguntas cortas

a) Glissando

El glissando es un efecto musical que consiste en un deslizamiento continuo y gradual entre dos notas, pasando por todas las alturas intermedias. Se puede realizar tanto con la voz como con instrumentos que permiten una variación continua de la altura del sonido, como la guitarra, el violín, el trombón o el sintetizador. En la notación musical, se representa con una línea recta o curva que une las dos notas entre las que se produce el glissando. El glissando puede tener un efecto expresivo, dramático o incluso cómico, dependiendo del contexto musical en el que se utilice.

b) Melisma

Un melisma es una técnica vocal que consiste en cantar varias notas diferentes sobre una misma sílaba de texto. Es una forma de ornamentación vocal muy común en diversos estilos musicales, como el canto gregoriano, la ópera, el flamenco, la música gospel y el R&B. Los melismas pueden ser breves o muy extensos, y a menudo se utilizan para enfatizar una palabra o frase importante del texto, o para añadir expresividad y virtuosismo a la interpretación.

c) Cancionero

Un cancionero es una colección de canciones, generalmente transcritas en partituras o con sus letras y acordes. Puede estar organizado de diversas maneras, por ejemplo, por autor, género, época o temática. Los cancioneros son una fuente importante para el estudio de la música popular, folclórica y tradicional, y también pueden ser utilizados por músicos, cantantes y aficionados para aprender e interpretar canciones.

d) Sprechgesang o Sprechstimme

Sprechgesang (canto hablado) o Sprechstimme (voz hablada) es una técnica vocal que se encuentra a medio camino entre el habla y el canto. Fue desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX, y se asocia principalmente con la música expresionista de compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg. En el Sprechgesang, el intérprete sigue el ritmo y las alturas indicadas en la partitura, pero no sostiene las notas como en el canto tradicional. En cambio, las notas se "tocan" brevemente y luego se abandonan, creando un efecto de habla estilizada o declamación musical.

e) Impostar la voz

Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar y proyectar la voz de manera eficiente, utilizando de forma óptima la respiración, la resonancia y la articulación. El objetivo es lograr una emisión vocal libre, natural, con un timbre rico y pleno, y con la máxima proyección y alcance. La impostación se logra a través del control de la respiración diafragmática-abdominal, la relajación de la laringe y la utilización de las cavidades de resonancia (faringe, boca, senos paranasales) para amplificar y enriquecer el sonido.

f) Arpegio

Un arpegio es una forma de interpretar un acorde en la que las notas que lo componen se tocan o cantan de manera sucesiva, una después de otra, en lugar de simultáneamente. El arpegio puede ser ascendente (comenzando por la nota más grave), descendente (comenzando por la nota más aguda) o combinando ambas direcciones. Los arpegios son un recurso muy utilizado en la música para crear movimiento, textura y acompañamientos melódicos. Se representan en la partitura con una línea ondulada vertical delante del acorde. La fórmula matemática de un arpegio en su forma más simple, ascendente, podría representarse como:

$$\\text{Arpegio}(C) = \\{C_n, E_n, G_n\\}$$

Donde $C$, $E$, y $G$ representan las notas de un acorde de Do mayor, y $n$ indica la octava en la que se encuentran las notas.

g) Contrapunto

El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en la combinación de dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente, manteniendo su individualidad rítmica y melódica, pero creando una armonía coherente. Es una de las bases de la música occidental, especialmente de la música renacentista y barroca. El contrapunto se basa en una serie de reglas y principios que rigen la relación entre las voces, como el movimiento melódico, los intervalos, las consonancias y disonancias, y el ritmo. Un ejemplo clásico de contrapunto es el canon y la fuga. Una ecuación que representa la idea básica del contrapunto, donde dos melodías ($M_1$ y $M_2$) se combinan para formar una armonía ($H$), podría ser:

$$H = M_1 + M_2$$

Donde:

$$M_1 = \\{A_1, B_1, C_1, ...\\} \\\\ M_2 = \\{A_2, B_2, C_2, ...\\}$$

Cada melodía $M_i$ está compuesta por una secuencia de notas ($A_i$, $B_i$, $C_i$, ...) que tienen su propia duración y altura.

h) Scat

El scat es una técnica de improvisación vocal típica del jazz en la que el cantante utiliza sílabas sin sentido, como "doo-dah", "shoo-be-doo-wap" o "bap-shoo-wop", para crear melodías y ritmos, imitando el sonido de los instrumentos. El scat surgió a principios del siglo XX y se asocia con cantantes como Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. Requiere una gran habilidad para la improvisación, el ritmo y la creación de melodías espontáneas.

i) Falsete

El falsete es un registro vocal que permite a los cantantes, especialmente a los hombres, alcanzar notas más agudas que las que pueden producir con su voz normal o modal. Se produce al hacer vibrar solo los bordes de las cuerdas vocales, a diferencia de la voz modal en la que vibran las cuerdas vocales en toda su longitud. El falsete tiene un timbre más ligero, aéreo y menos potente que la voz modal, y a menudo se utiliza para efectos expresivos o para alcanzar notas agudas extremas.

j) Divisi

Divisi es un término musical italiano que significa "dividido". Se utiliza en las partituras para indicar que una sección de instrumentos o voces, que normalmente tocan o cantan al unísono, se debe dividir en dos o más grupos, cada uno interpretando una parte diferente. Por ejemplo, en una partitura para coro, la indicación "divisi a 4" significa que las sopranos se dividen en dos grupos, sopranos primeras y sopranos segundas, cada una cantando una línea melódica diferente. El divisi se utiliza para crear texturas más complejas y ricas en la música.

