Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Artes Escénicas 2020/2021

I-REALICE UN COMENTARIO DE TEXTO DE UNO DE LOS DOS FRAGMENTOS QUE SE PROPONEN Y RESPONDA A LAS PREGUNTAS QUE SE LE REALIZAN A CONTINUACIÓN:

1º TEXTO. EXTRAÍDO DE BODAS DE SANGRE DE FEDERICO GARCÍA LORCA:

a-Analice la estructura interna del párrafo (1p)

La estructura interna del fragmento se puede dividir en tres partes bien diferenciadas que marcan la progresión de la conversación y el conflicto que subyace en la misma:

1. Introducción y planteamiento (líneas 1-7): La Madre y la Vecina inician una conversación aparentemente casual, donde la primera pregunta por la novia de su hijo. La Vecina describe a la joven como "buena muchacha", pero insinúa que hay algo oculto en su pasado ("Pero quien la conozca a fondo no hay nadie"). La Madre se interesa por la madre de la novia, revelando un prejuicio hacia ella ("A su madre la conocí. Hermosa... pero a mí no me gustó nunca. No quería a su marido"). En esta primera parte, se establece un tono de desconfianza y se introduce el tema de la reputación y la familia.

2. Desarrollo y revelación (líneas 8-21): La conversación se intensifica cuando la Madre expresa su deseo de que nadie conozca a la novia ni a su difunta madre, comparándolas con "dos cardos". La Vecina revela que la novia tuvo un novio en el pasado, Leonardo, perteneciente a la familia de los Félix. Esta revelación actúa como detonante del conflicto, ya que la Madre asocia a los Félix con una tragedia pasada que la marcó profundamente ("Félix que llenárseme de cieno la boca y tengo que escupir, tengo que escupir por no matar"). Aquí se introduce el tema del odio intergeneracional y la violencia latente, que son temas centrales de la obra.

3. Clímax y tensión (líneas 22-25): La Madre reacciona con ira al escuchar el nombre de Leonardo y la familia de los Félix, revelando que aún no ha superado el dolor del pasado. La Vecina intenta minimizar la situación recordando que Leonardo era solo un niño en aquel entonces, pero la Madre se mantiene firme en su rencor. La última frase de la Madre ("tengo que escupir por no matar") presagia la tragedia que se avecina y refleja la intensidad de las emociones que se han desencadenado. El tema principal aquí es la incapacidad de perdonar y el ciclo de violencia que se perpetúa.

En resumen, la estructura interna del fragmento está cuidadosamente construida para ir revelando gradualmente la información y aumentando la tensión hasta llegar a un clímax que deja al lector con la sensación de que la tragedia es inevitable. La conversación entre la Madre y la Vecina no solo sirve para informar al lector sobre el pasado de los personajes, sino también para mostrar las fuerzas que impulsan la trama hacia su desenlace fatal.

b-Lleve a cabo el análisis del estilo o estructura externa del fragmento (1p.)

El fragmento de "Bodas de Sangre" presenta una estructura externa propia del género dramático, organizado en forma de diálogo entre dos personajes, la Madre y la Vecina. Este diálogo se caracteriza por los siguientes aspectos estilísticos:

1. Lenguaje coloquial y directo: Lorca utiliza un lenguaje sencillo y directo, propio de una conversación cotidiana entre dos vecinas. Esto se refleja en el uso de frases cortas, interjecciones ("¡Pero cuántas cosas sabéis las gentes!") y expresiones populares ("Acostumbrada a la soledad"). Este estilo contribuye a la naturalidad del diálogo y facilita la identificación del público con los personajes.

2. Acotaciones escuetas pero significativas: Las acotaciones son breves, pero aportan información importante sobre el estado de ánimo y las acciones de los personajes. Por ejemplo, "(Como despertando y acercando su silla a la silla de la VECINA)" sugiere que la Madre estaba inicialmente distraída, pero la conversación ha captado su atención. "(Fuerte.)" indica el tono enérgico con el que la Madre expresa su descontento. "(Levantándose.)" y "(Entre dientes.)" muestran la creciente agitación de la Madre. "(Escupe.)" es una acotación particularmente reveladora, ya que simboliza el asco y el odio que siente la Madre hacia los Félix.

3. Simbolismo: Lorca introduce elementos simbólicos que enriquecen el significado del texto. La comparación de la novia y su madre con "dos cardos" alude a su carácter espinoso y a la idea de que traen dolor. El acto de escupir simboliza el rechazo y la necesidad de expulsar algo repulsivo. Estos símbolos refuerzan los temas del odio, la venganza y el destino trágico.

