PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Escultura aislada, y por tanto visible en todo su contorno.

Respuesta correcta: b) Bulto redondo

Razonamiento: La escultura de bulto redondo, también conocida como exenta, es aquella que se puede observar desde cualquier punto de vista a su alrededor, ya que no está adherida a ninguna pared o superficie. Se diferencia del relieve, que es una escultura que sobresale de un plano y solo se puede apreciar desde un ángulo frontal o semifrontal. Por lo tanto, la opción a) es incorrecta y la c) también ya que la b) es correcta pero la a) no.

2. Género pictórico que representa objetos inanimados.

Respuesta correcta: b) Bodegón

Razonamiento: El bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es un género pictórico que se centra en la representación de objetos inanimados como frutas, flores, utensilios, etc. El fresco es una técnica pictórica y el óleo es un tipo de pintura, así que las opciones a) y c) no definen un género pictórico.

3. Muro que presenta los sillares con las juntas en bisel.

Respuesta correcta: b) Almohadillado

Razonamiento: El almohadillado es un tipo de aparejo en el que los sillares, que son las piedras labradas que componen el muro, se disponen con las juntas en bisel, es decir, con un corte en ángulo. Esto crea un efecto de relieve y sombra que da al muro un aspecto rústico y robusto. La mampostería se refiere a un muro construido con piedras irregulares sin labrar, y el aparejo isódomo es aquel en el que los sillares son de igual tamaño y forma, por lo que las respuestas a) y c) son incorrectas.

4. Dosel de cuatro columnas que cubre una tumba.

Respuesta correcta: b) Baldaquino

Razonamiento: Un baldaquino es una estructura arquitectónica en forma de dosel que se sostiene por cuatro columnas y que cubre un altar, una tumba u otro elemento importante. El arcosolio es un nicho con forma de arco utilizado para enterramientos en las catacumbas, y el arquitrabe es la parte inferior de un entablamento que se apoya directamente sobre las columnas. Por lo tanto, las respuestas a) y c) son incorrectas.

5. El Modernismo:

Respuesta correcta: b) Estilo arquitectónico de finales del s. XIX y principios del XX

Razonamiento: El Modernismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que se desarrolló a finales del siglo XIX y principios del XX. Se caracteriza por la búsqueda de la originalidad, la inspiración en la naturaleza, el uso de líneas curvas y asimétricas, y la integración de las artes decorativas en la arquitectura. Las opciones a) y c) son incorrectas porque el modernismo se desarrolló a finales del s. XIX y principios del XX y no en el s. XVIII ni en los años 60.

6. Escuela-taller fundada por W. Gropius en Weimar.

Respuesta correcta: b) Bauhaus

Razonamiento: La Bauhaus fue una escuela de arte, diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en Weimar, Alemania, en 1919. La escuela se convirtió en un referente del diseño moderno y tuvo una gran influencia en la arquitectura, el diseño industrial, las artes gráficas y la pedagogía artística. El Organicismo es un estilo arquitectónico que busca la integración con el entorno natural, y el Pop-Art es un movimiento artístico que se caracteriza por el uso de imágenes de la cultura popular, por lo que las opciones a) y c) son incorrectas.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTA PARA DESARROLLAR.

1. Características generales de la arquitectura románica.

Razonamiento: La arquitectura románica, desarrollada en Europa entre los siglos XI y XII, se caracteriza por su solidez y monumentalidad. Es un estilo que se forjó en un contexto de la sociedad feudal y de la creciente importancia de la Iglesia. Las iglesias románicas suelen ser de planta de cruz latina, con una o tres naves, crucero y cabecera con ábsides. Los elementos constructivos más característicos son:

• Muros gruesos y robustos: construidos con sillares de piedra bien labrados, que proporcionan una gran estabilidad al edificio.
• Contrafuertes: elementos verticales adosados a los muros para reforzar su resistencia y contrarrestar los empujes de las bóvedas.
• Arcos de medio punto: arcos semicirculares utilizados en puertas, ventanas y como elemento estructural en las naves.
• Bóveda de cañón: cubierta semicilíndrica que se utiliza para cubrir las naves.
• Bóveda de arista: cubierta formada por la intersección de dos bóvedas de cañón, utilizada en el crucero.
• Cimborrio: torre de planta cuadrada u octogonal que se eleva sobre el crucero y que permite la entrada de luz al interior del edificio.
• Escasa decoración escultórica: la decoración se concentra en los capiteles de las columnas, los tímpanos de las portadas y algunos frisos. Las esculturas suelen ser de carácter simbólico y didáctico, con escenas religiosas y figuras de monstruos y animales fantásticos.