PRIMERA PARTE (5 puntos)

1.-Análisis y comentario sobre una audición y partitura

Opción B: Audición y partitura de Ratoh Duek

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

La obra "Ratoh Duek" pertenece a la cultura de Aceh, una provincia de Indonesia. Se trata de una danza tradicional que combina canto, movimientos corporales rítmicos y percusión corporal. El género es, por lo tanto, una danza folclórica con un fuerte componente vocal y rítmico. En cuanto al estilo, es una pieza que se enmarca dentro de las tradiciones musicales del sudeste asiático, con influencias de la música islámica, ya que Aceh es una región predominantemente musulmana. La danza "Ratoh Duek" es una expresión artística que refleja la identidad cultural y religiosa de la región, a menudo interpretada en celebraciones y eventos importantes.

b) Elementos musicales reconocibles, por ejemplo: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

• Compás: La pieza parece estar en un compás de $4/4$, aunque con variaciones rítmicas que podrían sugerir cambios o subdivisiones. Esto se puede deducir de la agrupación de las notas y silencios en la partitura, donde se observa una estructura de cuatro tiempos por compás.
• Tempo: El tempo es moderado al principio y se va acelerando progresivamente, como se indica con el "poco a poco accelerando" en la partitura. El tempo inicial se podría estimar en alrededor de 80-90 bpm, y aumenta gradualmente.
• Tonalidad: La pieza no sigue una tonalidad convencional occidental. Parece estar basada en un modo o escala propio de la música de Aceh, que no se ajusta a las escalas mayores o menores tradicionales. La ausencia de armadura de clave en la partitura y la presencia de intervalos no diatónicos sugieren una modalidad específica de la región.
• Instrumentación: Aunque la partitura no especifica instrumentos, la obra es principalmente vocal, acompañada de percusión corporal, como palmadas y golpes en el cuerpo, que se indican en la partitura con las letras "P" (palmada) y "G" (golpe).
• Textura: La textura es predominantemente homofónica en las secciones donde todas las voces cantan el mismo ritmo, y polifónica en las secciones donde las voces se dividen y cantan melodías diferentes, como en los "div." de la partitura. La textura se enriquece con la percusión corporal, que añade una capa rítmica adicional.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

• Relación música-texto: La relación música-texto es silábica en su mayoría, es decir, a cada sílaba del texto le corresponde una nota musical, lo que se puede observar en la alineación de las sílabas y las notas en la partitura. Hay algunos melismas (varias notas para una sola sílaba), que se pueden identificar en las partes donde una sílaba se extiende sobre varias notas, como en el "Aa" del compás 15.
• Ámbito (de la voz superior): El ámbito de la voz superior es relativamente estrecho, aproximadamente de una sexta mayor. Las notas más agudas y graves se pueden identificar en la partitura, y se observa que la melodía se mueve principalmente dentro de este rango.
• Movimiento melódico: El movimiento melódico es principalmente por grados conjuntos, con algunos saltos. Predominan los movimientos ascendentes y descendentes por segundas y terceras. Los saltos más grandes se pueden encontrar en los melismas o en las entradas de nuevas frases.
• Frases: Las frases son irregulares en longitud, no siguen un patrón simétrico de antecedente-consecuente. La estructura de las frases se puede deducir de las respiraciones y de los patrones melódicos y rítmicos que se repiten.
• Cadencias: No hay cadencias en el sentido armónico tradicional, ya que la pieza no sigue las convenciones armónicas occidentales. Sin embargo, se pueden identificar puntos de reposo o resolución al final de las frases, marcados por notas más largas o silencios.

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

• Arreglo: El arreglo es para un coro femenino a tres voces (Soprano, Mezzosoprano y Contralto), como se indica en la partitura. Se observa que las voces se dividen en ocasiones, creando una textura más rica.
• Estructura: La estructura de la pieza es progresiva, con un aumento gradual de la velocidad y la intensidad. Se pueden identificar secciones basadas en la repetición de patrones rítmicos y melódicos, y en la alternancia de solos y tutti. La estructura general podría describirse como A-B-A'-C-D, donde cada letra representa una sección diferente con variaciones en el material musical.
• Número de voces: La interpretación es a tres voces en la mayor parte de la pieza, con divisiones ocasionales en las voces de Soprano y Contralto, lo que se puede ver en las indicaciones "div." en la partitura.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

