Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Artes Escénicas 2022/2023

I-REALICE UN COMENTARIO DE TEXTO DE UNO DE LOS DOS FRAGMENTOS QUE SE PROPONEN Y RESPONDA A LAS PREGUNTAS QUE SE REALIZAN A CONTINUACIÓN:

1º FRAGMENTO EXTRAÍDO DE EL PERRO DEL HORTELANO DE LOPE DE VEGA.

a-Localización y resumen del párrafo (1p.)

Este fragmento pertenece a la comedia de enredo "El perro del hortelano", escrita por Lope de Vega, uno de los dramaturgos más importantes del Siglo de Oro español. La obra fue publicada en 1618, dentro de la "Oncena parte de las comedias de Lope de Vega". Se enmarca dentro del subgénero de la comedia palatina, caracterizada por sus intrigas amorosas, enredos y personajes de alta alcurnia.

El fragmento presenta una conversación entre Diana, la condesa de Belflor, y su criada Anarda. Diana sospecha que alguien ha entrado en la casa y presiona a Anarda para que revele la verdad. Anarda confiesa que Marcela, otra criada, tiene un amor secreto. Diana insiste en saber quién es el hombre y Anarda finalmente revela que es Teodoro, el secretario de Diana. La condesa, aliviada de que no se trata de una intriga que la involucre directamente, muestra una actitud más calmada.

Razonamiento:

• Localización: Identifico la obra por el título proporcionado y el estilo del lenguaje, propio del Siglo de Oro. La referencia a Lope de Vega y el título de la obra confirman la autoría. El uso de versos octosílabos y la temática amorosa con intrigas son característicos de la comedia palatina, un subgénero popular en la época de Lope. La fecha de publicación (1618) la sitúa en el periodo de madurez creativa de Lope.
• Resumen: Se extrae la información clave del diálogo: la sospecha de Diana, la confesión de Anarda, la identidad del amante (Teodoro) y la reacción de Diana. Se resume la trama del fragmento de forma concisa y precisa, manteniendo el orden cronológico de los eventos.

b-Realice un análisis del estilo del texto (1p.)

El estilo del texto es formal y elegante, propio del lenguaje literario del Siglo de Oro. Se emplea el verso octosílabo con rima consonante, siguiendo el esquema métrico de las comedias de Lope. El lenguaje es rico en recursos literarios como la metáfora (e.g., "reventando de sudar"), la hipérbole ("como si llegara del fin del mundo"), y la ironía dramática, ya que el público es consciente de los sentimientos de Diana hacia Teodoro, mientras que los personajes en escena no lo son.

El diálogo es ágil y dinámico, revelando gradualmente la información y manteniendo la intriga. Se observa un contraste entre el lenguaje altivo y autoritario de Diana, propio de su estatus social, y el tono más sumiso y cauteloso de Anarda. La acotación final, "Muestra aquí tu entendimiento", sugiere una complicidad entre las dos mujeres y una crítica sutil a la hipocresía social.

Razonamiento:

• Métrica: Se identifica el verso octosílabo y la rima consonante, elementos formales típicos de la comedia del Siglo de Oro.
• Lenguaje: Se destaca el uso de un lenguaje formal y literario, característico de la época y el género.
• Recursos Literarios: Se identifican y ejemplifican figuras retóricas como la metáfora, la hipérbole y la ironía dramática, que enriquecen el texto y aportan profundidad a la escena.
• Tono: Se analiza el contraste en el tono de los personajes, reflejo de sus diferentes posiciones sociales y personalidades.
• Acotaciones: Se interpreta la acotación final como una indicación implícita de la complicidad y la crítica social subyacente.

c-Opinión Crítica sobre la obra (1p.)

"El perro del hortelano" es una obra maestra de la comedia de enredo, que retrata con ingenio y humor las complejidades del amor y las convenciones sociales del Siglo de Oro. La obra destaca por su trama intrincada, sus personajes bien definidos y su crítica sutil a la rigidez de las normas sociales y las diferencias de clase.

La figura de Diana, una mujer noble que se debate entre el amor y el deber, es especialmente memorable. Su indecisión y sus celos, que la llevan a actuar como el perro del hortelano (ni come ni deja comer), la convierten en un personaje complejo y fascinante. La obra también explora temas como la envidia, el honor y la búsqueda de la felicidad en un contexto social restrictivo.

