Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Historia del Arte 2021/2022

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Yacente.

b) Representación escultórica tendida

Razonamiento: La palabra "yacente" proviene del latín "iacēns", que significa "que yace" o "que está tendido". En el contexto de la escultura, se utiliza para describir una figura que se representa en posición horizontal, generalmente descansando o fallecida. Las otras opciones son incorrectas: "a) Representación escultórica de pie" se refiere a una escultura en posición vertical, mientras que "c) Representación escultórica orante" describe una figura en actitud de oración, que puede estar de pie, arrodillada o incluso sentada.

2. El Foro era una plaza pública. Pertenece al....

b) Arte romano

Razonamiento: El Foro Romano era el centro de la vida pública, política, religiosa y comercial de la antigua Roma. Era una plaza abierta rodeada de importantes edificios gubernamentales y templos. Si bien los griegos tenían un espacio similar llamado ágora, el término "Foro" es específico de la arquitectura y urbanismo romanos. Por lo tanto, la opción "a) Arte griego" es incorrecta. La opción "c) Arte románico" se refiere a un estilo artístico medieval posterior, que no tiene relación directa con el Foro Romano.

3. Denominación del que paga o dona la obra de arte. Puede aparecer retratado en la misma obra, en actitud orante.

c) Donante

Razonamiento: La descripción se ajusta perfectamente a la definición de "donante". Un donante es una persona que ofrece algo, en este caso, una obra de arte, generalmente a una institución religiosa o a un particular. En el arte, especialmente en el religioso de la Edad Media y el Renacimiento, era común que el donante fuera retratado dentro de la obra como muestra de devoción y para dejar constancia de su contribución. La opción "a) Cliente" podría referirse a alguien que encarga una obra, pero no necesariamente implica una donación. La opción "b) Mecenas" se refiere a un protector de las artes, alguien que patrocina y financia a artistas, pero no siempre aparece retratado en las obras que financia, y su actitud no tiene por qué ser orante.

4. Tratamiento pictórico de las carnes en las representaciones humanas escultóricas hechas en madera.

b) Carnación

Razonamiento: La "carnación" es la técnica pictórica que se utiliza para representar el color y la textura de la piel humana en la pintura y en la escultura policromada, especialmente en la imaginería religiosa de madera. La opción "a) Sfumato" es una técnica pictórica renacentista que se utiliza para difuminar los contornos y crear una atmósfera suave y vaporosa, y se aplica principalmente en pintura, no en escultura. La opción "c) Escorzo" se refiere a la representación de una figura en una posición oblicua o en escorzo, es decir, acortada según las reglas de la perspectiva, y no está relacionada con el tratamiento del color de la piel.

5. En el Romanticismo se exaltan….

b) Las pasiones y sentimientos, incluidos los nacionalistas

Razonamiento: El Romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se originó a finales del siglo XVIII y alcanzó su apogeo en la primera mitad del siglo XIX. Se caracterizó por la exaltación de la emoción, la subjetividad, la individualidad y la libertad. Los artistas románticos buscaron expresar sus sentimientos más profundos, incluyendo el amor, la pasión, el dolor, la melancolía y el anhelo de lo infinito. Además, el Romanticismo estuvo estrechamente ligado al surgimiento de los nacionalismos, ya que se valoraba la identidad cultural y las tradiciones propias de cada pueblo. La opción "a) El mundo de los sueños y la irracionalidad" es más propia del Surrealismo, un movimiento posterior. La opción "c) Los temas cotidianos y la crítica social" es característica del Realismo, un movimiento que se opuso al Romanticismo.

6. Escuela-taller fundada por W. Gropius en Weimar.

b) Bauhaus

Razonamiento: La Bauhaus fue una escuela de arte, diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en Weimar, Alemania, en 1919. La escuela se convirtió en un referente del diseño moderno, promoviendo la idea de la "obra de arte total" (Gesamtkunstwerk) en la que se integraban todas las artes y oficios. La Bauhaus buscaba unir la creatividad artística con la producción industrial, creando objetos funcionales y estéticamente agradables. La opción "a) Organicismo" es una corriente arquitectónica que se inspira en las formas de la naturaleza. La opción "c) Pop-Art" es un movimiento artístico posterior que surgió en la década de 1950 y se caracteriza por el uso de imágenes de la cultura popular y de consumo.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTA PARA DESARROLLAR.