1. Aprendizaje del ritmo y la percusión corporal:
   • Es fundamental que los coralistas interioricen el ritmo y la coordinación de la percusión corporal (palmadas y golpes). Se debe practicar la precisión rítmica y la sincronización entre las diferentes partes.
   • Dificultad: La complejidad rítmica y la coordinación entre el canto y la percusión corporal pueden ser desafiantes. Se debe trabajar la independencia de las manos y la voz.
2. Estudio de la melodía y la afinación:
   • Se debe aprender la melodía de cada voz por separado, prestando atención a los intervalos no diatónicos y a la afinación precisa, ya que la pieza utiliza una escala no occidental.
   • Dificultad: La afinación puede ser difícil debido a los intervalos inusuales y la modalidad de la pieza. Se debe trabajar la escucha interna y la capacidad de ajustar la afinación en el contexto del grupo.
3. Trabajo de la dinámica y el tempo:
   • Es importante seguir las indicaciones de dinámica (p, f, cresc., dim.) y el "poco a poco accelerando". Se debe practicar el control del volumen y la velocidad, y la capacidad de realizar cambios graduales.
   • Dificultad: El control dinámico y el aumento progresivo del tempo requieren una gran concentración y coordinación.
4. Integración de las voces y la percusión:
   • Una vez que se dominan las partes individuales, se debe trabajar la integración de las voces y la percusión corporal, buscando un empaste vocal y una sincronización perfecta.
   • Dificultad: La sincronización precisa entre las voces y la percusión es crucial para el éxito de la interpretación.
5. Interpretación y expresividad:
   • Finalmente, se debe trabajar la interpretación y la expresividad, transmitiendo la energía y el carácter de la danza "Ratoh Duek". Se debe prestar atención a la pronunciación del texto y a la intención de cada frase.
   • Dificultad: La interpretación auténtica de una obra de una cultura diferente requiere sensibilidad y comprensión de su contexto cultural.

SEGUNDA PARTE (5 puntos)

2.- Pregunta de desarrollo (2 puntos)

a) Clasificación de las voces humanas

Las voces humanas se clasifican principalmente en función de su rango vocal, es decir, la extensión de notas que una persona puede cantar cómodamente, desde la nota más grave hasta la más aguda. También se tiene en cuenta el timbre, que es la calidad o color único de la voz. La clasificación tradicional, especialmente en el canto coral y operístico, divide las voces en seis tipos principales, tres para mujeres y tres para hombres:

Voces femeninas:

1. Soprano: Es la voz femenina más aguda. Su rango vocal típico abarca aproximadamente desde el Do4 hasta el Do6, o incluso más alto en el caso de sopranos ligeras o de coloratura. Las sopranos suelen tener un timbre claro y brillante, y a menudo interpretan los roles melódicos principales o heroínas en la ópera. Se subdividen en:
   • Soprano ligera: Voz ágil y brillante, con facilidad para las notas agudas y los ornamentos.
   • Soprano lírica: Voz más cálida y con mayor volumen que la ligera, adecuada para melodías líricas.
   • Soprano dramática: Voz potente y con un timbre más oscuro, ideal para roles con gran carga emocional.
2. Mezzosoprano: Es la voz femenina intermedia. Su rango vocal se sitúa aproximadamente entre el La3 y el La5. Las mezzosopranos tienen un timbre más rico y oscuro que las sopranos, y a menudo interpretan personajes secundarios, maternales o incluso roles masculinos en travesti (pantalón). Se subdividen en:
   • Mezzosoprano ligera: Voz más cercana a la soprano, con agilidad y brillo.
   • Mezzosoprano lírica: Voz más completa y con un timbre más cálido.
   • Mezzosoprano dramática: Voz potente y con un timbre oscuro, similar a la contralto.
3. Contralto: Es la voz femenina más grave. Su rango vocal se extiende aproximadamente desde el Fa3 hasta el Fa5. Las contraltos poseen un timbre muy oscuro y profundo, y son menos comunes que las sopranos y mezzosopranos. En la ópera, a menudo interpretan personajes mayores, villanas o roles de carácter. Es la voz femenina menos común.

Voces masculinas:

1. Tenor: Es la voz masculina más aguda. Su rango vocal típico abarca desde el Do3 hasta el Do5. Los tenores tienen un timbre claro y brillante, y suelen interpretar a los héroes o amantes en la ópera. Se subdividen en:
   • Tenor ligero: Voz ágil y brillante, con facilidad para las notas agudas.
   • Tenor lírico: Voz más cálida y con mayor volumen, adecuada para melodías líricas.
   • Tenor dramático: Voz potente y con un timbre más oscuro, ideal para roles con gran carga emocional.
2. Barítono: Es la voz masculina intermedia. Su rango vocal se sitúa aproximadamente entre el La2 y el La4. Los barítonos tienen un timbre más oscuro y rico que los tenores, y a menudo interpretan a los villanos, amigos del héroe o personajes de carácter. Es la voz masculina más común. Se subdividen en:
   • Barítono lírico: Voz más ligera y brillante, cercana al tenor.
   • Barítono dramático: Voz más oscura y potente, cercana al bajo.
3. Bajo: Es la voz masculina más grave. Su rango vocal se extiende aproximadamente desde el Mi2 hasta el Mi4. Los bajos poseen un timbre muy profundo y oscuro, y a menudo interpretan a personajes mayores, figuras de autoridad o roles cómicos en la ópera. Se subdividen en:
   • Bajo cantante: Voz más melódica y con cierta agilidad.
   • Bajo profundo: Voz extremadamente grave y con gran resonancia.