En mi opinión, "El perro del hortelano" es una obra atemporal que sigue siendo relevante en la actualidad por su retrato de las pasiones humanas y su exploración de las tensiones entre el deseo individual y las expectativas sociales. La maestría de Lope en la creación de diálogos ingeniosos y situaciones cómicas la convierten en una obra disfrutable y perspicaz que ofrece una visión profunda de la naturaleza humana.

Razonamiento:

• Valoración General: Se expresa una opinión positiva sobre la obra, destacando su calidad literaria y su relevancia dentro del contexto del Siglo de Oro.
• Análisis Temático: Se mencionan los temas principales de la obra (amor, honor, diferencias de clase) y se profundiza en el personaje de Diana, resaltando su complejidad.
• Relevancia Actual: Se conecta la obra con la actualidad, argumentando que los temas que trata siguen siendo vigentes.
• Estilo del Autor: Se valora positivamente la habilidad de Lope en la construcción de diálogos y situaciones cómicas.

2º FRAGMENTO EXTRAÍDO DE BODAS DE SANGRE DE FEDERICO GARCÍA LORCA.

a-Analice la estructura interna del párrafo (1p.)

El fragmento se estructura como una conversación entre Leonardo, su Mujer y la Suegra, con una breve intervención inicial del Niño que no forma parte de la estructura conversacional. Se puede dividir en las siguientes partes:

1. Introducción (líneas 1-4): Leonardo pregunta por el niño y se establece que este se encuentra bien tras haber llorado la noche anterior.
2. Desarrollo (líneas 5-20): La Mujer inicia una serie de preguntas a Leonardo sobre su actividad con el caballo, revelando que ha estado mintiendo sobre sus salidas. Se produce una discusión velada llena de tensión y sospechas.
3. Clímax (líneas 21-24): La Suegra interviene con una pregunta incisiva sobre el estado del caballo, intensificando la tensión y el conflicto latente.
4. Desenlace (líneas 25-27): Leonardo responde con brusquedad, y la Suegra, aunque finge disculparlo, cierra la conversación con una frase sentenciosa que deja entrever su desconfianza.

Razonamiento:

• Identificación de la estructura: Se reconoce la estructura dialogada y se divide en partes según el desarrollo de la conversación y los cambios de tema o tono.
• Descripción de cada parte: Se describe brevemente el contenido y la función de cada parte dentro de la estructura general del fragmento.
• Análisis de la tensión: Se destaca cómo la tensión va aumentando gradualmente a lo largo del fragmento, desde las preguntas aparentemente inocentes de la Mujer hasta la intervención acusadora de la Suegra.

b-Realice un análisis de los personajes (1p.)

• Leonardo: Se presenta como un hombre tenso, evasivo y probablemente mentiroso. Sus respuestas cortantes y su actitud defensiva sugieren que oculta algo. Su preocupación por el estado del caballo, más que por su hijo, insinúa una personalidad impulsiva y posiblemente irresponsable.
• Mujer: Se muestra inicialmente alegre y cariñosa, pero su insistencia en las preguntas sobre el caballo revela una sospecha subyacente. Su tono se vuelve cada vez más inquisitivo, aunque mantiene una cierta timidez, lo que sugiere una personalidad insegura o sometida.
• Suegra: Su intervención es breve pero contundente. Su pregunta sobre el caballo es directa y acusadora, y su frase final, "Por mí, que reviente", muestra una actitud fría y posiblemente resentida hacia Leonardo. Representa la voz de la experiencia y la desconfianza.

Razonamiento:

• Caracterización de Leonardo: Se analizan sus palabras y acciones para deducir rasgos de su personalidad: tenso, evasivo, mentiroso, impulsivo, irresponsable.
• Caracterización de la Mujer: Se observa su cambio de tono a lo largo del fragmento y se interpreta su comportamiento como indicio de sospecha e inseguridad.
• Caracterización de la Suegra: Se destaca la brevedad y contundencia de su intervención, interpretando su actitud como fría, desconfiada y posiblemente resentida.
• Relación entre los personajes: Se deduce que existe una tensión subyacente entre los personajes, especialmente entre Leonardo y las dos mujeres.

c-Opinión Crítica sobre la obra (1p.)

