Examen Resuelto Evaluación Acceso Universidad Historia del Arte 2017

PROPUESTA A

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Alminar:

   b) Torre existente en las mezquitas musulmanas que se emplea para la llamada a la oración.

   Razonamiento: El alminar es una estructura arquitectónica específica de las mezquitas, con una función clara y distintiva: servir como punto elevado desde el cual el almuédano (o muecín) llama a los fieles a la oración (Salat). Esta función es crucial en el Islam, marcando los tiempos de oración diarios. Las otras opciones, la alcazaba (fortificación) y la sala de oración (parte interior de la mezquita), son elementos distintos dentro de la arquitectura islámica.

2. Técnica pictórica que difumina los contornos:

   c) Sfumato

   Razonamiento: El "sfumato" es una técnica pictórica que se caracteriza precisamente por la difuminación de los contornos y la transición suave entre los colores y las sombras. Fue una técnica muy utilizada y perfeccionada por Leonardo da Vinci. La "perspectiva aérea" se refiere a la representación de la distancia y la profundidad mediante la gradación de los colores y la nitidez, y el "punto de fuga" es un elemento de la perspectiva lineal, donde las líneas paralelas convergen en un punto en el horizonte.

3. Estilo arquitectónico del barroco español caracterizado por su exagerado recargamiento:

   b) Churrigueresco

   Razonamiento: El Churrigueresco es una fase del barroco español que se distingue por su exuberante ornamentación, con un uso abundante de detalles decorativos, formas retorcidas y un fuerte contraste entre luces y sombras. El "Purismo" es una fase anterior del Renacimiento español, caracterizado por la sobriedad y la búsqueda de la pureza de las formas clásicas, y el "Rococó" es un estilo posterior al Barroco, que se desarrolló principalmente en Francia, caracterizado por la elegancia, la gracia y la decoración más delicada y asimétrica.

4. Técnica pictórica a base de muchos pequeños puntos de colores:

   b) Puntillismo

   Razonamiento: El Puntillismo (o Divisionismo) es una técnica pictórica que consiste en aplicar pequeños puntos de colores puros sobre el lienzo, en lugar de pinceladas mezcladas. La mezcla óptica de estos puntos, vista a cierta distancia, crea la imagen y los colores deseados en la retina del espectador. El "Romanticismo" es un movimiento artístico y cultural que enfatiza la emoción, la individualidad y la naturaleza, y el "Surrealismo" es un movimiento que explora el mundo de los sueños y el subconsciente, con imágenes a menudo ilógicas y sorprendentes.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características generales de la escultura griega.

La escultura griega es una de las manifestaciones artísticas más importantes de la Antigüedad Clásica y ha tenido una gran influencia en la historia del arte occidental. Sus principales características son:

• Antropocentrismo e Idealismo: La escultura griega se centra en la representación del ser humano, pero no de forma realista, sino idealizada. Los escultores buscaban la belleza perfecta, basada en la armonía, la proporción y el equilibrio.

• Canon: Los escultores griegos establecieron un canon de belleza, es decir, un conjunto de reglas y proporciones matemáticas que determinaban las medidas ideales del cuerpo humano. El canon más famoso es el de Policleto, que establecía que la altura ideal del cuerpo era siete veces la cabeza.

• Materiales: Los materiales más utilizados fueron el mármol y el bronce. El mármol se utilizaba principalmente para las esculturas de bulto redondo, mientras que el bronce se empleaba para las estatuas de mayor tamaño.

• Evolución: La escultura griega evolucionó a lo largo de los siglos, pasando por diferentes períodos:

  • Período Arcaico (siglos VIII-VI a.C.): Las esculturas son rígidas, frontales y con una sonrisa característica ("sonrisa arcaica"). Los ejemplos más conocidos son los "kouroi" (jóvenes atletas desnudos) y las "korai" (mujeres vestidas).
  • Período Clásico (siglos V-IV a.C.): Se alcanza la perfección en la representación del cuerpo humano, con un mayor naturalismo, movimiento y expresividad. Destacan escultores como Mirón, Policleto y Fidias.
  • Período Helenístico (siglos IV-I a.C.): Se intensifica el movimiento, la expresividad y el dramatismo. Las esculturas representan una mayor variedad de temas y personajes, y se busca conmover al espectador.