4. Ritmo in crescendo: El diálogo está construido con un ritmo que va en aumento, reflejando la creciente tensión entre los personajes. Las intervenciones de la Madre se vuelven más intensas y apasionadas a medida que se revela la conexión entre la novia y los Félix. Este ritmo contribuye a crear una atmósfera de premonición y fatalidad.

5. Uso de silencios y pausas: Aunque no se explicitan en las acotaciones, se intuye que hay silencios y pausas en la conversación, especialmente después de las revelaciones más impactantes. Estos silencios tácitos contribuyen a la tensión dramática y permiten que el público asimile la información y las emociones de los personajes.

En conjunto, el estilo del fragmento es característico de Lorca, con un lenguaje poético que se integra de forma natural en la conversación cotidiana. La estructura externa, basada en el diálogo y las acotaciones, crea una escena dinámica y cargada de emotividad, que anticipa el desarrollo trágico de la obra.

c-Exprese su opinión crítica sobre la obra (1p)

"Bodas de Sangre" es una de las obras cumbre de Federico García Lorca y un clásico del teatro español del siglo XX. En mi opinión, se trata de una tragedia magistral que explora temas universales como el amor, el odio, la venganza y el destino con una intensidad y una belleza poética incomparables.

Uno de los aspectos más destacables de la obra es la habilidad de Lorca para crear personajes profundamente humanos y complejos. La Madre, por ejemplo, es una figura trágica que encarna el dolor y el rencor acumulados a lo largo de los años. Su odio hacia los Félix es comprensible, dadas las circunstancias, pero al mismo tiempo la consume y la lleva a perpetuar el ciclo de violencia. La Novia, por su parte, se debate entre el deber y el deseo, entre el amor que siente por Leonardo y el compromiso con el Novio. Estos personajes, junto con los demás, están tan bien definidos que el público puede empatizar con ellos a pesar de sus defectos y contradicciones.

La obra también destaca por su poderoso simbolismo. Lorca utiliza elementos como la sangre, el cuchillo, la luna y el caballo para crear una atmósfera cargada de presagios y fatalidad. Estos símbolos no solo enriquecen el lenguaje poético, sino que también refuerzan los temas centrales de la obra y contribuyen a su impacto emocional.

Además, "Bodas de Sangre" es una obra que refleja la realidad social y cultural de la Andalucía rural de la época. Lorca denuncia la opresión de la mujer, el peso de las convenciones sociales y la violencia inherente a una sociedad marcada por el honor y la venganza. En este sentido, la obra tiene una dimensión social que trasciende el drama individual de los personajes.

En conclusión, "Bodas de Sangre" es una obra maestra del teatro que combina una trama apasionante, unos personajes inolvidables, un lenguaje poético de gran belleza y una profunda reflexión sobre la condición humana. Su capacidad para conmover y hacer reflexionar al público la convierte en una obra atemporal que sigue vigente en la actualidad.

2º TEXTO EXTRAÍDO DE EDIPO, REY, DE SÓFOCLES

a-Lleve a cabo el resumen y la localización del fragmento (1p)

Resumen:

El fragmento presenta a Edipo, rey de Tebas, dirigiéndose al Coro en busca de una solución para la plaga que azota la ciudad. Edipo promete recompensar a quien le revele la identidad del asesino de Layo, el anterior rey, y castigar a quien oculte información. Prohíbe a todos en su reino dar asilo o ayuda al culpable, quienquiera que sea. El Corifeo sugiere consultar al adivino Tiresias, quien posee el don de la videncia al igual que Apolo. Edipo revela que ya ha enviado por él, siguiendo el consejo de Creonte. Finalmente, se menciona que Layo murió a manos de unos caminantes, pero nadie sabe quiénes fueron.

Localización:

Este fragmento pertenece al inicio del episodio 1 de "Edipo Rey", una de las tragedias más célebres de Sófocles, dramaturgo griego del siglo V a.C. La obra se sitúa en Tebas, una ciudad aquejada por una terrible plaga. El fragmento se ubica después del prólogo, donde se ha expuesto la situación de la ciudad y el oráculo de Delfos ha revelado que la plaga es un castigo divino por el asesinato no resuelto de Layo, el anterior rey. Edipo, el actual monarca, se ha comprometido a encontrar al asesino y salvar a su pueblo. Este pasaje corresponde al momento en que Edipo hace un llamamiento público para obtener información sobre el crimen, justo antes de la llegada del adivino Tiresias, quien revelará la terrible verdad sobre el pasado de Edipo.