"Bodas de sangre" es una tragedia rural que explora temas universales como la pasión, el destino, la violencia y la muerte. La obra destaca por su lenguaje poético, su simbolismo y su atmósfera cargada de presagios.

En mi opinión, "Bodas de sangre" es una obra maestra del teatro del siglo XX. Lorca logra crear una atmósfera de tragedia inminente a través del uso magistral del lenguaje poético y simbólico. La obra es una reflexión profunda sobre la fuerza de las pasiones humanas y las consecuencias de desafiar las normas sociales y el destino. Los personajes, atrapados en un ciclo de violencia y represión, se ven arrastrados irremediablemente hacia un final trágico.

La obra, además de su valor literario, tiene una gran fuerza escénica. La combinación de elementos líricos, dramáticos y rituales crea una experiencia teatral intensa y conmovedora. "Bodas de sangre" es una obra que perdura en el tiempo por su capacidad para emocionar y hacer reflexionar al espectador sobre la naturaleza humana y las fuerzas que la gobiernan.

Razonamiento:

• Valoración General: Se expresa una opinión muy positiva sobre la obra, destacando su calidad literaria y su impacto emocional.
• Análisis Temático: Se mencionan los temas principales de la obra (pasión, destino, violencia, muerte) y se destaca el uso del lenguaje poético y el simbolismo para crear una atmósfera trágica.
• Reflexión sobre la obra: Se profundiza en la reflexión que propone la obra sobre las pasiones humanas y las consecuencias de desafiar las normas sociales.
• Fuerza Escénica: Se destaca la potencia escénica de la obra, mencionando la combinación de elementos líricos, dramáticos y rituales.

II-CONTESTE A DOS DE LAS SIGUIENTES CUATRO PREGUNTAS DE DESARROLLO:

a-Explique en qué consistía el Sistema de Stanislavski (2p.)

El Sistema de Stanislavski es un método de actuación desarrollado por el actor y director ruso Konstantín Stanislavski a principios del siglo XX. Se basa en la idea de que el actor debe crear una conexión emocional profunda y auténtica con el personaje que interpreta para lograr una actuación veraz y convincente.

El Sistema se centra en el "realismo psicológico", buscando que el actor experimente las emociones del personaje de forma genuina, aunque controlada. Para ello, Stanislavski propone una serie de técnicas y ejercicios, entre los que destacan:

• Memoria Emotiva: El actor busca en su propia experiencia vital emociones similares a las que experimenta el personaje. Se trata de recordar y revivir esas emociones para utilizarlas en la interpretación. Es importante no forzar la memoria, sino dejar que las emociones surjan de forma natural.
• "Si" Mágico: El actor se pregunta "¿Qué haría yo si estuviera en la situación del personaje?". Esta técnica ayuda al actor a ponerse en la piel del personaje y a comprender sus motivaciones y acciones.
• Unidades y Objetivos: El actor divide la obra en unidades de acción, cada una con un objetivo específico para el personaje. Esto ayuda a clarificar la progresión del personaje y a mantener la coherencia en la interpretación. $Unidad_{n} + Objetivo_{n} \\\\rightarrow Unidad_{n+1} + Objetivo_{n+1}$
• Circunstancias Dadas: El actor analiza el contexto en el que se encuentra el personaje (tiempo, lugar, relaciones, etc.) para comprender mejor su comportamiento. $Contexto = f(Tiempo, Lugar, Relaciones)$
• Trabajo sobre el Texto: El actor estudia el texto en profundidad para comprender las intenciones y subtexto del personaje. No se trata solo de memorizar las líneas, sino de entender el significado profundo de cada palabra y frase.
• Relajación y Concentración: El actor debe estar relajado física y mentalmente para poder concentrarse en el personaje y en la situación. Stanislavski desarrolló ejercicios específicos para trabajar la relajación muscular y la concentración. $Relajación \\\\rightarrow Concentración$

El Sistema de Stanislavski revolucionó el mundo de la interpretación y sigue siendo una referencia fundamental para actores y directores de todo el mundo. Su enfoque en la verdad emocional y la creación de personajes creíbles ha influido en generaciones de intérpretes y ha contribuido a la evolución del teatro hacia un mayor realismo psicológico.