Además de estos seis tipos principales, existen otras clasificaciones y subcategorías, como la de contratenor (hombre que canta en el rango de contralto, mezzosoprano o incluso soprano, utilizando la técnica del falsete o la voz de cabeza) o bajo-barítono (voz con características de bajo y barítono).

Es importante señalar que esta clasificación es una guía general y que cada voz es única. La extensión vocal y el timbre pueden variar considerablemente entre individuos, y la voz puede cambiar con el tiempo y el entrenamiento.

b) Nombre y explique el tipo de respiración más adecuada para el canto lírico.

La respiración más adecuada para el canto lírico se llama respiración diafragmático-costal o costo-diafragmática, también conocida como respiración intercostal o apoyo. Esta técnica se basa en el uso eficiente del diafragma, un músculo en forma de cúpula que separa la cavidad torácica de la cavidad abdominal, y de los músculos intercostales, que se encuentran entre las costillas.

Descripción del proceso:

1. Inhalación:
   • El diafragma se contrae y desciende, aumentando el volumen de la cavidad torácica.
   • Los músculos intercostales externos se contraen, elevando y expandiendo la caja torácica hacia los lados y hacia adelante.
   • Esta acción combinada crea un vacío en los pulmones, lo que permite que el aire entre de forma natural y profunda. La inhalación debe ser silenciosa, fluida y sin tensión en la garganta o los hombros. El abdomen se expande ligeramente hacia adelante y los costados como consecuencia del descenso del diafragma.
2. Apoyo:
   • Una vez completada la inhalación, se mantiene una sensación de expansión en la zona costal inferior y abdominal, como si se quisiera seguir inhalando. Esto se logra mediante una suave tensión de los músculos intercostales y abdominales, que controlan la salida del aire.
   • Este "apoyo" o "sostén" del aire es fundamental para el canto lírico, ya que proporciona un flujo de aire constante y controlado, necesario para una emisión vocal eficiente y un buen control del fraseo y la dinámica.
3. Exhalación:
   • Durante la fonación (producción del sonido), el diafragma asciende gradualmente, y los músculos intercostales y abdominales ayudan a regular la salida del aire.
   • La exhalación debe ser controlada y uniforme, sin colapsar el pecho ni tensar la garganta. El aire se dosifica de manera eficiente para mantener una presión subglótica constante, lo que permite una vibración regular de las cuerdas vocales y una buena calidad del sonido.

Beneficios de la respiración diafragmático-costal para el canto lírico:

• Mayor capacidad pulmonar: Permite una mayor entrada de aire, lo que se traduce en frases más largas y un mejor control del fiato (capacidad de sostener el aire).
• Flujo de aire constante y controlado: Facilita una emisión vocal estable y un mejor control de la dinámica y el timbre.
• Menor tensión en la laringe: Al no depender de la respiración clavicular (superficial), se reduce la tensión en la garganta y las cuerdas vocales, lo que previene la fatiga vocal y favorece una emisión más libre y natural.
• Mejor resonancia: Una buena respiración permite una mejor resonancia y proyección de la voz.
• Mayor expresividad: Un control preciso del flujo de aire permite una mayor gama de matices y colores en la interpretación.

En resumen, la respiración diafragmático-costal es la técnica respiratoria más adecuada para el canto lírico porque proporciona un control óptimo del flujo de aire, esencial para una emisión vocal eficiente, saludable y expresiva.

3.- Preguntas cortas (3 puntos)

a) Glissando

Un glissando es un efecto musical que consiste en un deslizamiento continuo entre dos notas, pasando por todas las alturas intermedias posibles. Se puede realizar tanto con la voz como con instrumentos que permitan una variación continua de la altura, como el violín, el trombón de varas o un sintetizador. En la notación musical, se indica con una línea recta o curva que une las dos notas entre las que se produce el glissando, a menudo acompañada de la abreviatura "gliss.". Un ejemplo gráfico sería:

$$\begin{array}{c} \text{Nota inicial} \\ \nearrow \\ \text{Nota final} \end{array}$$

o

$$\begin{array}{c} \text{Nota inicial} \\ \searrow \\ \text{Nota final} \end{array}$$

b) Melisma

Un melisma es una técnica vocal que consiste en cantar varias notas diferentes sobre una misma sílaba del texto. Es un recurso muy utilizado en diversos estilos musicales, como el canto gregoriano, la ópera, el flamenco y la música pop. Los melismas pueden tener una función ornamental, añadiendo belleza y expresividad a la melodía, o una función dramática, intensificando el significado del texto. Un ejemplo gráfico sería:

$$\begin{array}{ccccc} \text{Sí-la-} & \underbrace{\text{ba}} & \text{-ba} & \text{-ba} & \text{-ba} \\ & \text{Nota 1} & \text{Nota 2} & \text{Nota 3} & \text{Nota 4} \end{array}$$

c) Cancionero

Un cancionero es una colección de canciones, normalmente escritas en partitura o con cifrado de acordes, que pueden estar agrupadas por autor, época, estilo, género o temática. Los cancioneros pueden tener un propósito didáctico, como los cancioneros escolares o los métodos de aprendizaje de un instrumento, o simplemente recopilatorio, como los cancioneros de música popular o folclórica. Un ejemplo de un cancionero famoso es el "Cancionero de Palacio", una recopilación de música renacentista española.