• Policromía: Aunque hoy en día vemos las esculturas griegas blancas (en el caso del mármol), originalmente estaban policromadas, es decir, pintadas con colores vivos. Esta policromía se ha perdido con el tiempo, pero se han encontrado restos de pigmentos que lo demuestran.

2. El Renacimiento en España. Arquitectura.

El Renacimiento en España fue un movimiento artístico y cultural que se desarrolló durante los siglos XV y XVI, introduciendo las ideas y formas del Renacimiento italiano, pero adaptándolas a las tradiciones y gustos locales. La arquitectura renacentista española presenta características particulares:

• Plateresco (primer tercio del siglo XVI): Es la primera fase del Renacimiento español y se caracteriza por una decoración minuciosa y abundante, inspirada en la orfebrería (trabajo de la plata, de ahí su nombre). Se aplican elementos decorativos renacentistas (grutescos, medallones, guirnaldas) a estructuras que todavía son góticas. Ejemplos: Fachada de la Universidad de Salamanca, Fachada del Convento de San Marcos de León.
• Purismo o Estilo Clasicista (segundo tercio del siglo XVI): Se busca una mayor pureza y sobriedad en las formas, siguiendo los modelos clásicos de la arquitectura romana. Se utilizan elementos como columnas, pilastras, frontones, cúpulas y bóvedas de cañón, con una decoración más austera. Ejemplos: Palacio de Carlos V en la Alhambra de Granada, Catedral de Granada (Diego de Siloé).
• Herreriano o Estilo Escurialense (último tercio del siglo XVI): Es el estilo más característico y original del Renacimiento español. Se caracteriza por su rigor geométrico, la ausencia de decoración, la monumentalidad y la sobriedad. El edificio más representativo es el Monasterio de El Escorial, construido por Juan Bautista de Toledo y Juan de Herrera.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1: Se trata del Coliseo, o Anfiteatro Flavio.

• Identificación: Anfiteatro Flavio, conocido como Coliseo, Roma.
• Estilo: Arquitectura romana (período imperial).
• Cronología: Siglo I d.C. (70-80 d.C.).
• Materiales: Originalmente, travertino (piedra caliza), hormigón, ladrillo, estuco.
• Descripción: Es un anfiteatro de planta elíptica, con unas dimensiones colosales (188 m de largo, 156 m de ancho, 48 m de altura). La fachada exterior se organiza en cuatro niveles: los tres inferiores con arcos de medio punto enmarcados por semicolumnas adosadas (de orden toscano, jónico y corintio, respectivamente), y el cuarto nivel con ventanas y pilastras corintias. El interior constaba de una arena (donde tenían lugar los espectáculos), rodeada por un graderío (cavea) con capacidad para unos 50.000 espectadores. Bajo la arena existía un complejo sistema de túneles, celdas y montacargas (hipogeo).
• Función: Lugar de espectáculos públicos: luchas de gladiadores, cacerías de animales salvajes (venationes), ejecuciones, naumaquias (batallas navales, en los primeros tiempos). Era un símbolo del poder y la grandeza de Roma, y servía para entretener al pueblo y controlar el descontento social ("panem et circenses").
• Significado e importancia: El Coliseo es uno de los monumentos más emblemáticos de la Roma imperial y uno de los ejemplos mejor conservados de la arquitectura romana. Representa la culminación de la técnica constructiva romana, con el uso del arco, la bóveda y el hormigón. Es un símbolo del poderío romano, de su capacidad de organización y de su gusto por los espectáculos de masas. Ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Fig. 2:

