Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Junio Hª de la Música y la Danza 2023/2024

PARTE1. AUDICIÓN (3 puntos) Elegir una de las dos audiciones.

Audición 1

Característica	Respuesta
Título de la obra	Kyrie, Misa de Notre Dame
Autor	Guillaume de Machaut
Forma musical	Misa (Kyrie)
Género	Vocal, religioso
Textura	Polifónica
Periodo	Medieval (Ars Nova)
Timbre	Voces masculinas (Coro de hombres a capella)

Razonamiento detallado de la Audición 1:

• Título de la obra: Se trata del Kyrie de la Misa de Notre Dame, una obra muy conocida de Guillaume de Machaut, considerada una de las obras maestras de la música medieval. Se reconoce por su estilo polifónico, las complejas combinaciones de voces, y el ritmo.
• Autor: Como se ha mencionado, el autor es Guillaume de Machaut, el compositor más importante del Ars Nova, un estilo que surgió en el siglo XIV en Francia. Su estilo es representativo de este periodo de transición entre la Edad Media y el Renacimiento.
• Forma musical: Se trata de un Kyrie, que es una de las partes de la misa ordinaria en la liturgia cristiana. La estructura del Kyrie es $AAA\\ BBB\\ CCC$ , con cada sección correspondiendo a las invocaciones "Kyrie eleison", "Christe eleison" y "Kyrie eleison".
• Género: Es una obra vocal, ya que el único instrumento son las voces humanas. Además, es de género religioso porque pertenece a la liturgia cristiana, en concreto a la misa.
• Textura: La textura es claramente polifónica. Se pueden distinguir varias líneas melódicas independientes que se entrelazan y se mueven de forma contrapuntística, como se espera de una obra del Ars Nova.
• Periodo: La obra pertenece al periodo medieval, y más concretamente al Ars Nova, como lo indica el estilo polifónico y el uso de técnicas como el hoquetus que eran innovaciones de ese período.
• Timbre: El timbre es vocal masculino. Se puede apreciar un coro de hombres cantando a capella, es decir, sin acompañamiento instrumental.

PARTE 2. DESARROLLO DE UNA PREGUNTA LARGA (4 puntos). Elegir una pregunta.

A. El Canto Gregoriano.

El canto gregoriano es el canto litúrgico oficial de la Iglesia Católica Romana. Se trata de un tipo de monodia, es decir, música a una sola voz, sin armonía ni acompañamiento instrumental, que se canta en latín. Su nombre proviene del Papa Gregorio I (590-604), a quien tradicionalmente se le atribuye su compilación y organización, aunque la realidad histórica es más compleja.

Orígenes y Desarrollo:

El canto gregoriano se desarrolló a partir de una síntesis de tradiciones musicales anteriores, incluyendo el canto sinagogal judío, la música de la antigua Grecia y las prácticas musicales de las primeras comunidades cristianas. A lo largo de los siglos, se fue transmitiendo oralmente, hasta que en el siglo IX se comenzó a utilizar un sistema de notación musical llamado neumas, que indicaban la dirección melódica, pero no la altura precisa de las notas.

Características Musicales:

• Monodia: Como ya se ha mencionado, el canto gregoriano es monódico, es decir, se canta a una sola voz.
• Modalidad: El canto gregoriano se basa en modos, que son escalas con diferentes patrones de intervalos que los modos mayor y menor que se desarrollaron posteriormente. Los modos gregorianos más comunes son el dórico, el frigio, el lidio y el mixolidio.
• Ritmo libre: El ritmo del canto gregoriano no está medido por un compás, sino que sigue el flujo natural del texto litúrgico. Se trata de un ritmo flexible que se adapta a la prosodia del latín.
• Texto en latín: El canto gregoriano se canta en latín, la lengua oficial de la Iglesia Católica en la Edad Media.
• Melodía silábica, neumática y melismática: El canto gregoriano puede ser silábico (una nota por sílaba), neumático (dos o tres notas por sílaba) o melismático (muchas notas por sílaba).
• Ámbito melódico: El ámbito melódico del canto gregoriano suele ser relativamente estrecho, y las melodías se mueven por grados conjuntos, aunque a veces pueden incluir saltos.

Formas:

Las principales formas del canto gregoriano son:

• Recitativos: Son formas simples que se utilizan para cantar salmos y otras oraciones.
• Antífonas: Son piezas que se cantan antes y después de los salmos.
• Responsorios: Son piezas que se cantan en respuesta a una lectura.
• Himnos: Son cantos de alabanza a Dios o a los santos.
• Secuencias: Son piezas que se cantan después del Aleluya en la misa.
• Tractos: Son piezas que se cantan en lugar del Aleluya en tiempos penitenciales.
• Piezas de la Misa: El canto gregoriano incluye también las piezas del Ordinario de la Misa (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) y del Propio de la Misa (Introito, Gradual, Aleluya, Ofertorio, Comunión).

Importancia:

El canto gregoriano es una de las bases de la música occidental. Su influencia se puede rastrear en la música medieval, renacentista y barroca. Además, su belleza y espiritualidad lo convierten en una forma de arte atemporal que sigue siendo apreciado en la actualidad.