d) Sprechgesang o Sprechstimme

Sprechgesang o Sprechstimme son términos alemanes que se traducen como "canto hablado" o "voz hablada". Se refieren a una técnica vocal que se sitúa a medio camino entre el canto y el habla. En el Sprechgesang, el intérprete debe seguir el ritmo indicado en la partitura, pero las alturas de las notas se aproximan, en lugar de afinarse con precisión. El resultado es una declamación melódica que conserva el carácter del habla, pero con un contorno melódico definido. Esta técnica fue utilizada por compositores del siglo XX, como Arnold Schoenberg en su obra "Pierrot Lunaire".

e) Impostar la voz

Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar la voz en los resonadores faciales, especialmente en la "máscara" (zona de la frente, nariz y pómulos), con el fin de obtener una mayor proyección, brillo y riqueza de armónicos. Se busca una sensación de vibración en estas zonas, sin tensión en la garganta. La impostación se logra mediante un control preciso de la respiración, el apoyo diafragmático y la articulación, y permite al cantante emitir un sonido potente y resonante sin esfuerzo excesivo. En el canto lírico, se considera una técnica fundamental para lograr una buena proyección y calidad vocal.

f) Arpegio

Un arpegio es una forma de ejecutar un acorde, en la que las notas que lo componen se tocan o cantan una tras otra, en orden ascendente o descendente, en lugar de simultáneamente. Es un recurso muy utilizado en la música para crear un efecto melódico y dinámico. Los arpegios pueden abarcar una o varias octavas, y pueden seguir diferentes patrones rítmicos. Se indica en la partitura con una línea ondulada vertical delante del acorde o con la indicación "arpeggio" o "arp.".

$$\text{Acorde} \begin{cases} \text{Nota 3} \\ \text{Nota 2} \\ \text{Nota 1} \end{cases} \rightarrow \text{Arpegio: Nota 1, Nota 2, Nota 3}$$

g) Contrapunto

El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en la combinación de dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente, creando una textura polifónica. Cada línea melódica conserva su individualidad, pero al mismo tiempo se relaciona armónicamente con las demás, siguiendo ciertas reglas y principios. El contrapunto se basa en la interrelación de la melodía y la armonía, y es un elemento fundamental en la música occidental, especialmente en la música barroca y renacentista. Ejemplos de formas contrapuntísticas son el canon, la fuga y el motete.

$$\begin{array}{cccc} \text{Melodía 1:} & \text{Nota 1} & \text{Nota 2} & \text{Nota 3} \\ & & & \\ \text{Melodía 2:} & \text{Nota A} & \text{Nota B} & \text{Nota C} \end{array}$$

h) Scat

El scat es una técnica de improvisación vocal típica del jazz, en la que el cantante utiliza sílabas sin sentido, como "du", "ba", "bi", "da", "do", "bop", etc., para crear melodías y ritmos, imitando el sonido de un instrumento. El scat se caracteriza por su espontaneidad, su virtuosismo y su carácter lúdico. Los cantantes de scat utilizan una gran variedad de recursos, como la variación melódica, la imitación de timbres instrumentales, y la interacción con los demás músicos. Uno de los máximos exponentes del scat fue Ella Fitzgerald.

i) Falsete

El falsete es un registro vocal que se produce mediante un mecanismo de vibración de las cuerdas vocales diferente al del registro modal o de pecho. En el falsete, solo los bordes de las cuerdas vocales vibran, produciendo un sonido más agudo, airoso y con menos armónicos que la voz de pecho. El falsete se utiliza principalmente en la voz masculina para alcanzar notas agudas que están fuera del rango modal, aunque también algunas mujeres lo utilizan. En algunos estilos musicales, como el canto tirolés o el R&B, el falsete se utiliza como un recurso estilístico.

j) Divisi

Divisi es una indicación que se utiliza en las partituras para orquesta o coro, y que significa "divididos" en italiano. Indica que los intérpretes de una misma sección (por ejemplo, los violines primeros) deben dividirse en dos o más grupos para tocar partes diferentes. Cada grupo toca una línea melódica distinta, creando una textura más compleja y rica. La indicación "div." suele ir seguida de la especificación del número de partes en que se divide la sección, por ejemplo, "div. a 2", "div. a 3", etc. Cuando los intérpretes deben volver a tocar al unísono, se utiliza la indicación "unis.".

Ejercicio 1. Opción B

a) Estilo, género, cultura a la que pertenece.

La obra "Ratoh Duek" pertenece al estilo de música tradicional de la región de Aceh en Indonesia. El género es una danza coral acompañada de percusión corporal. En cuanto a la cultura, esta obra es una expresión artística profundamente arraigada en la cultura de Aceh, una región con una fuerte identidad islámica y una rica tradición de música, danza y poesía. La danza Ratoh Duek es una manifestación cultural que refleja los valores, la historia y la espiritualidad del pueblo de Aceh.

b) Elementos musicales reconocibles, por ejemplo: compás, tempo, tonalidad, instrumentación, textura, etc.

