Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Fundamentos del Arte II 2021/2022

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Fue un cantaor español, considerado una de las principales figuras del flamenco, que alcanzó gran éxito a nivel internacional...

b) Camarón de la Isla

Razonamiento: Camarón de la Isla es una figura legendaria del flamenco, conocido por su voz única y su profunda expresividad. Revolucionó el cante flamenco, fusionándolo con otros géneros y llevándolo a audiencias internacionales. Aunque Paco de Lucía fue un guitarrista flamenco excepcional y colaborador frecuente de Camarón, no fue cantaor. Carlos Gardel fue una figura icónica, pero del tango argentino, no del flamenco.

2. Se dedicó a la fotografía de moda durante el periodo de entreguerras...

c) Cecil Beaton

Razonamiento: Cecil Beaton fue un fotógrafo británico célebre por sus retratos de la alta sociedad y sus trabajos en revistas de moda como Vogue y Vanity Fair durante las décadas de 1920 y 1930. Lewis Hine es conocido por su fotografía documental social, especialmente por sus imágenes de niños trabajadores a principios del siglo XX. Nadar, aunque fue un pionero de la fotografía en el siglo XIX, no se centró específicamente en la moda de la forma en que lo hizo Beaton.

3. Una de las primeras proyecciones del cinematógrafo fue...

b) Salida de los obreros de la fábrica

Razonamiento: "Salida de los obreros de la fábrica" (La Sortie de l'usine Lumière à Lyon) de los hermanos Lumière es una de las primeras películas proyectadas públicamente con el cinematógrafo en 1895. Es una filmación breve y documental de la vida cotidiana. "Un perro andaluz" es una película surrealista de Luis Buñuel y Salvador Dalí, estrenada mucho después, en 1929. "Nosferatu" es una película expresionista alemana de 1922, también posterior a los inicios del cine.

4. Lluís Masriera destacó por ser...

a) un afamado joyero catalán

Razonamiento: Lluís Masriera fue un destacado orfebre, joyero, pintor y escenógrafo catalán, asociado al movimiento modernista. Sus diseños de joyería son reconocidos por su exquisitez y su conexión con la naturaleza. Aunque tuvo habilidades en otras áreas artísticas, no fue un pintor cubista, ya que el cubismo surgió en las primeras décadas del siglo XX y tenía un enfoque estilístico muy diferente. Tampoco fue un director de cine afamado.

5. Señala cuál de las siguientes obras no pertenece a Beethoven...

b) El cascanueces

Razonamiento: "El cascanueces" es un ballet compuesto por Piotr Ilich Chaikovski. "Claro de luna" (Sonata para piano n.º 14) y la Novena Sinfonía son obras maestras de Ludwig van Beethoven. Beethoven compuso en el período clásico y romántico, mientras que Chaikovski pertenece al período romántico posterior.

6. Las escenas de Montmartre, el espectáculo y el teatro en el París de finales del siglo XIX fueron los elementos que inspiraron la creación gráfica de...

a) Henri de Toulouse-Lautrec

Razonamiento: Henri de Toulouse-Lautrec fue un pintor y litógrafo francés conocido por sus representaciones de la vida nocturna parisina, especialmente de los cabarets, teatros y burdeles de Montmartre. Sus carteles y grabados capturan el espíritu bohemio y decadente de la Belle Époque. Leonetto Cappiello fue un importante cartelista, pero de un período ligeramente posterior, conocido por su estilo Art Nouveau y Art Déco. Salvador Dalí fue un artista surrealista cuyas obras, aunque a veces representaban escenas oníricas y fantásticas, no se centraron específicamente en el ambiente de Montmartre de finales del siglo XIX.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTA PARA DESARROLLAR.

1. Escultura del siglo XIX. Francia: Rodin y Claudel. España: Benlliure.

En el siglo XIX, la escultura experimentó una transformación profunda, abandonando gradualmente las normas neoclásicas y adentrándose en nuevos caminos que reflejaban la complejidad del mundo moderno. Francia y España, con figuras como Rodin, Claudel y Benlliure, se erigieron como centros de innovación y excelencia escultórica.

Francia: El Impulso Rompedor de Rodin y Claudel

Auguste Rodin es considerado el padre de la escultura moderna. Su obra rompió con las convenciones académicas al introducir un realismo expresivo y una profunda exploración psicológica. Obras como "El Pensador" y "El Beso" son ejemplos icónicos de su estilo, caracterizado por:

• Modelado enérgico: Rodin prefería superficies rugosas e inacabadas, que transmitían la vitalidad y el movimiento de la forma. Dejaba huellas visibles de sus herramientas, dotando a sus esculturas de una textura vibrante.
• Expresionismo: Sus figuras no eran idealizaciones estáticas, sino representaciones de emociones intensas y estados psicológicos complejos. La anatomía se distorsionaba sutilmente para intensificar la expresividad.
• Fragmentación: Rodin no dudaba en presentar fragmentos del cuerpo humano como obras completas, concentrando la atención en la esencia de la forma y la emoción. Ejemplos notables son "El hombre que camina" y "La mano de Dios".
• Importancia de la luz y la sombra: El juego de luces y sombras sobre las superficies irregulares de sus esculturas creaba efectos dramáticos, realzando el volumen y la emoción.