Se trata de La noche estrellada de Van Gogh

• Identificación: "La noche estrellada".
• Autor: Vincent van Gogh.
• Estilo: Postimpresionismo.
• Cronología: 1889.
• Técnica: Óleo sobre lienzo.
• Descripción: Representa un paisaje nocturno, con un cielo estrellado lleno de remolinos y un ciprés que se eleva como una llama en primer plano. En la parte inferior se ve un pueblo con casas y una iglesia, con una torre puntiaguda.
• Análisis formal: Destaca el uso de pinceladas gruesas, cortas y enérgicas, que crean una textura vibrante y un efecto de movimiento. Los colores son intensos y contrastados: azules, amarillos, blancos, verdes y negros. La composición es dinámica, con líneas curvas y diagonales que guían la mirada del espectador.
• Significado e interpretación: Esta obra refleja el estado emocional de Van Gogh durante su estancia en el sanatorio de Saint-Rémy, donde se recluyó voluntariamente tras una crisis mental. El cielo estrellado, con sus remolinos y colores intensos, puede interpretarse como una expresión de su angustia, pero también de su esperanza y su conexión con el universo. El ciprés, un árbol asociado tradicionalmente con la muerte y el duelo, podría simbolizar su propia lucha contra la enfermedad y su anhelo de trascendencia. Es una obra profundamente personal y emotiva, que transmite la visión subjetiva del artista y su relación con el mundo.
• Importancia: "La noche estrellada" es una de las obras más famosas de Van Gogh y del Postimpresionismo. Es un ejemplo de la capacidad del arte para expresar las emociones y la visión personal del artista, y ha influido en numerosos artistas posteriores.

PROPUESTA B

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Óleo:

   a) Técnica pictórica que utiliza colores aglutinados con aceite

   Razonamiento: La técnica del óleo se basa en la mezcla de pigmentos con aceites secantes (como el de linaza), que actúan como aglutinante. Esta mezcla proporciona una gran flexibilidad, permitiendo trabajar con capas, veladuras y empastes, y obteniendo colores brillantes y duraderos. La opción b) se refiere a la técnica del fresco, donde los pigmentos se aplican sobre una superficie de yeso húmedo.

2. Basílica:

   c) Las respuestas a y b, son correctas

   Razonamiento: El término "basílica" tiene dos significados principales en la historia de la arquitectura. Originalmente, en la Roma antigua, era un edificio público de planta rectangular, utilizado como tribunal de justicia y lugar de reunión. Posteriormente, con el cristianismo, se adoptó este tipo de edificio para el culto religioso, convirtiéndose en el modelo de las iglesias cristianas.

3. Relación matemática que se utiliza en escultura y que sirve de módulo:

   c) Canon

   Razonamiento: El canon es un conjunto de reglas y proporciones matemáticas que establecen las relaciones ideales entre las diferentes partes del cuerpo humano en la escultura. El canon más famoso es el de Policleto, que establecía que la altura ideal del cuerpo era siete veces la cabeza. La "perspectiva" es un sistema de representación gráfica que permite crear la ilusión de profundidad y distancia en una superficie plana, y el "volumen" es el espacio tridimensional que ocupa un cuerpo.

4. Movimiento caracterizado por exaltar el valor artístico de lo inconsciente, la locura y el mundo de los sueños:

   c) Surrealismo

   Razonamiento: El Surrealismo es un movimiento artístico y literario que surgió en Francia en la década de 1920, influenciado por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud. Los surrealistas buscaban liberar el poder creativo del inconsciente, explorando el mundo de los sueños, la locura, el azar y lo irracional. El "Romanticismo" es un movimiento anterior que enfatiza la emoción, la individualidad y la naturaleza, y el "Postimpresionismo" es un término que engloba a diversos artistas que reaccionaron contra el Impresionismo, buscando una mayor expresividad y libertad formal.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características generales de la arquitectura griega.