b-Realice un análisis de los personajes (1p)

En este fragmento de "Edipo Rey", podemos analizar los siguientes personajes:

1. Edipo: Se presenta como un rey preocupado por el bienestar de su pueblo y decidido a resolver el misterio del asesinato de Layo. Muestra su autoridad al prometer recompensas y castigos, y su determinación al haber enviado ya por Tiresias. Sin embargo, también se percibe una cierta arrogancia en sus palabras, al considerarse a sí mismo como la única persona capaz de salvar a Tebas ("yo mismo no podría seguir por mucho tiempo la pista sin tener ni un rastro"). Su insistencia en la recompensa y la amenaza de castigo sugieren que confía más en su propio poder que en la colaboración voluntaria de los ciudadanos. Además, su frase "El que no tiene temor ante los hechos tampoco tiene miedo a la palabra" revela su confianza en su propia capacidad de discernimiento y su desprecio hacia aquellos que no comparten su valentía. Irónicamente, esta frase anticipa su propia ceguera ante la verdad que Tiresias está a punto de revelar.

2. Corifeo: Actúa como la voz del pueblo y como intermediario entre Edipo y los ciudadanos. Es respetuoso con el rey, pero también prudente y sensato. Sugiere consultar a Tiresias, reconociendo la sabiduría del adivino. Su intervención muestra la importancia que tiene la religión y la consulta a los oráculos en la sociedad griega. Además, el Corifeo representa la voz de la razón y la cautela, contrastando con la impulsividad y la autoconfianza de Edipo. Su mención de los "rumores ineficaces y pasados" sobre la muerte de Layo sugiere que el pueblo tiene sus propias teorías, pero que no se atreven a expresarlas abiertamente.

3. Tiresias: Aunque no aparece físicamente en el fragmento hasta el final, su presencia se siente a través de las palabras de Edipo y el Corifeo. Se le describe como un adivino sabio, capaz de ver lo mismo que Apolo. Su tardanza en llegar genera expectación y sugiere que su conocimiento es crucial para resolver el enigma. Tiresias representa la verdad y el conocimiento divino, pero también la reticencia a revelar información dolorosa. Su llegada inminente anticipa un giro dramático en la trama.

4. Creonte: Mencionado brevemente por Edipo como el que le aconsejó enviar por Tiresias. Su papel en este fragmento es secundario, pero se le presenta como un consejero leal y eficiente. Su intervención demuestra que Edipo confía en su criterio y que está dispuesto a seguir sus consejos.

En este breve pasaje, Sófocles caracteriza a Edipo como un líder enérgico pero con un punto ciego en su autoconfianza, al Corifeo como la voz prudente del pueblo, a Tiresias como el portador de una verdad incómoda y a Creonte como un consejero de confianza. La interacción entre estos personajes sienta las bases para el desarrollo del conflicto y la revelación gradual de la tragedia de Edipo.

c-Exprese su opinión crítica sobre la obra (1p)

"Edipo Rey" es considerada una de las obras maestras de la tragedia griega y, en mi opinión, su reputación está más que justificada. Sófocles construye una trama perfectamente estructurada, en la que cada detalle, por mínimo que sea, tiene un significado y contribuye al desarrollo del desenlace fatal. La obra es un ejemplo magistral del uso de la ironía trágica, ya que el público conoce desde el principio el destino de Edipo, mientras que él mismo lo ignora y se esfuerza por descubrir una verdad que lo destruirá.

Uno de los aspectos más fascinantes de la obra es la complejidad del personaje de Edipo. Es un hombre inteligente, valiente y preocupado por su pueblo, pero también es orgulloso, impulsivo y, en última instancia, víctima de su propio destino. Su búsqueda de la verdad es noble, pero también es la causa de su propia caída. Esta dualidad hace que Edipo sea un personaje profundamente humano y con el que es fácil empatizar, a pesar de sus errores.

Otro aspecto destacable es la reflexión que plantea la obra sobre temas universales como el destino, el libre albedrío, la culpa y la responsabilidad. ¿Hasta qué punto somos dueños de nuestro propio destino? ¿Podemos escapar a lo que los dioses han predestinado para nosotros? ¿Somos responsables de nuestros actos, incluso si los cometemos sin saberlo? Estas preguntas siguen siendo relevantes en la actualidad, lo que demuestra la atemporalidad de la obra de Sófocles.

