Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Fundamentos del Arte II 2020/2021

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS

1. Todo sobre mi madre es una película dirigida por...

c) Pedro Almodóvar.

Razonamiento: Pedro Almodóvar es un reconocido director de cine español, conocido por su estilo único y sus películas que a menudo exploran temas de identidad, deseo y familia. "Todo sobre mi madre" es una de sus obras más aclamadas, la cual ganó el Óscar a la mejor película extranjera en 1999. Luis García Berlanga y Álex de la Iglesia también son directores españoles, pero con estilos y filmografías diferentes a la de Almodóvar, sus películas no coinciden con el título proporcionado.

2. Uno de los principales joyeros del modernismo catalán, que incluyó la figura de la mujer en muchos de sus diseños...

c) Lluís Masriera

Razonamiento: Lluís Masriera fue un destacado orfebre, pintor y escenógrafo catalán, reconocido por su trabajo en joyería dentro del movimiento modernista. Sus diseños, a menudo inspirados en la naturaleza y la figura femenina, son considerados piezas emblemáticas del modernismo catalán. René Lalique fue un importante joyero, pero del modernismo francés, no catalán. Joan Miró fue un artista plástico importante, pero más reconocido por su pintura y escultura, no joyería.

3. Beethoven es un compositor considerado...

b) como el último clásico y el primer romántico

Razonamiento: La obra de Ludwig van Beethoven se sitúa en la transición entre el clasicismo y el romanticismo musical. Sus primeras composiciones siguen las formas y estructuras clásicas, mientras que sus obras posteriores muestran una mayor libertad expresiva y emocional, características del romanticismo. Por lo tanto, se le considera un puente entre ambas épocas, siendo el último gran compositor clásico y el primero del romanticismo. No se le puede clasificar como impresionista, ya que el impresionismo musical es un movimiento posterior, con características musicales distintas. Tampoco se le puede considerar dentro del romanticismo tardío, ya que fue pionero del movimiento, no un seguidor tardío.

4. Se le considera fundamental en la invención de la fotografía:

a) Joseph Nicéphore Niépce

Razonamiento: Joseph Nicéphore Niépce fue un inventor francés que realizó los primeros experimentos exitosos en la captura de imágenes permanentes a través de la acción de la luz, a principios del siglo XIX. Su heliografía "Vista desde la ventana en Le Gras" es considerada la primera fotografía de la historia. Aunque Nadar y Robert Capa fueron fotógrafos importantes, su trabajo se desarrolló mucho después de la invención de la fotografía por Niépce.

5. Las prendas diseñadas por el célebre modisto Cristóbal Balenciaga se caracterizan por...

c) ser prendas amplias y con grandes volúmenes

Razonamiento: Cristóbal Balenciaga fue un diseñador de moda español reconocido por su dominio de la técnica y su capacidad para crear siluetas innovadoras. Sus diseños se caracterizaban por la limpieza de líneas, la simplicidad y, a menudo, por el uso de volúmenes amplios y arquitectónicos, que le dieron a sus prendas una forma escultórica única. No se caracterizan por colores extremadamente vivos ni por ceñirse estrictamente al cuerpo femenino.

6. Las canciones y ritmos de los africanos esclavizados que trabajaron en las plantaciones de algodón y la música popular americana constituyen el origen de...

c) el jazz

Razonamiento: El jazz surgió a finales del siglo XIX y principios del XX en las comunidades afroamericanas del sur de Estados Unidos. Es el resultado de la fusión de las tradiciones musicales africanas, traídas por los esclavos, con la música popular americana y europea. Los cantos de trabajo, los espirituales y el blues son algunos de los géneros que influyeron en el desarrollo del jazz. El flamenco es un género musical español con raíces gitanas y árabes, y no tiene una relación directa con la música de los esclavos africanos en América. La música Pop se desarrolló mucho más tarde y tiene otras influencias.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTA PARA DESARROLLAR

2. El Cubismo: concepto y etapas.

Razonamiento: Elegí esta pregunta porque el cubismo es un movimiento artístico fundamental en la historia del arte moderno, y su desarrollo tiene etapas bien definidas que permiten un análisis claro y completo.

El Cubismo: concepto y etapas

El cubismo fue un movimiento artístico de vanguardia que revolucionó la pintura y la escultura a principios del siglo XX. Se originó en Francia, liderado principalmente por Pablo Picasso y Georges Braque, y se caracterizó por la ruptura con la representación tradicional de la realidad, la perspectiva lineal y el uso de un único punto de vista. Los artistas cubistas buscaban representar los objetos desde múltiples perspectivas simultáneamente, fragmentando las formas y recomponiéndolas en el plano del cuadro. Este enfoque dio como resultado obras que a menudo parecen abstractas, con formas geométricas y una paleta de colores limitada.

El cubismo se desarrolló a través de varias etapas:

1. Cubismo preanalítico o protocubismo (1907-1909): Esta fase inicial, también conocida como "fase cezaniana", estuvo fuertemente influenciada por la obra de Paul Cézanne, en particular por su enfoque en la simplificación de las formas y la construcción geométrica del espacio. Las obras de este período, como "Las señoritas de Avignon" de Picasso, muestran una simplificación de las figuras y una tendencia a la geometrización, pero aún mantienen cierta conexión con la realidad visible.