Razonamiento:

• Definición del Sistema: Se describe el Sistema de Stanislavski como un método de actuación basado en el realismo psicológico y la conexión emocional con el personaje.
• Explicación de las técnicas: Se detallan las principales técnicas del Sistema (memoria emotiva, "si" mágico, unidades y objetivos, circunstancias dadas, trabajo sobre el texto, relajación y concentración) con ejemplos claros y precisos.
• Contexto Histórico: Se menciona brevemente el contexto histórico en el que surgió el Sistema y su impacto en el mundo de la interpretación.
• Relevancia Actual: Se destaca la vigencia del Sistema de Stanislavski en la actualidad y su influencia en el teatro moderno.
• Uso de LaTeX: Se utilizan ecuaciones en formato LaTeX para representar conceptos clave del Sistema.

b-Los instrumentos del intérprete: la expresión gestual (2p.)

La expresión gestual es uno de los instrumentos fundamentales del intérprete, junto con la voz y el cuerpo. Se refiere a la comunicación no verbal que se realiza a través de los movimientos corporales, las expresiones faciales y la postura. Es un lenguaje universal que puede transmitir emociones, intenciones y pensamientos de forma clara y efectiva, incluso sin palabras.

En el ámbito de la interpretación, la expresión gestual es una herramienta poderosa para:

• Definir al personaje: Los gestos, la postura y la forma de moverse de un personaje pueden revelar mucho sobre su personalidad, su estado de ánimo y su estatus social. Un personaje tímido puede tener una postura encorvada y evitar el contacto visual, mientras que un personaje seguro de sí mismo puede caminar con paso firme y mantener la cabeza alta. $Personalidad = f(Gestos, Postura)$
• Expresar emociones: Las expresiones faciales son un canal directo para comunicar emociones. Una sonrisa puede expresar alegría, un ceño fruncido puede expresar enfado o preocupación, y una mirada triste puede expresar melancolía. Los gestos de las manos y los brazos también pueden reforzar o matizar las emociones que se transmiten. $Emoción = f(Expresión \\ Facial, Gestos \\ de \\ Manos)$
• Contar una historia: Los gestos pueden utilizarse para narrar una historia o para enfatizar momentos clave de la trama. Un gesto puede representar una acción, un pensamiento o un deseo del personaje. Por ejemplo, un personaje que señala un objeto puede indicar su deseo de poseerlo.
• Crear ritmo y dinámica: La expresión gestual contribuye al ritmo y la dinámica de la interpretación. Los movimientos rápidos y enérgicos pueden crear una sensación de urgencia o excitación, mientras que los movimientos lentos y pausados pueden crear una sensación de calma o solemnidad. $Ritmo = f(Velocidad \\ de \\ Movimientos)$

El dominio de la expresión gestual requiere un entrenamiento específico que permita al actor desarrollar la conciencia corporal, la precisión en los movimientos y la capacidad de expresar emociones de forma auténtica a través del cuerpo. Técnicas como la mímica, la danza y el entrenamiento físico son fundamentales para desarrollar la expresividad gestual.

En definitiva, la expresión gestual es un lenguaje complejo y sutil que permite al actor comunicar de forma no verbal, enriqueciendo la interpretación y creando una conexión más profunda con el público.

Razonamiento:

• Definición de expresión gestual: Se define la expresión gestual como la comunicación no verbal a través de movimientos corporales, expresiones faciales y postura.
• Importancia en la interpretación: Se explica la importancia de la expresión gestual para definir al personaje, expresar emociones, contar una historia y crear ritmo y dinámica.
• Ejemplos concretos: Se proporcionan ejemplos de cómo la expresión gestual puede revelar información sobre el personaje o enfatizar momentos de la trama.
• Entrenamiento: Se menciona la importancia del entrenamiento específico para desarrollar la expresividad gestual.
• Conexión con el público: Se destaca la capacidad de la expresión gestual para crear una conexión más profunda con el público.
• Uso de LaTeX: Se utilizan ecuaciones en formato LaTeX para representar la relación entre los diferentes aspectos de la expresión gestual y su impacto en la interpretación.

III-CONTESTE BREVEMENTE A SEIS DE LAS DOCE PREGUNTAS SIGUIENTES:

1-Diga qué es el escenario de proscenio (0,5p.)

