Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Fundamentos del Arte II 2022/2023

Ejercicio 1:

Respuesta: c) la litografía

Razonamiento:

A finales del siglo XIX, la litografía se había consolidado como la técnica predilecta para la creación de carteles. Desarrollada a finales del siglo XVIII, esta técnica permitía la reproducción en masa de imágenes y textos con una calidad y eficiencia sin precedentes. A diferencia del óleo o el carboncillo, que son técnicas manuales más lentas y costosas, la litografía se basaba en la impresión de una imagen sobre una piedra caliza o una plancha metálica, lo que facilitaba la producción de grandes tiradas de carteles. Además, la litografía permitía una gran versatilidad en cuanto al uso del color y la tipografía, lo que la convirtió en la técnica ideal para el diseño de carteles publicitarios y propagandísticos, que estaban en pleno auge en esa época.

Ejercicio 2:

Respuesta: c) Beethoven

Razonamiento:

La "Oda a la Alegría" es el cuarto y último movimiento de la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven. Esta obra, estrenada en 1824, es una de las composiciones más famosas y trascendentales de la música clásica. La inclusión de la "Oda a la Alegría", un poema de Friedrich Schiller, en una sinfonía, fue una innovación radical en su época. Si bien Mozart y Wagner son compositores importantes, no tienen relación con esta obra específica.

Ejercicio 3:

Respuesta: b) Nadar

Razonamiento:

Gaspard-Félix Tournachon, conocido como Nadar, fue un fotógrafo, caricaturista y periodista francés. En 1858, se convirtió en la primera persona en realizar fotografías aéreas. Realizó las primeras tomas desde un globo aerostático sobre París. Méliès fue un pionero del cine, y Niepce es considerado uno de los padres de la fotografía, pero no se especializó en la fotografía aérea.

Ejercicio 4:

Respuesta: c) Superman

Razonamiento:

Jerry Siegel y Joe Shuster crearon a Superman en 1933, y la primera historia del superhéroe se publicó en Action Comics #1 en 1938. Superman es considerado el primer superhéroe de la historia del cómic y su éxito dio inicio a la Edad de Oro de los cómics. Tintín es un personaje creado por Hergé en 1929, y Tarzán es un personaje creado por Edgar Rice Burroughs en 1912.

Ejercicio 5:

Respuesta: c) Napoleón III

Razonamiento:

El tête-à-tête, también conocido como confidente o vis-à-vis, es un tipo de sofá para dos personas que permite a los ocupantes mirarse y conversar con facilidad. Su forma sinuosa, con dos asientos unidos en forma de S, era muy popular durante el Segundo Imperio Francés (1852-1870), bajo el reinado de Napoleón III. Este estilo se caracterizaba por la opulencia, la ornamentación y la mezcla de estilos históricos. El Art Decó y el Modernismo son estilos posteriores que, aunque comparten algunas características con el estilo Napoleón III, no se asocian con el uso del tête-à-tête.

Ejercicio 6:

Respuesta: c) Alfred Hitchcock

Razonamiento:

Alfred Hitchcock es mundialmente reconocido como el "maestro del suspense". A lo largo de su extensa carrera, dirigió películas que se han convertido en clásicos del género, como "Psicosis", "Vértigo", "La ventana indiscreta" y "Los pájaros". Hitchcock era conocido por su uso innovador de la cámara, el montaje y la narrativa para crear tensión y suspense en sus películas. Leni Riefenstahl fue una cineasta alemana conocida por sus documentales de propaganda nazi, y Ernst Lubitsch fue un director de cine alemán-estadounidense conocido por sus sofisticadas comedias.

Ejercicio 7:

Respuesta:

Me decanto por desarrollar el tema 3, "La arquitectura organicista: Wright y Aalto".

Desarrollo:

La arquitectura organicista es una corriente arquitectónica que surge a principios del siglo XX como una alternativa a los estilos históricos y al racionalismo imperante. Se caracteriza por la búsqueda de una armonía entre la obra arquitectónica y su entorno natural, así como por la utilización de formas y materiales naturales. Dos de los máximos exponentes de esta corriente son el estadounidense Frank Lloyd Wright y el finlandés Alvar Aalto.

Frank Lloyd Wright (1867-1959) es considerado uno de los arquitectos más importantes del siglo XX. Su obra se caracteriza por la integración de los edificios en el paisaje, el uso de materiales locales y la creación de espacios fluidos y orgánicos. Wright acuñó el término "arquitectura orgánica" para describir su filosofía de diseño, que se basaba en la idea de que la forma de un edificio debía estar determinada por su función y su entorno. Entre sus obras más destacadas se encuentran la Casa de la Cascada (Fallingwater, 1935), construida sobre una cascada en Pensilvania, y el Museo Guggenheim de Nueva York (1959), con su icónica espiral ascendente.