2. Cubismo analítico (1910-1912): En esta etapa, el cubismo alcanzó su máxima expresión en términos de fragmentación y abstracción. Los artistas descomponían los objetos en múltiples planos y facetas, como si los estuvieran analizando desde todos los ángulos posibles. La paleta de colores se volvió aún más limitada, predominando los tonos ocres, grises y marrones. Las formas se volvieron casi irreconocibles, y la distinción entre figura y fondo se difuminó. Ejemplos de esta etapa son "El portugués" de Braque y "Retrato de Ambroise Vollard" de Picasso.

3. Cubismo sintético (1912-1914): Esta fase se caracterizó por la reintroducción del color y la incorporación de elementos de la realidad en la obra a través de la técnica del collage. Los artistas comenzaron a pegar fragmentos de papel, tela, periódicos y otros materiales en el lienzo, creando una síntesis entre la representación cubista y el objeto real. Las formas se volvieron más simples y reconocibles, pero la multiplicidad de puntos de vista se mantuvo. "Naturaleza muerta con silla de rejilla" de Picasso y "Frutero y vaso" de Braque son ejemplos destacados del cubismo sintético.

4. Cubismo tardío o cristal (1914-1920s): Esta última fase del cubismo se caracterizó por una mayor simplificación de las formas, un uso más decorativo del color y una tendencia a la planitud. Las obras se volvieron más ordenadas y legibles, con formas geométricas claramente definidas y una composición más equilibrada. En esta fase se realizaron algunas obras importantes de artistas como Juan Gris, que por ejemplo, pintó "Retrato de Picasso" en 1912.

El cubismo tuvo una influencia enorme en el desarrollo del arte moderno. Su ruptura con las convenciones tradicionales de representación abrió el camino para la abstracción y otros movimientos vanguardistas. Además, su enfoque en la multiplicidad de puntos de vista y la fragmentación de la forma influenció no solo a la pintura y la escultura, sino también a la arquitectura, el diseño y la literatura.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE

Análisis y comentario de la Fig. 1

Razonamiento: Elijo la Fig. 1 porque "El grito" de Edvard Munch es una obra icónica del expresionismo, un movimiento que me interesa especialmente por su capacidad para transmitir emociones intensas. Además, esta obra en particular tiene una gran carga simbólica y ha sido objeto de múltiples interpretaciones, lo que la hace muy interesante para analizar.

Identificación:

• Título: El grito
• Autor: Edvard Munch
• Fecha: 1893
• Estilo: Expresionismo
• Técnica: Óleo, temple y pastel sobre cartón
• Dimensiones: $91 \\\\times 73,5$ cm
• Localización: Galería Nacional de Noruega, Oslo

Descripción:

La obra representa una figura andrógina en primer plano, con la boca abierta en un grito silencioso y las manos en la cabeza. El rostro, con los ojos desorbitados y las mejillas hundidas, expresa una angustia profunda. La figura se encuentra en un puente que se extiende en diagonal hacia el fondo, creando una sensación de inestabilidad y desequilibrio. Al fondo, se pueden ver dos figuras más, que parecen alejarse, indiferentes al sufrimiento del protagonista. El paisaje detrás del puente muestra un cielo de colores intensos y vibrantes, con tonos rojos, anaranjados y amarillos que se mezclan de forma turbulenta. El agua del fiordo, de un azul oscuro, refleja las líneas ondulantes del cielo, creando una atmósfera opresiva y agitada.

Análisis formal:

La composición está dominada por líneas diagonales y curvas que crean una sensación de dinamismo y movimiento. La figura principal, con su postura contorsionada y su rostro distorsionado, es el centro de atención de la obra. El uso del color es expresivo y simbólico. Los colores cálidos y estridentes del cielo contrastan con los tonos fríos del agua y la oscuridad que rodea a la figura, intensificando la sensación de angustia y soledad. La pincelada es suelta y visible, lo que contribuye a la atmósfera agitada y emocional de la obra. La perspectiva no es lineal ni realista, sino que se deforma para expresar la distorsión emocional del protagonista.

Interpretación:

"El grito" es una obra que expresa la angustia existencial del ser humano moderno. La figura central representa la soledad, el miedo y la desesperación ante un mundo que se percibe como caótico y amenazante. El paisaje turbulento y los colores intensos reflejan el estado emocional del protagonista. La obra puede interpretarse como una representación de la ansiedad, la alienación y la incomunicación en la sociedad moderna. Munch, que experimentó episodios de enfermedad mental y vivió una vida marcada por la tragedia, plasmó en esta obra sus propias emociones y su visión pesimista del mundo.

Contexto histórico y artístico:

"El grito" fue pintado en 1893, en un período de grandes cambios sociales, culturales y artísticos. El fin de siglo XIX fue una época de crisis de valores, en la que la ciencia y la tecnología avanzaban rápidamente, pero al mismo tiempo se generaba una sensación de incertidumbre y desasosiego. El expresionismo, movimiento al que pertenece la obra, surgió como una reacción al positivismo y al impresionismo, buscando expresar las emociones más profundas del ser humano, a menudo las más oscuras y angustiantes.

Influencia y legado:

"El grito" se ha convertido en un icono de la cultura popular y una de las obras más reconocidas del arte moderno. Su poderosa imagen ha sido reproducida, reinterpretada y parodiada en innumerables ocasiones. La obra ha influido a numerosos artistas, cineastas y escritores, y su impacto se puede rastrear en el arte, el cine, la literatura y la cultura visual contemporánea. Es una obra que sigue resonando con fuerza en el público actual, porque aborda temas universales como la soledad, la angustia y el miedo, que siguen siendo relevantes en la sociedad contemporánea.