• Compás: La obra se encuentra en un compás binario, probablemente $4/4$ a juzgar por la partitura y la audición, que se caracteriza por un patrón rítmico repetitivo y sincopado.
• Tempo: El tempo de la obra es Allegro, como se indica en la partitura, lo que significa que se interpreta a una velocidad rápida y enérgica.
• Tonalidad: La obra parece estar en una tonalidad menor, con un uso prominente de escalas y modos tradicionales de la música de Aceh. La tonalidad exacta es difícil de determinar sin un análisis más profundo, pero se pueden observar intervalos y cadencias que sugieren una base tonal no occidental.
• Instrumentación: La obra está escrita para un coro femenino a cappella, es decir, sin acompañamiento instrumental. Sin embargo, la percusión corporal (palmadas, golpes en el pecho y muslos) juega un papel fundamental en la obra, creando un ritmo complejo y vibrante.
• Textura: La textura predominante es la homofonía, donde todas las voces se mueven juntas en el mismo ritmo, aunque hay momentos de polifonía, especialmente cuando las voces se dividen en cánones o cuando hay superposición de frases melódicas.

c) Análisis melódico: Relación música-texto, ámbito (de la voz superior), movimiento melódico, frases, cadencias, etc.

• Relación música-texto: La relación entre música y texto es silábica, es decir, a cada sílaba del texto le corresponde una nota musical. Esto permite que el texto sea claramente comprensible y que el ritmo de la música siga el ritmo natural del lenguaje.
• Ámbito (de la voz superior): El ámbito de la voz superior es relativamente estrecho, abarcando aproximadamente una octava. Esto es típico de la música folclórica, donde las melodías suelen ser fáciles de cantar y recordar.
• Movimiento melódico: El movimiento melódico es predominantemente por grados conjuntos, con saltos ocasionales. La melodía tiene un carácter ondulante y fluido, con un uso frecuente de melismas en ciertas sílabas.
• Frases: Las frases son cortas y repetitivas, con un patrón de pregunta-respuesta entre las diferentes secciones del coro. Las frases se van desarrollando gradualmente, aumentando en intensidad y complejidad a medida que avanza la obra.
• Cadencias: Las cadencias son poco convencionales para la armonía occidental, utilizando intervalos y resoluciones típicas de la música tradicional de Aceh. Las cadencias a menudo coinciden con los patrones rítmicos de la percusión corporal, creando un efecto de clímax y resolución.

d) Características de la interpretación escuchada: arreglo, estructura, número de voces, etc.

• Arreglo: El arreglo de la obra es fiel a la tradición de la danza Ratoh Duek, con un coro femenino interpretando la melodía principal y la percusión corporal. La interpretación escuchada es enérgica y precisa, con una clara articulación del texto y una dinámica variada.
• Estructura: La obra tiene una estructura estrófica, con una serie de estrofas que se repiten con variaciones en la melodía, la dinámica y la textura. La estructura general es $A-A'-A''-A'''$, etc., con cada sección $A$ introduciendo una nueva variación sobre el tema principal.
• Número de voces: En la audición se puede apreciar un coro de aproximadamente 10-15 voces femeninas. La obra está escrita para tres voces (soprano, mezzosoprano y contralto), pero en la interpretación escuchada, las voces pueden estar duplicadas o divididas en subgrupos para crear un efecto más rico y completo.

e) Describa los pasos a seguir para conseguir una interpretación coral de la obra, incidiendo en las dificultades más destacadas que se deben trabajar.

Para conseguir una interpretación coral exitosa de "Ratoh Duek", se deben seguir los siguientes pasos:

1. Aprendizaje del texto y la pronunciación: El primer paso es aprender el texto en el idioma original (probablemente acehnés) y familiarizarse con la pronunciación correcta de cada palabra. Esto puede requerir la ayuda de un hablante nativo o el uso de recursos fonéticos. La correcta pronunciación es esencial para capturar el carácter auténtico de la obra.
2. Comprensión del ritmo y la percusión corporal: El ritmo es un elemento fundamental en "Ratoh Duek". Los cantantes deben practicar los patrones rítmicos de la percusión corporal de forma independiente y luego coordinarlos con el canto. La precisión rítmica y la sincronización entre las voces y la percusión corporal son cruciales para una buena interpretación.
3. Trabajo melódico y vocal: Una vez dominado el ritmo, se debe trabajar la melodía. Se debe prestar atención a la afinación, los intervalos y el fraseo. Las dificultades melódicas incluyen los melismas y los saltos interválicos, que requieren un buen control vocal y una técnica adecuada.
4. Desarrollo de la dinámica y la expresividad: La obra tiene una dinámica variada que debe ser cuidadosamente trabajada. Los cantantes deben ser capaces de controlar el volumen de sus voces y crear contrastes dinámicos que reflejen la intensidad emocional de la música. Además, la expresividad es fundamental para transmitir el carácter enérgico y apasionado de la danza.
5. Coordinación y empaste del coro: Una vez que los cantantes han dominado las partes individuales, se debe trabajar la coordinación y el empaste del coro. Esto implica escuchar atentamente a las otras voces, ajustar la afinación y el volumen, y lograr una sonoridad homogénea y equilibrada.