Ejemplos de arquitectura románica:

• Catedral de Santiago de Compostela: es uno de los ejemplos más importantes del románico español, y un importante centro de peregrinación.
• Iglesia de San Martín de Frómista: es un ejemplo de iglesia románica de planta de cruz latina con tres naves, crucero y tres ábsides.
• Catedral de Pisa: destaca por su famoso campanario inclinado, la Torre de Pisa.

En resumen, la arquitectura románica se caracteriza por su solidez, la utilización de arcos de medio punto, bóvedas de cañón y de arista, y una decoración escultórica sobria y simbólica.

2. La escultura barroca: Bernini.

Razonamiento: La escultura barroca se desarrolla en Europa durante el siglo XVII y parte del XVIII, como una expresión artística del poder de la Iglesia Católica y de las monarquías absolutas. Se caracteriza por su dinamismo, dramatismo, realismo y expresividad. Los escultores barrocos buscaban representar el movimiento, las emociones y la teatralidad, utilizando composiciones complejas, escorzos y contrastes de luces y sombras.

Gian Lorenzo Bernini (1598-1680) fue el escultor más importante del Barroco italiano y uno de los artistas más influyentes de su época. Su obra se caracteriza por su virtuosismo técnico, su capacidad para captar el movimiento y la emoción, y su sentido escenográfico. Bernini trabajó principalmente en Roma, donde realizó numerosas esculturas para papas y cardenales.

Obras más importantes de Bernini:

• Éxtasis de Santa Teresa ($1647-1652$): es una de las obras más famosas de Bernini. Representa a la santa española en un momento de éxtasis místico, con un ángel que le atraviesa el corazón con una flecha dorada. La escultura destaca por su dramatismo, su expresividad y el virtuoso tratamiento del mármol, que parece transformarse en tela y carne. Se encuentra en la Capilla Cornaro de la iglesia de Santa Maria della Vittoria en Roma.
• David ($1623-1624$): a diferencia del David de Miguel Ángel, que representa al héroe bíblico en un momento de reposo y concentración, el David de Bernini lo muestra en plena acción, en el momento de lanzar la piedra que matará a Goliat. La escultura destaca por su dinamismo, su tensión muscular y la expresión de esfuerzo en el rostro de David. Se encuentra en la Galería Borghese en Roma.
• Apolo y Dafne ($1622-1625$): representa el mito de Apolo persiguiendo a la ninfa Dafne, que se transforma en un árbol de laurel para escapar de él. La escultura es un ejemplo del virtuosismo técnico de Bernini, que logra captar el movimiento y la transformación de Dafne en un árbol con gran realismo y delicadeza. Se encuentra en la Galería Borghese en Roma.
• Baldaquino de San Pedro ($1624-1633$): es un enorme baldaquino de bronce dorado que se encuentra sobre el altar mayor de la Basílica de San Pedro en el Vaticano. La estructura, sostenida por cuatro columnas salomónicas, es un ejemplo de la grandiosidad y el sentido escenográfico de la arquitectura barroca.
• Columnata de la Plaza de San Pedro ($1656-1667$): es una columnata elíptica que rodea la Plaza de San Pedro en el Vaticano. La columnata, formada por 284 columnas dóricas y 88 pilastras, crea un efecto escenográfico que abraza a los fieles y los conduce hacia la basílica.

En resumen, Bernini fue un escultor genial que dominó la técnica del mármol y que supo captar el movimiento, la emoción y la teatralidad en sus obras. Su estilo influyó en numerosos escultores barrocos y su legado artístico sigue siendo admirado en la actualidad.