La arquitectura griega antigua es un pilar fundamental del arte occidental, caracterizada por su búsqueda de la armonía, la proporción y la belleza ideal. Sus rasgos más destacados son:

• Arquitectura adintelada o arquitrabada: No utilizan el arco ni la bóveda. Los edificios se construyen con un sistema de soportes verticales (columnas) y elementos horizontales (entablamentos).
• Órdenes arquitectónicos: Desarrollaron tres órdenes principales, que definen el estilo y las proporciones de los edificios:
  • Dórico: El más antiguo y sobrio. La columna no tiene basa, el fuste es estriado y el capitel es sencillo (ábaco y equino). El entablamento consta de arquitrabe liso, friso con triglifos y metopas, y cornisa.
  • Jónico: Más esbelto y elegante que el dórico. La columna tiene basa, el fuste es estriado y el capitel se decora con volutas. El entablamento tiene arquitrabe con tres bandas horizontales, friso corrido (a veces con relieves) y cornisa.
  • Corintio: Es una variante del jónico, más ornamentado. El capitel se decora con hojas de acanto.
• Materiales: El material preferido es el mármol blanco, aunque también se utilizaron otros tipos de piedra. Los edificios estaban originalmente policromados, con colores vivos.
• Tipos de edificios: El edificio más importante es el templo, que servía para albergar la estatua de la divinidad. Otros edificios destacados son los teatros, los estadios, las stoas (pórticos), los propileos (entradas monumentales) y los bouleuterios (salas de consejo).
• Correcciones ópticas: Los arquitectos griegos aplicaban sutiles correcciones ópticas para contrarrestar las deformaciones que produce la perspectiva y lograr una mayor sensación de armonía y perfección. Por ejemplo, las columnas se ensanchaban ligeramente en el centro (éntasis) y se inclinaban hacia el interior, y el entablamento se curvaba ligeramente.
• Integración en el paisaje: Los edificios se construían en lugares cuidadosamente elegidos, buscando una integración armoniosa con el entorno natural.

2. Goya.

Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) es uno de los artistas más importantes de la historia del arte español y una figura clave en la transición del Rococó al Romanticismo y al arte moderno. Su obra es muy variada y abarca diferentes géneros y técnicas:

• Pintor de la corte: Goya fue pintor de cámara de los reyes Carlos III, Carlos IV y Fernando VII. Realizó numerosos retratos de la familia real y de la aristocracia, en los que muestra su habilidad para captar la psicología de los personajes. Ej: La familia de Carlos IV.

• Pintura religiosa: Aunque no fue su género más destacado, Goya realizó importantes obras religiosas, como los frescos de la ermita de San Antonio de la Florida en Madrid.

• Pintura costumbrista: Goya representó escenas de la vida cotidiana, con un estilo que evoluciona desde el costumbrismo amable y colorista de sus cartones para tapices (destinados a la Real Fábrica de Tapices) hasta una visión más crítica y satírica de la sociedad española en sus series de grabados (Los Caprichos, Los Desastres de la Guerra, Los Disparates, La Tauromaquia).

• Pinturas Negras: Son una serie de pinturas murales que Goya realizó en las paredes de su casa, la Quinta del Sordo, entre 1819 y 1823. Son obras oscuras, inquietantes y enigmáticas, que reflejan su pesimismo y su visión crítica del mundo. Ej: Saturno devorando a su hijo.

• Grabados: Goya fue un maestro del grabado y realizó varias series en las que abordó temas sociales, políticos y morales, con un estilo que va desde la sátira y la caricatura hasta la denuncia de la violencia y la crueldad.

  Características de su estilo:

• Evolución: Su estilo evoluciona a lo largo de su vida, desde el Rococó inicial hasta un estilo personal y expresionista, que anticipa el Romanticismo y el arte moderno.