Dificultades más destacadas:

• Ritmo complejo y sincopado: La principal dificultad radica en la complejidad rítmica de la obra, especialmente en la coordinación entre el canto y la percusión corporal. Los patrones rítmicos sincopados y los cambios de tempo requieren una gran precisión y un buen sentido del ritmo.
• Pronunciación del texto: La pronunciación del texto en acehnés puede ser un desafío para los cantantes que no están familiarizados con el idioma.
• Melismas y ornamentación: Los melismas y la ornamentación vocal requieren un buen control del aire y una técnica vocal depurada.
• Mantener la energía y la intensidad: La obra es muy enérgica y requiere que los cantantes mantengan un alto nivel de energía e intensidad durante toda la interpretación.

Ejercicio 2

a) Clasificación de las voces humanas

Las voces humanas se clasifican principalmente en función de su tesitura (rango de notas que una voz puede cantar cómodamente) y su timbre (calidad o color del sonido). La clasificación tradicional, que se utiliza principalmente en la música clásica y coral, distingue entre voces masculinas y femeninas, y dentro de cada grupo, se subdividen en diferentes tipos:

Voces femeninas:

• Soprano: Es la voz femenina más aguda. Su tesitura general va desde aproximadamente un $Do4$ hasta un $Do6$, aunque algunas sopranos pueden alcanzar notas más altas. Se caracterizan por un timbre brillante y ligero. Subtipos de soprano incluyen:
  • Soprano ligera: Voz ágil y flexible, ideal para coloraturas y ornamentaciones.
  • Soprano lírica: Voz más llena y cálida que la soprano ligera, adecuada para roles melódicos.
  • Soprano dramática: Voz potente y con gran volumen, capaz de sostener notas largas y expresar emociones intensas.
• Mezzosoprano: Es la voz intermedia entre la soprano y la contralto. Su tesitura general va desde aproximadamente un $La3$ hasta un $La5$. Se caracterizan por un timbre más oscuro y rico que las sopranos.
• Contralto: Es la voz femenina más grave. Su tesitura general va desde aproximadamente un $Fa3$ hasta un $Fa5$. Se caracterizan por un timbre profundo y oscuro, a menudo con una cualidad andrógina.

Voces masculinas:

• Tenor: Es la voz masculina más aguda. Su tesitura general va desde aproximadamente un $Do3$ hasta un $Do5$. Se caracterizan por un timbre brillante y heroico. Subtipos de tenor incluyen:
  • Tenor ligero: Voz ágil y flexible, similar a la soprano ligera.
  • Tenor lírico: Voz más llena y cálida que el tenor ligero, adecuado para roles románticos.
  • Tenor dramático: Voz potente y con gran volumen, ideal para roles heroicos y dramáticos.
• Barítono: Es la voz intermedia entre el tenor y el bajo. Su tesitura general va desde aproximadamente un $Sol2$ hasta un $Sol4$. Se caracterizan por un timbre rico y versátil, capaz de expresar una amplia gama de emociones.
• Bajo: Es la voz masculina más grave. Su tesitura general va desde aproximadamente un $Mi2$ hasta un $Mi4$. Se caracterizan por un timbre profundo y resonante. Subtipos de bajo incluyen:
  • Bajo cantante: Voz más lírica y flexible, adecuada para roles melódicos.
  • Bajo profundo: Voz extremadamente grave y potente, a menudo utilizada para roles de autoridad o solemnidad.

Es importante tener en cuenta que esta es una clasificación general y que existen muchas variaciones y matices dentro de cada tipo de voz. Además, la clasificación de las voces puede variar según el género musical y las tradiciones culturales.

Ejercicio 3

a) Glissando

Un glissando es un efecto musical que consiste en un deslizamiento continuo y gradual entre dos notas. En otras palabras, en lugar de saltar directamente de una nota a otra, la voz o el instrumento pasa por todas las frecuencias intermedias, creando una transición suave y fluida. El glissando puede ser ascendente (cuando la nota inicial es más grave que la final) o descendente (cuando la nota inicial es más aguda que la final). Se representa en la partitura con una línea recta o una línea ondulada que conecta las dos notas entre las que se produce el glissando.

Ejemplo: Un glissando ascendente desde $Do4$ hasta $Sol4$ en un violín implicaría que el violinista deslice su dedo a lo largo de la cuerda, cubriendo todas las notas intermedias entre $Do4$ y $Sol4$.

b) Melisma

Un melisma es una técnica vocal que consiste en cantar varias notas diferentes sobre una misma sílaba de texto. Es decir, en lugar de asignar una sola nota a cada sílaba, se utilizan múltiples notas para adornar y embellecer una única sílaba. Los melismas son comunes en muchos géneros musicales, como el canto gregoriano, la ópera, el gospel y la música pop. Aportan expresividad y virtuosismo a la interpretación vocal.