2. La escultura renacentista: Donatello y Miguel Ángel.

Durante el Renacimiento, la escultura experimentó un renacer inspirado en los modelos clásicos de la antigua Grecia y Roma. Se recuperó el interés por la representación naturalista del cuerpo humano, el estudio de la anatomía, el equilibrio y la armonía en las composiciones, y la búsqueda de la belleza ideal. Dos de los escultores más destacados de este periodo fueron Donatello y Miguel Ángel.

Donatello (1386-1466):

Donatello fue uno de los pioneros de la escultura renacentista y uno de los artistas más innovadores de su tiempo. Su obra se caracteriza por su realismo, su expresividad y su dominio de la técnica. Algunas de sus obras más destacadas son:

• David (bronce, c. 1440): Esta escultura representa al héroe bíblico David después de haber derrotado a Goliat. Es la primera escultura de bulto redondo desnuda fundida en bronce desde la antigüedad clásica. Destaca por su elegancia, su sensualidad y su delicado "contrapposto", que le da un sutil movimiento a la figura. $x^2 + y^2 = r^2$
• San Jorge (mármol, c. 1415-1417): Esta escultura, realizada para la iglesia de Orsanmichele en Florencia, representa al santo patrón de los armeros en una postura firme y segura. Donatello utilizó la técnica del "stiacciato", un relieve muy plano que crea una ilusión de profundidad y perspectiva.
• Gattamelata (bronce, 1447-1453): Este monumento ecuestre, situado en Padua, es uno de los primeros de su tipo desde la antigüedad. Representa al condotiero Erasmo de Narni, conocido como Gattamelata, en una pose majestuosa y serena. La escultura destaca por su realismo, su detalle anatómico y la expresión de poder y autoridad del jinete.

Miguel Ángel (1475-1564):

Miguel Ángel Buonarroti fue uno de los artistas más importantes del Renacimiento italiano. Destacó como escultor, pintor, arquitecto y poeta. Su obra escultórica se caracteriza por su monumentalidad, su fuerza expresiva, su perfección anatómica y su "terribilitá", un término que se refiere a la intensidad emocional y la grandeza de sus figuras. Algunas de sus obras más destacadas son:

• Piedad del Vaticano (mármol, 1498-1499): Esta escultura representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo de Cristo muerto en su regazo. Es una obra de gran belleza y emotividad, que destaca por la delicadeza del modelado, la expresión de dolor sereno de la Virgen y la anatomía perfecta del cuerpo de Cristo.
• David (mármol, 1501-1504): Esta colosal escultura, de más de cinco metros de altura, representa al héroe bíblico David en el momento previo a enfrentarse a Goliat. Es una obra maestra de la anatomía y la proporción, que transmite una gran tensión contenida y una gran fuerza interior. El "contrapposto" acentuado y la mirada desafiante de David expresan su determinación y su coraje. $F = G \\\\frac{m\\_1 m\\_2}{r^2}$
• Moisés (mármol, 1513-1515): Esta imponente escultura, originalmente concebida para el mausoleo del Papa Julio II, representa a Moisés con las Tablas de la Ley. La figura de Moisés transmite una gran fuerza física y espiritual, con una mirada intensa y una barba que parece moverse con el viento. La "terribilitá" de Miguel Ángel se manifiesta en la tensión muscular y la expresión poderosa del profeta.