El escenario de proscenio es aquel que tiene una "cuarta pared" imaginaria que separa al público del escenario. El público observa la acción a través de esta pared, como si estuviera mirando a través de una ventana. El proscenio es el marco que rodea esta "ventana", creando una separación física y simbólica entre el espacio escénico y el auditorio.

Razonamiento: Se define el escenario de proscenio en términos de la "cuarta pared" y se explica la función del proscenio como marco que separa el escenario del público.

2-Defina Teatro pobre y diga quién planteó ese tipo de teatro (0,5p.)

El Teatro Pobre es una forma de teatro que se centra en el trabajo del actor y la imaginación del público, minimizando el uso de escenografía, vestuario y otros elementos técnicos. Fue propuesto por el director polaco Jerzy Grotowski, quien abogaba por un teatro esencial y austero que se basara en la relación íntima entre el actor y el espectador.

Razonamiento: Se define el Teatro Pobre como un teatro centrado en el actor y la imaginación, con un uso mínimo de elementos técnicos. Se menciona a Jerzy Grotowski como el creador de este concepto.

3-Cite las cinco categorías de gestos en las que han sido clasificados estos (0,5p.)

Las cinco categorías de gestos son:

1. Emblemas: Gestos con un significado específico y compartido culturalmente (e.g., el pulgar hacia arriba para indicar aprobación).
2. Ilustradores: Gestos que acompañan al habla y enfatizan o ilustran lo que se dice (e.g., mover las manos al describir un objeto).
3. Reguladores: Gestos que controlan el flujo de la conversación (e.g., asentir con la cabeza para indicar que se está escuchando).
4. Adaptadores: Gestos que se realizan de forma inconsciente para manejar emociones o situaciones (e.g., rascarse la cabeza cuando se está nervioso).
5. Muestras de afecto: Gestos que expresan emociones (e.g., un abrazo para mostrar cariño).

Razonamiento: Se enumeran las cinco categorías de gestos (emblemas, ilustradores, reguladores, adaptadores y muestras de afecto) y se proporciona un ejemplo de cada una.

4-¿A qué se llama parrilla o peine? (0,5p.)

La parrilla o peine es la estructura de metal que se encuentra en la parte superior del escenario, sobre el telar. Sirve para sostener los focos, telones, varas de decorado y otros elementos de la escenografía que se cuelgan del techo.

Razonamiento: Se define la parrilla o peine como la estructura metálica que soporta los elementos técnicos en la parte superior del escenario.

5-¿Qué es el teatro musical? (0,5p.)

El teatro musical es un género escénico que combina música, canciones, diálogos hablados y danza para contar una historia. Es una forma de teatro en la que la música y la letra de las canciones son fundamentales para el desarrollo de la trama y la expresión de las emociones de los personajes. $Teatro \\ Musical = Música + Canciones + Diálogos + Danza$

Razonamiento: Se define el teatro musical como la combinación de música, canciones, diálogos y danza para narrar una historia. Se destaca la importancia de la música en el desarrollo de la trama. Se incluye una ecuación en LaTeX para representar los elementos que componen el teatro musical.

6-¿En qué consiste el código proxémico? (0,5p.)

El código proxémico se refiere al uso del espacio en la comunicación interpersonal. Estudia cómo las personas utilizan y perciben el espacio que les rodea, incluyendo la distancia física entre individuos y la organización del espacio en diferentes contextos sociales. En el teatro, el código proxémico se utiliza para establecer relaciones entre los personajes y para comunicar información al público sobre su estatus, sus emociones y sus intenciones. $Proxémica = f(Distancia, Espacio)$

Razonamiento: Se define el código proxémico como el estudio del uso del espacio en la comunicación interpersonal, incluyendo la distancia física y la organización del espacio. Se menciona su aplicación en el teatro para establecer relaciones entre personajes y comunicar información al público. Se incluye una ecuación en LaTeX para representar los factores que influyen en la proxémica.

7-¿Qué sabes de Brecht y del tipo de teatro que él defendió? (0,5p.)

Bertolt Brecht fue un dramaturgo y director alemán del siglo XX, conocido por su teatro épico. Brecht defendía un teatro que, en lugar de buscar la identificación emocional del público con los personajes, buscaba el distanciamiento crítico. Utilizaba técnicas como la narración, la interrupción de la acción y el uso de carteles para romper la ilusión teatral y hacer que el público reflexionara sobre los temas sociales y políticos que se presentaban en la obra. Su objetivo era que el espectador no se dejara llevar por las emociones, sino que analizara críticamente la realidad y se comprometiera con el cambio social.