3. Goya.

Razonamiento: Francisco de Goya y Lucientes ($1746-1828$) fue un pintor y grabador español, considerado uno de los artistas más importantes de la historia del arte. Su obra abarca una gran variedad de géneros, desde el retrato hasta la pintura religiosa, pasando por la pintura de historia, las escenas costumbristas y las series de grabados. Goya es un artista de transición entre el Rococó y el Romanticismo, y su obra refleja los cambios sociales y políticos de su tiempo.

Etapas de la obra de Goya:

• Primera etapa ($1771-1792$): Goya se formó como pintor en Zaragoza y Madrid, y en 1771 viajó a Italia para estudiar a los maestros del Renacimiento y el Barroco. En esta etapa, Goya se dedicó principalmente a la pintura religiosa y a la realización de cartones para tapices para la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara. Sus obras de esta época se caracterizan por su estilo rococó, con colores claros, pinceladas sueltas y composiciones elegantes. Ejemplos: El quitasol ($1777$), La gallina ciega ($1788$).
• Segunda etapa ($1792-1808$): en 1792, Goya sufrió una grave enfermedad que le dejó sordo. A partir de este momento, su obra se volvió más personal e introspectiva. Goya se convirtió en pintor de cámara del rey Carlos IV y realizó numerosos retratos de la familia real y de la aristocracia española. También comenzó a trabajar en series de grabados como Los Caprichos ($1799$), en los que critica los vicios y las supersticiones de la sociedad española. Ejemplos: La familia de Carlos IV ($1800$), La maja desnuda ($1797-1800$).
• Tercera etapa ($1808-1819$): esta etapa está marcada por la Guerra de la Independencia española ($1808-1814$). Goya plasmó los horrores de la guerra en la serie de grabados Los Desastres de la Guerra ($1810-1815$) y en pinturas como El dos de mayo de 1808 en Madrid ($1814$) y El tres de mayo de 1808 en Madrid ($1814$). En esta época, Goya también pintó obras de carácter más íntimo y reflexivo, como las Pinturas Negras ($1819-1823$).
• Cuarta etapa ($1819-1828$): Goya se exilió a Burdeos, Francia, en 1824, huyendo del absolutismo de Fernando VII. En esta etapa, Goya continuó pintando y grabando, y su obra se volvió más libre y experimental. Ejemplos: La lechera de Burdeos ($1825-1827$), Los Disparates ($1815-1823$).

Características de la obra de Goya:

• Realismo: Goya representó la realidad con gran crudeza y sin idealizarla.
• Expresionismo: Goya fue un maestro en la representación de las emociones y los sentimientos humanos.
• Crítica social: Goya criticó los vicios, las injusticias y las supersticiones de la sociedad española de su tiempo.
• Originalidad: Goya fue un artista innovador que experimentó con nuevas técnicas y estilos.

En resumen, Goya fue un artista genial que supo captar la esencia de su tiempo y que dejó una obra de gran valor artístico e histórico. Su influencia en el arte posterior ha sido enorme, y su obra sigue siendo admirada y estudiada en la actualidad.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig.1

Identificación: La obra representada en la Fig. 1 es el Coliseo o Anfiteatro Flavio, un anfiteatro romano construido en el siglo I d.C. en Roma, Italia.

Análisis formal:

• Tipo de obra: Arquitectura (anfiteatro).
• Materiales: Originalmente, la estructura principal era de hormigón, ladrillo y bloques de travertino. El exterior estaba revestido de mármol, y se utilizaba madera en las gradas superiores y en la arena.
• Dimensiones: El Coliseo tiene una planta elíptica de $188$ metros de eje mayor y $156$ metros de eje menor. La altura original era de unos $50$ metros.
• Estructura: El Coliseo se compone de cuatro pisos. Los tres primeros están formados por arcadas de medio punto enmarcadas por semicolumnas adosadas de los órdenes toscano, jónico y corintio, respectivamente. El cuarto piso es un ático macizo con pequeñas ventanas y lesenas corintias. La fachada exterior está dividida en cuatro niveles, lo que refleja la estructura interna del edificio.
• Elementos arquitectónicos: Arcos de medio punto, bóvedas de cañón y de arista, columnas adosadas, pilastras, entablamentos, gradas, vomitorios (accesos a las gradas).
• Espacio: El Coliseo está diseñado para albergar a un gran número de espectadores (se estima que entre 50,000 y 70,000). La arena central, de forma elíptica, era el lugar donde se desarrollaban los espectáculos. Alrededor de la arena se disponían las gradas, divididas en diferentes sectores según la clase social de los espectadores.