Conclusión:

Donatello y Miguel Ángel fueron dos figuras clave en el desarrollo de la escultura renacentista. Ambos se inspiraron en los modelos clásicos, pero cada uno aportó su propio estilo y visión personal. Donatello fue un maestro del realismo y la expresividad, mientras que Miguel Ángel se destacó por su monumentalidad, su fuerza y su "terribilitá". Sus obras maestras siguen siendo admiradas hoy en día por su belleza, su perfección técnica y su profunda carga emocional.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1

Análisis formal:

• Título: Guernica
• Autor: Pablo Picasso
• Cronología: 1937
• Estilo: Cubismo
• Técnica: Óleo sobre lienzo
• Dimensiones: 349,3 cm × 776,6 cm
• Localización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo de grandes dimensiones. La composición se organiza en torno a una serie de figuras fragmentadas y distorsionadas, dispuestas en un espacio plano y sin profundidad. Predominan las líneas rectas y angulosas, que crean una sensación de dinamismo y violencia. La paleta de colores se reduce a una gama de grises, blancos y negros, lo que contribuye a crear una atmósfera sombría y dramática. $E = mc^2$

La luz es irreal y artificial, procede de varios focos, como la bombilla en la parte superior y el quinqué que sostiene la mujer que se asoma por la ventana, creando contrastes de luces y sombras que intensifican el dramatismo. No hay perspectiva tradicional, las figuras se superponen y se fragmentan, creando una sensación de caos y confusión.

Análisis iconográfico:

El cuadro representa los horrores del bombardeo de la ciudad vasca de Guernica por parte de la aviación alemana durante la Guerra Civil Española. Entre las figuras, se pueden identificar un toro, un caballo agonizante, una madre con su hijo muerto en brazos, un guerrero desmembrado, una mujer con un quinqué y otras figuras que expresan dolor, sufrimiento y desesperación.

El toro, situado a la izquierda, podría simbolizar la brutalidad y la violencia de la guerra, o la España oprimida. El caballo, en el centro, representa el sufrimiento del pueblo. La madre con su hijo muerto es una imagen universal del dolor y la pérdida. El guerrero caído en la parte inferior simboliza la derrota y la muerte. La mujer con el quinqué, que se asoma por la ventana, podría ser una alegoría de la esperanza o de la conciencia que ilumina la tragedia.

Las figuras con los brazos en alto en ambos extremos de la composición intensifican la sensación de angustia y desesperación. La bombilla en la parte superior puede ser una metáfora del ojo que todo lo ve, un testigo de la barbarie, pero también podría aludir a la bomba que desencadenó la tragedia.

Análisis estilístico:

La obra se enmarca dentro del estilo cubista, un movimiento artístico que Picasso cofundó junto a Georges Braque a principios del siglo XX. El cubismo se caracteriza por la descomposición de la realidad en formas geométricas, la representación simultánea de diferentes puntos de vista y la renuncia a la perspectiva tradicional.

En Guernica, Picasso utiliza los recursos del cubismo para expresar el horror y la violencia del bombardeo. La fragmentación de las figuras, la distorsión de las formas, la ausencia de perspectiva y la paleta de colores reducida contribuyen a crear una imagen impactante y conmovedora.

Contexto histórico y artístico:

El Guernica fue encargado a Picasso por el gobierno de la República Española para ser exhibido en el Pabellón Español de la Exposición Internacional de París de 1937. El objetivo era denunciar los horrores de la Guerra Civil Española y sensibilizar a la opinión pública internacional sobre la causa republicana.

La obra se convirtió en un símbolo universal contra la guerra y la violencia, y en un icono del arte del siglo XX. Tras la Exposición de París, el Guernica viajó por diferentes países antes de ser depositado en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) por expreso deseo de Picasso, quien estableció que el cuadro no debía regresar a España hasta que se restableciera la democracia. Finalmente, en 1981, el Guernica llegó a España y se instaló en el Museo del Prado, para luego ser trasladado al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, donde se encuentra actualmente.

Conclusión:

El Guernica es una obra maestra del arte del siglo XX y un alegato contra la guerra y la violencia. Picasso utilizó los recursos del cubismo para crear una imagen impactante y conmovedora que denuncia los horrores del bombardeo de Guernica y, por extensión, de todas las guerras. La obra se ha convertido en un símbolo universal de la paz y en un testimonio del poder del arte para conmover y generar conciencia.