Además, "Edipo Rey" es una obra que explora la relación entre el poder y la verdad. Edipo, como rey, tiene el poder de exigir respuestas, pero también tiene la obligación de aceptar la verdad, por dolorosa que sea. La obra nos muestra cómo el poder puede cegar a las personas y cómo la verdad puede ser una fuerza destructiva, pero también liberadora.

En conclusión, "Edipo Rey" es una obra maestra que combina una trama apasionante, unos personajes inolvidables y una profunda reflexión sobre la condición humana. Su capacidad para conmover, inquietar y hacer reflexionar al público la convierte en una obra imprescindible de la literatura universal.

II-CONTESTE A DOS DE LAS SIGUIENTES CUATRO PREGUNTAS DE DESARROLLO, CUYO VALOR ES DE 2 PUNTOS CADA UNA:

a-Elementos dramáticos: el personaje y el objetivo (2p)

En el teatro, el personaje y el objetivo son dos elementos dramáticos fundamentales que se encuentran intrínsecamente relacionados y que impulsan la acción dramática.

El Personaje:

El personaje es el elemento esencial del teatro, es quien lleva a cabo la acción y quien experimenta la transformación a lo largo de la obra. El personaje se define por una serie de características:

1. Físicas: Su apariencia, edad, forma de vestir, etc. Estas características pueden ser explícitas o implícitas en el texto dramático y son construidas por el actor en la puesta en escena.
2. Psicológicas: Su carácter, personalidad, valores, creencias, miedos, deseos, etc. Estas características definen la forma de ser del personaje y su manera de reaccionar ante las diferentes situaciones.
3. Sociales: Su estatus social, profesión, relaciones familiares y con otros personajes, etc. Estas características determinan el contexto en el que se mueve el personaje y sus posibilidades de acción.
4. Dramáticas: Su función en la obra, su relación con el conflicto principal y su evolución a lo largo de la trama. Estas características definen la trayectoria del personaje y su contribución al desarrollo de la historia.

El Objetivo:

El objetivo es lo que el personaje quiere conseguir, la meta que persigue a lo largo de la obra o en una escena en particular. El objetivo es el motor que impulsa la acción del personaje y que genera el conflicto dramático. Se pueden distinguir diferentes tipos de objetivos:

1. Superobjetivo: Es el objetivo principal del personaje, lo que desea conseguir a lo largo de toda la obra. Es el "gran deseo" que guía todas sus acciones y que le da sentido a su trayectoria.
2. Objetivo de escena: Es lo que el personaje quiere conseguir en una escena específica. Este objetivo está subordinado al superobjetivo y contribuye a su consecución.
3. Subjetivo o subtexto: Son los deseos o intenciones ocultas del personaje, que no se explicitan verbalmente, pero que influyen en su comportamiento y en sus relaciones con los demás personajes.

Relación entre Personaje y Objetivo:

El personaje y el objetivo están estrechamente relacionados. El objetivo nace de las características del personaje, de sus necesidades, deseos y valores. A su vez, la lucha por alcanzar el objetivo transforma al personaje, lo hace evolucionar y crecer a lo largo de la obra.

El conflicto dramático surge cuando el personaje encuentra obstáculos que le impiden alcanzar su objetivo. Estos obstáculos pueden ser externos (otros personajes, el entorno, las circunstancias) o internos (sus propios miedos, dudas o contradicciones). La forma en que el personaje enfrenta estos obstáculos define su carácter y determina el desarrollo de la trama.

En conclusión, el personaje y el objetivo son dos elementos dramáticos fundamentales que se definen mutuamente y que son esenciales para la construcción de una historia dramática coherente y significativa. El objetivo da sentido a las acciones del personaje, y la lucha por alcanzarlo lo transforma y lo hace evolucionar, generando el conflicto y el interés dramático de la obra.

b-Enumere a los integrantes de los equipos técnico y administrativo de una obra y explique sus funciones (2p)

La puesta en escena de una obra teatral requiere la colaboración de un amplio equipo de profesionales que se dividen en dos grandes áreas: el equipo técnico y el equipo administrativo. Ambos equipos trabajan en conjunto para asegurar el éxito de la producción.

Equipo Técnico:

Este equipo es responsable de todos los aspectos técnicos de la producción, desde la escenografía hasta la iluminación y el sonido. Los integrantes principales del equipo técnico son:

1. Director Técnico: Es el responsable de coordinar y supervisar a todos los demás miembros del equipo técnico. Se encarga de planificar y ejecutar el montaje técnico de la obra, asegurando que se cumplan los requerimientos del director de escena y del diseñador de escenografía.