Análisis iconográfico:

• Función: El Coliseo era un lugar de entretenimiento público donde se celebraban espectáculos de gladiadores, luchas de animales, ejecuciones y otros eventos. Era un símbolo del poder y la grandeza de Roma, y un lugar donde el emperador y el pueblo se reunían.
• Simbolismo: El Coliseo representa la ingeniería y la arquitectura romanas en su máxima expresión. Su diseño funcional y su monumentalidad reflejan la importancia que los romanos daban al ocio y al entretenimiento público.

Contexto histórico:

• Época: El Coliseo fue construido durante la dinastía Flavia, entre los años 70 y 80 d.C. El emperador Vespasiano inició su construcción, y su hijo Tito lo inauguró en el año 80 d.C. con cien días de juegos.
• Estilo: Arquitectura romana imperial.
• Influencias: El Coliseo se inspira en los teatros griegos, pero introduce la planta elíptica y la superposición de pisos con arcadas, que se convertirán en características de los anfiteatros romanos.
• Relevancia: El Coliseo es uno de los monumentos más emblemáticos de la Antigua Roma y un símbolo de la ciudad de Roma. Es un testimonio de la capacidad técnica y la monumentalidad de la arquitectura romana, y un ejemplo de la importancia que los espectáculos públicos tenían en la sociedad romana. Hoy en día, es una de las atracciones turísticas más visitadas de Italia y ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

En resumen, el Coliseo es una obra maestra de la arquitectura romana, un símbolo del poder y la grandeza de Roma, y un testimonio de la importancia del entretenimiento público en la sociedad romana.

Fig.2

Identificación: La obra representada en la Fig. 2 es David, una escultura renacentista realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre $1501$ y $1504$.

Análisis formal:

• Tipo de obra: Escultura exenta o de bulto redondo.
• Material: Mármol blanco de Carrara.
• Dimensiones: $5.17$ metros de altura.
• Técnica: Talla directa sobre mármol.
• Composición: La figura de David se presenta en una postura de reposo, con el peso del cuerpo apoyado en la pierna derecha (contrapposto). La cabeza está girada hacia la izquierda, y la mirada se dirige hacia un punto lejano. El brazo derecho cae a lo largo del cuerpo, mientras que el brazo izquierdo está flexionado y sostiene una honda sobre el hombro.
• Formas: Miguel Ángel representa a David como un joven de anatomía perfecta, con músculos definidos y una gran belleza física. El cuerpo está desnudo, lo que permite apreciar la maestría del artista en el tratamiento de la anatomía humana.
• Luz y textura: La superficie del mármol está pulida, lo que crea un efecto de suavidad y luminosidad. La luz se desliza por el cuerpo de David, resaltando los volúmenes y las formas.

Análisis iconográfico:

• Tema: David es un personaje bíblico del Antiguo Testamento. Era un joven pastor que se convirtió en rey de Israel. El episodio más famoso de su vida es su victoria sobre el gigante Goliat, al que derrotó con una honda y una piedra.
• Simbolismo: David representa la fuerza, el valor y la inteligencia. Su victoria sobre Goliat simboliza el triunfo del bien sobre el mal, de la virtud sobre la fuerza bruta. En el contexto del Renacimiento, David también se convirtió en un símbolo de la República de Florencia, que se veía a sí misma como una pequeña pero poderosa ciudad-estado que luchaba contra enemigos más poderosos.
• Iconografía: Miguel Ángel representa a David en un momento de reposo y concentración, antes de enfrentarse a Goliat. La honda y la piedra son los únicos atributos que identifican al personaje. La desnudez de David se interpreta como un símbolo de su pureza y su confianza en Dios.