Ejemplo: En la palabra "gloria" en un himno religioso, se podría cantar un melisma en la sílaba "glo-", donde se interpretan varias notas ascendentes y descendentes antes de pasar a la sílaba "-ria".

c) Cancionero

Un cancionero es una colección de canciones, generalmente transcritas en partituras o en formato de letra con acordes. Los cancioneros pueden ser de diferentes tipos, como cancioneros populares, cancioneros folclóricos, cancioneros de autor, cancioneros religiosos, etc. Suelen estar organizados por temas, géneros, autores o épocas. Los cancioneros son una fuente valiosa para el estudio de la música y la cultura de una determinada época o región.

Ejemplo: Un cancionero popular del siglo XV podría contener una colección de canciones tradicionales que se cantaban en las fiestas y celebraciones de la época, con sus respectivas melodías y letras.

d) Sprechgesang o Sprechstimme

Sprechgesang o Sprechstimme es una técnica vocal que se encuentra a medio camino entre el habla y el canto. Literalmente significa "canto hablado" en alemán. En el Sprechgesang, el intérprete sigue el ritmo y las alturas aproximadas indicadas en la partitura, pero no sostiene las notas como en el canto tradicional. En cambio, las notas se aproximan y luego se abandonan rápidamente, creando un efecto de habla estilizada y expresiva. Esta técnica fue utilizada principalmente en la música expresionista del siglo XX, por compositores como Arnold Schoenberg y Alban Berg.

Ejemplo: En la obra "Pierrot Lunaire" de Schoenberg, el solista utiliza el Sprechgesang para dar vida a los poemas, creando una atmósfera inquietante y onírica.

e) Impostar la voz

Impostar la voz es una técnica vocal que consiste en colocar la voz correctamente para obtener su máximo rendimiento y belleza. Implica el uso eficiente del aparato fonador, incluyendo la respiración, la laringe y las cavidades de resonancia, para producir un sonido rico, pleno y bien proyectado. La impostación de la voz permite al cantante controlar el volumen, el timbre y la afinación con mayor facilidad, y evitar la fatiga vocal.

Ejemplo: Un cantante de ópera utiliza la técnica de impostación para proyectar su voz sobre la orquesta y llenar un gran teatro sin necesidad de amplificación.

f) Arpegio

Un arpegio es una forma de ejecutar un acorde en la que las notas se tocan una tras otra en lugar de simultáneamente. Las notas del acorde se pueden tocar en orden ascendente, descendente o en una combinación de ambos. Los arpegios se utilizan en una gran variedad de instrumentos y géneros musicales para crear un efecto melódico y armónico.

Ejemplo: Un arpegio de $Do$ mayor en el piano se tocaría interpretando las notas $Do$, $Mi$, $Sol$ y $Do$ (una octava más alta) de forma sucesiva, ya sea en orden ascendente o descendente.

g) Contrapunto

El contrapunto es una técnica de composición musical que consiste en la combinación de dos o más líneas melódicas independientes que suenan simultáneamente. Estas líneas melódicas, también llamadas "voces", interactúan entre sí creando una textura polifónica. En el contrapunto, cada voz conserva su individualidad melódica, pero al mismo tiempo se ajusta a las otras voces para crear una armonía coherente. El contrapunto se basa en una serie de reglas y principios que gobiernan la relación entre las voces, como la conducción de las voces, el tratamiento de las disonancias y la imitación.

Ejemplo: Una fuga de Johann Sebastian Bach es un ejemplo de composición contrapuntística, donde un tema principal (sujeto) es presentado por una voz y luego imitado por otras voces en diferentes alturas y con variaciones.

h) Scat

El scat es una técnica de improvisación vocal típica del jazz en la que el cantante utiliza sílabas sin sentido en lugar de palabras para crear melodías y ritmos. Es una forma de utilizar la voz como un instrumento, imitando los sonidos de instrumentos como la trompeta o el saxofón. El scat requiere una gran habilidad vocal, un buen oído musical y un sentido del ritmo y la improvisación.

Ejemplo: Ella Fitzgerald fue una de las más grandes exponentes del scat, famosa por su habilidad para crear melodías complejas y ritmos vibrantes utilizando su voz como si fuera un instrumento de viento.

i) Falsete

El falsete es un registro vocal que se encuentra por encima del registro de voz modal (voz de pecho o voz normal). Se caracteriza por un timbre más ligero, suave y aireado que la voz modal. En el falsete, las cuerdas vocales no se cierran completamente, lo que permite que pase más aire y se produzca un sonido más agudo y con menos armónicos. El falsete se utiliza principalmente en voces masculinas para alcanzar notas altas que están fuera de su tesitura normal.

Ejemplo: Un contratenor utiliza el falsete para cantar en el rango vocal de una mezzosoprano o una contralto.

j) Divisi

Divisi es un término italiano que significa "dividido". En una partitura musical, la indicación "divisi" (a menudo abreviada como "div.") indica que un grupo de instrumentos o voces que normalmente tocan o cantan al unísono (la misma melodía) se dividen en dos o más grupos, cada uno con una parte diferente. El divisi se utiliza para crear una textura más rica y compleja, o para añadir efectos especiales.

Ejemplo: En una partitura para coro, la indicación "divisi" en la sección de sopranos significa que las sopranos se dividen en dos grupos, uno cantando la melodía principal y otro cantando una armonía superior o una contramelodía.