Razonamiento: Se identifica a Bertolt Brecht como un dramaturgo y director alemán defensor del teatro épico. Se explica que su teatro buscaba el distanciamiento crítico en lugar de la identificación emocional. Se mencionan algunas de sus técnicas y su objetivo de promover la reflexión crítica y el compromiso social.

8-¿Qué función realiza el regidor en la puesta en escena de una obra? (0,5p.)

El regidor es el responsable de coordinar todos los aspectos técnicos y artísticos durante la representación de una obra teatral. Es el enlace entre el director y los equipos técnicos (iluminación, sonido, escenografía, etc.) y se asegura de que todo funcione según lo previsto durante la función. Da las señales para los cambios de luces, sonido, efectos especiales y entrada y salida de actores, garantizando la fluidez y el ritmo del espectáculo.

Razonamiento: Se define al regidor como el coordinador de los aspectos técnicos y artísticos durante la representación. Se describe su función como enlace entre el director y los equipos técnicos, y se menciona su responsabilidad en el control de las señales y el ritmo del espectáculo.

9- ¿En qué consiste la interacción? (0,5p.)

La interacción, en el contexto del teatro, se refiere a la relación recíproca que se establece entre los personajes en escena, o entre los actores y el público. Es el intercambio de acciones, palabras y emociones que se produce durante la representación y que da vida a la obra. La interacción es fundamental para el desarrollo de la trama y la creación de relaciones creíbles entre los personajes.

Razonamiento: Se define la interacción como la relación recíproca entre personajes o entre actores y público. Se destaca su importancia en el desarrollo de la trama y la creación de relaciones.

10-¿Qué es la Biomecánica y quién la propuso como forma de entrenamiento? (0,5p.)

La Biomecánica es un sistema de entrenamiento actoral que se centra en el estudio del movimiento del cuerpo humano como una máquina eficiente. Fue propuesto por el director ruso Vsévolod Meyerhold como una forma de entrenar a los actores para que desarrollaran un control preciso y expresivo de su cuerpo. La Biomecánica utiliza ejercicios físicos rigurosos para mejorar la flexibilidad, la fuerza, la coordinación y el equilibrio del actor, permitiéndole crear movimientos estilizados y simbólicos en escena.

Razonamiento: Se define la Biomecánica como un sistema de entrenamiento actoral centrado en el estudio del movimiento del cuerpo. Se menciona a Vsévolod Meyerhold como su creador y se explica su enfoque en el control preciso y expresivo del cuerpo a través de ejercicios físicos.

11-¿Para qué debe utilizar la estrategia el personaje? (0,5p.)

El personaje debe utilizar la estrategia para alcanzar su objetivo en la obra. La estrategia es el plan de acción que el personaje desarrolla para superar los obstáculos que se le presentan y conseguir lo que desea. Implica la toma de decisiones, la planificación de acciones y la adaptación a las circunstancias cambiantes a lo largo de la trama. $Estrategia = f(Objetivo, Obstáculos)$

Razonamiento: Se explica que la estrategia es el plan de acción del personaje para alcanzar su objetivo. Se menciona que implica la toma de decisiones, la planificación y la adaptación a las circunstancias. Se incluye una ecuación en LaTeX para representar los factores que influyen en la estrategia del personaje.

12-Enumere las cuatro fases por las que pasa el personaje en el proceso de crisis (0,5p.)

Las cuatro fases por las que pasa un personaje en el proceso de crisis son:

1. Equilibrio: El personaje se encuentra en un estado de estabilidad inicial.
2. Desequilibrio: Un evento o conflicto perturba el equilibrio del personaje.
3. Crisis: El personaje se enfrenta a la situación conflictiva y experimenta una lucha interna o externa.
4. Resolución: El personaje resuelve la crisis, alcanzando un nuevo estado de equilibrio, que puede ser mejor o peor que el inicial.

Razonamiento: Se enumeran las cuatro fases del proceso de crisis (equilibrio, desequilibrio, crisis y resolución) y se describe brevemente cada una de ellas.