• Técnica: Goya utiliza una pincelada suelta y enérgica, con un gran dominio del color y la luz. En sus últimas obras, la pincelada se vuelve más libre y expresiva, y los colores se oscurecen.

• Temas: Goya aborda una gran variedad de temas: retratos, escenas costumbristas, temas religiosos, escenas históricas, alegorías, temas fantásticos y oníricos.

• Crítica social: Goya es un artista comprometido con su tiempo y utiliza su obra para criticar los vicios y las injusticias de la sociedad española, la guerra, la superstición y la ignorancia.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1:

Se trata de La Piedad del Vaticano

• Identificación: La Piedad del Vaticano.
• Autor: Miguel Ángel Buonarroti.
• Estilo: Renacimiento (Cinquecento italiano).
• Cronología: 1498-1499.
• Material: Mármol de Carrara.
• Descripción: Es un grupo escultórico de bulto redondo que representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo muerto de Cristo después del Descendimiento de la Cruz. La Virgen, joven y serena, está sentada sobre una roca (el Gólgota) y sostiene el cuerpo de Cristo, que yace en su regazo.
• Análisis formal: La composición es piramidal, con la Virgen como eje central. La figura de Cristo está modelada con gran realismo y detalle anatómico, mientras que la Virgen tiene un rostro idealizado y sereno. Los pliegues del manto de la Virgen crean un juego de luces y sombras que acentúa el volumen de las figuras. El acabado es pulido y perfecto, lo que demuestra la maestría técnica de Miguel Ángel.
• Significado e interpretación: La obra representa el dolor de la Virgen María ante la muerte de su hijo, pero también transmite un sentimiento de serenidad y aceptación. La juventud de la Virgen simboliza su pureza y su condición de Madre de Dios. Es una obra de gran belleza y emotividad, que refleja la profunda religiosidad de Miguel Ángel.
• Importancia: La Piedad del Vaticano es una de las obras maestras de Miguel Ángel y del Renacimiento. Es un ejemplo de la perfección técnica y la expresividad que alcanzó la escultura renacentista. Es una de las obras más admiradas y visitadas de la Basílica de San Pedro del Vaticano.

Fig. 2: Se trata de La casa de la cascada.

• Identificación: Casa de la Cascada (Fallingwater).
• Autor: Frank Lloyd Wright.
• Estilo: Arquitectura orgánica (organicismo).
• Cronología: 1935-1939.
• Ubicación: Bear Run, Pensilvania (Estados Unidos).
• Materiales: Hormigón armado, piedra arenisca, acero, vidrio.
• Descripción: Es una vivienda unifamiliar construida sobre una cascada natural. La casa se organiza en varios niveles, con terrazas voladizas que se proyectan sobre el agua. Los materiales utilizados se integran con el entorno natural: la piedra arenisca se extrajo de la misma cantera que la roca sobre la que se asienta la casa, y el hormigón se tiñó de un color ocre para armonizar con el paisaje. Los grandes ventanales permiten una conexión visual constante con el exterior.
• Análisis formal: La casa se caracteriza por su horizontalidad, con líneas rectas y volúmenes que se extienden en diferentes direcciones. Los voladizos crean un efecto de ligereza y dinamismo, y la integración de la cascada en la estructura de la casa es un elemento único y sorprendente. La relación entre el interior y el exterior es fluida y continua.
• Significado e interpretación: La Casa de la Cascada es un ejemplo paradigmático de la arquitectura orgánica, que busca la armonía entre el edificio y la naturaleza. Wright concibió la casa como un organismo vivo, que se adapta al entorno y se integra en él. La cascada no es solo un elemento decorativo, sino que forma parte de la propia estructura de la casa y de la experiencia de habitarla.
• Importancia: La Casa de la Cascada es una de las obras más importantes de Frank Lloyd Wright y de la arquitectura del siglo XX. Es un icono de la arquitectura orgánica y ha sido declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.