Camille Claudel, inicialmente discípula y colaboradora de Rodin, desarrolló un estilo propio igualmente poderoso y emotivo. Aunque su carrera se vio truncada por la enfermedad mental, dejó un legado de obras de gran fuerza y sensibilidad.

• Introspección y drama personal: Las esculturas de Claudel reflejan su propia experiencia vital, marcada por la pasión, la lucha y el sufrimiento. Obras como "La edad madura" y "Cloto" transmiten una intensidad emocional conmovedora.
• Fluidez y dinamismo: Sus figuras se caracterizan por líneas curvas y composiciones dinámicas que capturan el movimiento y la tensión.
• Realismo psicológico: Claudel profundizó en la representación de los estados mentales y emocionales, anticipando el expresionismo del siglo XX.

España: Benlliure y el Realismo Naturalista

Mariano Benlliure fue el máximo representante de la escultura realista en España. Su obra se distingue por:

• Virtuosismo técnico: Benlliure dominaba la técnica escultórica a la perfección, creando obras de gran detalle y realismo.
• Naturalismo: Se inspiraba en la observación directa de la naturaleza y la vida cotidiana, retratando personajes y escenas con gran fidelidad.
• Diversidad temática: Abordó una amplia variedad de temas, desde retratos y monumentos conmemorativos hasta escenas costumbristas y taurinas. "Monumento a Alfonso XII en Madrid" o "El mausoleo de Joselito en Sevilla", son algunas de sus obras más destacadas.
• Sentido del movimiento: Sus esculturas capturan la acción y el dinamismo, creando composiciones vivas y llenas de energía.

Conclusión

Rodin, Claudel y Benlliure, cada uno con su estilo particular, contribuyeron a la renovación de la escultura en el siglo XIX. Rodin y Claudel en Francia abrieron el camino a la modernidad con su expresionismo y su enfoque psicológico, mientras que Benlliure en España llevó el realismo a su máxima expresión, dejando un legado de obras de gran belleza y perfección técnica. Estos tres artistas, entre otros, sentaron las bases para la evolución de la escultura en el siglo XX.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 2

Nos encontramos ante la obra "Improvisación VII", pintada por Wassily Kandinsky en 1910. Esta obra pertenece al movimiento del expresionismo abstracto y es un ejemplo paradigmático de la evolución del artista hacia la abstracción pura.

Análisis formal:

• Composición: La composición es dinámica y descentrada. No hay un punto focal único, sino que la mirada del espectador se mueve por toda la superficie del lienzo, atraída por las formas y los colores. La organización no sigue un orden lógico ni una estructura geométrica definida.
• Color: Predominan los colores primarios (rojo, amarillo y azul) y secundarios (verde, naranja, violeta), aplicados con gran intensidad y contraste. Los colores no se mezclan de forma gradual, sino que se yuxtaponen, creando una sensación de vibración y energía. Kandinsky otorgaba una gran importancia a la expresividad del color, asociándolo con emociones y sonidos.
• Forma: Las formas son abstractas, orgánicas y curvilíneas. No representan objetos reconocibles de la realidad, sino que parecen surgir del impulso creador del artista. Se aprecian líneas negras gruesas que delimitan algunas formas y aportan dinamismo a la composición. Estas formas flotan en el espacio, sin un fondo definido que las sitúe en un contexto espacial concreto.
• Pincelada: La pincelada es suelta, gestual y espontánea. Se aprecian las huellas del pincel, lo que aporta una textura rica y vibrante a la obra. La aplicación del color es enérgica y apasionada, transmitiendo la emoción del artista en el momento de la creación.
• Luz: No hay una fuente de luz definida, sino que la luz parece emanar de los propios colores. Los contrastes cromáticos generan una sensación de luminosidad interna, típica de las obras abstractas de Kandinsky.

Interpretación:

"Improvisación VII" refleja el interés de Kandinsky por la espiritualidad y la música. El título mismo sugiere una analogía con la música, como si la obra fuera una composición musical plasmada en el lienzo. Kandinsky creía que el arte abstracto podía expresar emociones y experiencias espirituales de forma más directa que el arte figurativo. Los colores y las formas en esta obra no pretenden representar la realidad exterior, sino el mundo interior del artista.

Kandinsky, a través de sus escritos teóricos como "De lo espiritual en el arte" (1911), estableció una relación entre colores, formas y sonidos. Por ejemplo, el amarillo se asociaba con la trompeta, el azul con el violonchelo y el rojo con la tuba. En "Improvisación VII", la interacción de colores y formas puede interpretarse como una sinfonía visual, donde cada elemento tiene su propia voz y contribuye a la armonía general.

La obra es una expresión de libertad creativa, de liberación de las ataduras de la representación. Kandinsky buscaba un arte puro, que no estuviera condicionado por la imitación de la naturaleza, sino que fuera una expresión directa del espíritu. En este sentido, "Improvisación VII" es una obra pionera en el camino hacia la abstracción total, un hito en la historia del arte moderno. Se puede interpretar "Improvisación VII" como una representación del caos primordial, del que surge la creación. La obra nos invita a una contemplación activa, a dejarnos llevar por las sensaciones que nos provocan los colores y las formas, a buscar en nuestro interior las resonancias emocionales que la obra despierta.

En conclusión, "Improvisación VII" de Kandinsky es una obra fundamental para comprender el desarrollo del arte abstracto. Es una obra que nos habla de la búsqueda de un lenguaje artístico nuevo, basado en la expresión pura de la emoción y la espiritualidad.