Contexto histórico:

• Época: Renacimiento italiano (Cinquecento).
• Estilo: Renacimiento clásico.
• Influencias: Miguel Ángel se inspiró en la escultura clásica griega y romana, especialmente en las obras de Praxíteles y en el Doríforo de Policleto. También se inspiró en el arte de Donatello, un escultor del Quattrocento que había representado a David en dos ocasiones.
• Relevancia: El David de Miguel Ángel es una de las esculturas más famosas del mundo y una obra maestra del Renacimiento. Es un símbolo de la ciudad de Florencia y un ejemplo de la perfección técnica y la belleza idealizada que caracterizan al arte renacentista. La obra tuvo un gran impacto en la época, ya que se consideró una superación de los modelos clásicos y un ejemplo del genio de Miguel Ángel.

En resumen, el David de Miguel Ángel es una escultura icónica del Renacimiento, una obra maestra que combina la perfección técnica, la belleza idealizada y un profundo simbolismo.

Fig.3

Identificación: La obra representada en la Fig. 3 es Baile en el Moulin de la Galette (Le Bal au Moulin de la Galette), una pintura impresionista realizada por Pierre-Auguste Renoir en $1876$.

Análisis formal:

• Tipo de obra: Pintura.
• Técnica: Óleo sobre lienzo.
• Dimensiones: $131$ cm × $175$ cm.
• Composición: La pintura representa una escena de baile al aire libre en el Moulin de la Galette, un molino de viento situado en el barrio de Montmartre en París. La composición es dinámica y está llena de movimiento. Hay una multitud de figuras que bailan, conversan y disfrutan de la tarde. La perspectiva es ligeramente elevada, lo que permite al espectador tener una visión general de la escena.
• Color: Renoir utiliza una paleta de colores vivos y luminosos, con predominio de los tonos cálidos (amarillos, naranjas, rosas) y los tonos fríos (azules, verdes). Los colores se aplican con pinceladas sueltas y vibrantes, que captan la luz y la atmósfera del momento.
• Luz: La luz es un elemento fundamental en la pintura impresionista. Renoir representa los efectos de la luz del sol filtrándose a través de las hojas de los árboles, creando un juego de luces y sombras sobre las figuras y el entorno. La luz del sol crea manchas de color que se mezclan en la retina del espectador, creando una sensación de vibración y movimiento.
• Pincelada: La pincelada de Renoir es suelta, rápida y visible. Las pinceladas se yuxtaponen unas a otras, creando una superficie pictórica rica en texturas y matices.

Análisis iconográfico:

• Tema: La pintura representa una escena de la vida cotidiana en el París de finales del siglo XIX. El Moulin de la Galette era un lugar de ocio popular donde la gente acudía a bailar, beber y socializar.
• Género: Pintura de género, que representa escenas de la vida cotidiana. También se puede considerar un paisaje urbano, ya que muestra un lugar específico de la ciudad de París.
• Simbolismo: La pintura transmite una sensación de alegría, vitalidad y optimismo. Es una celebración de la vida y del placer de disfrutar de los pequeños momentos. La obra refleja el interés de los impresionistas por captar la fugacidad del instante y la belleza de lo cotidiano.

Contexto histórico:

• Época: Tercer cuarto del siglo XIX.
• Estilo: Impresionismo.
• Influencias: Renoir fue uno de los principales representantes del Impresionismo, un movimiento artístico que surgió en Francia en la década de 1860. Los impresionistas se caracterizaban por su interés en captar la luz y la atmósfera, por su uso de colores puros y pinceladas sueltas, y por su preferencia por los temas de la vida moderna.
• Relevancia: Baile en el Moulin de la Galette es una de las obras más importantes del Impresionismo y una de las pinturas más famosas de Renoir. Es un ejemplo perfecto del estilo impresionista y de su interés por captar la fugacidad del instante y la belleza de la vida cotidiana. La obra se encuentra en el Museo de Orsay en París.

En resumen, Baile en el Moulin de la Galette es una obra maestra del Impresionismo, una pintura que celebra la vida y la alegría de vivir, y un ejemplo perfecto del estilo y las preocupaciones de los artistas impresionistas.