Ejemplo de la Casa de la Cascada:

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Alvar Aalto (1898-1976) es otro de los grandes maestros de la arquitectura organicista. Su obra se caracteriza por la adaptación al clima y la cultura nórdicos, el uso de la madera y otros materiales naturales, y la creación de espacios humanos y acogedores. Aalto se inspiró en la naturaleza finlandesa, con sus bosques, lagos y colinas, para diseñar edificios que se integraran en el paisaje y que proporcionaran a sus habitantes una sensación de bienestar y conexión con el entorno. Entre sus obras más importantes se encuentran el Sanatorio de Paimio (1933), un ejemplo temprano de arquitectura funcionalista con un fuerte enfoque en la luz natural y la ventilación, y la Villa Mairea (1939), una casa de campo que combina elementos de la arquitectura tradicional finlandesa con un lenguaje moderno y orgánico.

Ejemplo del Sanatorio de Paimio:

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Tanto Wright como Aalto compartían la creencia de que la arquitectura debía estar al servicio del ser humano y que debía contribuir a mejorar su calidad de vida. Ambos arquitectos crearon edificios que no solo eran funcionales y estéticamente agradables, sino que también estaban en armonía con la naturaleza y con las necesidades de sus usuarios. La arquitectura organicista de Wright y Aalto sigue siendo una fuente de inspiración para los arquitectos contemporáneos que buscan crear edificios más sostenibles y humanos.

Ejercicio 8:

Respuesta:

Analizaré la obra de la Figura 1.

Análisis y comentario:

La obra presentada en la Figura 1 es el Guernica de Pablo Picasso, un óleo sobre lienzo pintado en París entre los meses de mayo y junio de 1937. Sus dimensiones son 3,49 metros de alto y 7,77 metros de ancho. Actualmente, se encuentra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid.

Contexto histórico:

El Guernica fue encargado a Picasso por el Gobierno de la Segunda República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de París de 1937. La obra representa el bombardeo de la ciudad vasca de Guernica, ocurrido el 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil Española. Este bombardeo, llevado a cabo por la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana, que apoyaban al bando sublevado, causó una gran destrucción y un elevado número de víctimas civiles.

Análisis formal:

El Guernica es una obra de grandes dimensiones que se caracteriza por su composición abigarrada y caótica, que refleja el horror y la violencia del bombardeo. La obra está pintada en una gama de colores reducida a blancos, negros y grises, lo que intensifica la sensación de dramatismo y desolación. Picasso utiliza un lenguaje cubista, descomponiendo las figuras en planos y fragmentos, para expresar el caos y la destrucción causados por la guerra.

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Elementos simbólicos:

En el Guernica aparecen una serie de figuras que tienen un fuerte carácter simbólico:

• El toro: Representa la brutalidad y la oscuridad, aunque también puede interpretarse como un símbolo de España.
• El caballo: Representa a las víctimas inocentes de la guerra. Su cuerpo retorcido y su boca abierta en un grito de dolor expresan el sufrimiento y la agonía.
• La madre con su hijo muerto: Es una imagen desgarradora que simboliza el dolor y la pérdida causados por la guerra.
• La mujer con el quinqué: Aporta un rayo de esperanza y resistencia en medio de la oscuridad.
• El guerrero muerto: Yace en el suelo, fragmentado, simbolizando la destrucción de la vida humana.
• La bombilla: Puede interpretarse como una representación de la tecnología utilizada para la destrucción, pero también como un ojo que todo lo ve, testigo del horror.
• La paloma: Apenas visible, con un ala rota, representa la paz rota.

Interpretación:

El Guernica no es solo una representación del bombardeo de Guernica, sino que se ha convertido en un símbolo universal del horror de la guerra y del sufrimiento de las víctimas inocentes. La obra es un alegato contra la violencia y una llamada a la paz. Su impacto emocional y su fuerza expresiva han convertido al Guernica en una de las obras de arte más importantes del siglo XX y en un icono del arte comprometido.

Influencia:

El Guernica ha tenido una gran influencia en el arte posterior, inspirando a numerosos artistas a crear obras de denuncia social y política. La obra también ha sido utilizada como símbolo en movimientos pacifistas y en protestas contra la guerra.