PARTE 3. PREGUNTAS BREVES. ELIGE TRES DE ELLAS (3 puntos).

A. Define neuma.

Un neuma es un signo gráfico utilizado en la notación musical medieval para representar uno o varios sonidos. Los neumas se desarrollaron a partir del siglo IX como una forma de ayudar a los cantores a recordar las melodías del canto gregoriano, que hasta entonces se habían transmitido oralmente. Los primeros neumas, llamados "neumas en campo abierto", no indicaban la altura precisa de las notas, sino solo la dirección melódica (ascendente, descendente o repetida). Se escribían sobre el texto litúrgico y servían como una guía mnemotécnica.

Posteriormente, se desarrollaron los "neumas diastemáticos", que sí indicaban la altura relativa de las notas mediante el uso de líneas horizontales. Estos neumas permitieron una mayor precisión en la escritura y la interpretación del canto gregoriano. Los neumas fueron el sistema de notación musical más utilizado en Europa occidental hasta el siglo XII, cuando fueron gradualmente reemplazados por la notación cuadrada, que es la precursora de la notación musical moderna.

Por ejemplo, el neuma llamado punctum (•) representaba una nota simple, mientras que el virga (/) representaba una nota más alta. Un podatus (

) indicaba dos notas, la primera más baja que la segunda.

B. Define villancico renacentista.

El villancico renacentista es una forma musical profana originaria de España que alcanzó su máximo esplendor durante el Renacimiento, especialmente en el siglo XVI. A diferencia del villancico actual, que se asocia con la Navidad, el villancico renacentista podía tratar una variedad de temas, como el amor, la naturaleza, la sátira o la religión.

Características:

• Forma: El villancico renacentista suele tener una estructura estrófica, con una estrofa inicial llamada "estribillo" que se repite después de cada una de las estrofas, llamadas "coplas". La estructura musical típica es $ABBA$, donde A representa el estribillo y B las coplas.
• Texto: Los textos de los villancicos renacentistas suelen estar escritos en castellano y a menudo tienen un carácter popular o folclórico.
• Música: La música de los villancicos renacentistas es generalmente homofónica, es decir, con una melodía principal acompañada por otras voces que se mueven en acordes. El ritmo suele ser vivo y alegre, y a menudo se utilizan instrumentos como la vihuela, la guitarra o la flauta.

Compositores:

Algunos de los compositores más importantes de villancicos renacentistas son Juan del Encina, Mateo Flecha el Viejo y Francisco Guerrero.

Ejemplo:

Un ejemplo famoso de villancico renacentista es "Riu, riu, chiu" de autor anónimo, que se ha convertido en un villancico navideño popular en la actualidad.

E. Define dodecafonismo.

El dodecafonismo es una técnica de composición musical desarrollada por el compositor austríaco Arnold Schoenberg a principios del siglo XX. Se trata de un método de composición atonal que utiliza una serie de doce notas, en la que todas las notas de la escala cromática tienen la misma importancia.

Principios:

• Serie dodecafónica: La base del dodecafonismo es una serie dodecafónica, que es una ordenación específica de las doce notas de la escala cromática. La serie puede ser elegida libremente por el compositor, pero una vez que se ha elegido, debe ser utilizada de forma consistente a lo largo de la obra. En una serie dodecafónica, ninguna nota debe repetirse antes de que las otras once hayan sonado. Por ejemplo:

Do, Sol#, La, Si, Fa#, Re, Mib, Do#, La#, Sol, Fa, Mi

• Transformaciones de la serie: La serie dodecafónica puede ser transformada de varias maneras, como la inversión (invertir el orden de los intervalos), la retrogradación (tocar la serie al revés) y la transposición (cambiar la altura de la serie). Por ejemplo, si invertimos la serie anterior sería:

Do, Mib, Re, Do#, Fa, Sol, Fa#, Re#, Mi, La, Sib, Sol#

• Atonalidad: El dodecafonismo es un sistema atonal, lo que significa que no se basa en una tonalidad central. Todas las notas tienen la misma importancia, y no hay una jerarquía entre ellas como en la música tonal, por ejemplo la jerarquía entre la tónica y la dominante en la música tonal clásica.

Objetivos:

El objetivo del dodecafonismo era crear un nuevo lenguaje musical que no estuviera sujeto a las reglas de la tonalidad tradicional. Schoenberg consideraba que la tonalidad se había agotado y que era necesario encontrar un nuevo sistema para organizar los sonidos.

Importancia:

El dodecafonismo tuvo una gran influencia en la música del siglo XX. Muchos compositores adoptaron esta técnica, como Alban Berg y Anton Webern, que fueron alumnos de Schoenberg y junto a él conforman la Segunda Escuela de Viena. Otros compositores, como Igor Stravinsky y Béla Bartók, se vieron influenciados por el dodecafonismo aunque no lo utilizaron de forma estricta.

Ejemplo:

Un ejemplo de obra dodecafónica es el "Concierto para violín" de Alban Berg.