2. Diseñador de Escenografía: Crea el concepto visual del espacio escénico, incluyendo los decorados, la utilería y el mobiliario. Trabaja en estrecha colaboración con el director de escena para crear un ambiente que se ajuste a la visión artística de la obra.

3. Diseñador de Vestuario: Diseña y crea el vestuario de los actores, teniendo en cuenta la época, el estilo de la obra y las características de los personajes.

4. Diseñador de Iluminación: Crea el diseño de iluminación, que contribuye a crear la atmósfera de la obra y a resaltar la acción dramática. Maneja la intensidad, el color y la dirección de la luz para crear diferentes efectos visuales.

5. Diseñador de Sonido: Crea el diseño sonoro de la obra, que incluye la música, los efectos sonoros y la amplificación de las voces de los actores. Se encarga de crear un ambiente sonoro que complemente la acción dramática.

6. Maquinista: Se encarga de la construcción, montaje y manipulación de la escenografía. Maneja la maquinaria escénica y realiza los cambios de decorado durante la función.

7. Técnico de Iluminación: Opera la consola de iluminación durante la función, siguiendo las indicaciones del diseñador de iluminación.

8. Técnico de Sonido: Opera la consola de sonido durante la función, siguiendo las indicaciones del diseñador de sonido.

9. Sastre: Confecciona y ajusta el vestuario diseñado por el diseñador de vestuario.

10. Maquillador y Peluquero: Se encarga del maquillaje y peinado de los actores, siguiendo las indicaciones del director de escena y del diseñador de vestuario.

11. Utillero: Se encarga de la creación, mantenimiento y organización de la utilería, los objetos que utilizan los actores en escena.

Equipo Administrativo:

Este equipo se encarga de la gestión y organización de la producción, desde la contratación del personal hasta la promoción y venta de entradas. Los integrantes principales del equipo administrativo son:

1. Productor: Es el responsable de la gestión global de la producción. Se encarga de obtener los derechos de la obra, contratar al personal, buscar financiación y supervisar todos los aspectos administrativos y financieros.

2. Director de Producción: Asiste al productor en la gestión diaria de la producción. Se encarga de la logística, la contratación de servicios y la coordinación entre los diferentes equipos.

3. Gerente de Sala: Es el responsable de la gestión del teatro donde se presenta la obra. Se encarga del mantenimiento del edificio, la atención al público y la coordinación del personal de sala.

4. Jefe de Prensa y Relaciones Públicas: Se encarga de la promoción y difusión de la obra. Gestiona las relaciones con los medios de comunicación y organiza las campañas de publicidad.

5. Jefe de Taquilla: Se encarga de la venta de entradas y de la gestión de la taquilla.

6. Contable: Se encarga de la contabilidad de la producción, incluyendo el control de gastos e ingresos.

En conclusión, la puesta en escena de una obra teatral es un trabajo en equipo que requiere la colaboración de un gran número de profesionales con diferentes habilidades y responsabilidades. La coordinación y el trabajo conjunto de los equipos técnico y administrativo son esenciales para el éxito de la producción.

III-CONTESTE BREVEMENTE A SEIS DE LAS DOCE PREGUNTAS SIGUIENTES, CUYO VALOR ES DE 0,5 PUNTOS CADA UNA:

1-¿Qué diferencias esenciales hay entre el teatro oriental y el occidental? (0,5p)

Las diferencias esenciales entre el teatro oriental y el occidental radican en sus orígenes, convenciones, técnicas y propósitos.

1. Origen y filosofía: El teatro occidental tiene sus raíces en la antigua Grecia, con un enfoque en la mímesis (imitación de la realidad) y la catarsis (purificación emocional). El teatro oriental, por otro lado, se origina en tradiciones religiosas y rituales de países como India, China, Japón y otros, con un enfoque en la expresión simbólica, la espiritualidad y la conexión con lo divino.

2. Convenciones y técnicas: El teatro occidental tradicionalmente se basa en un texto dramático escrito, con una estructura narrativa lineal, personajes psicológicamente complejos y un escenario realista. El teatro oriental, en cambio, a menudo utiliza formas no lineales, da mayor importancia al movimiento, la danza, la música y el canto, y emplea una estilización y un simbolismo elaborados en la actuación, el vestuario y el maquillaje. Los personajes suelen ser arquetípicos y la representación es más simbólica que realista.

3. Propósito: Mientras que el teatro occidental busca principalmente entretener y provocar la reflexión intelectual y emocional a través de la representación de conflictos humanos, el teatro oriental a menudo tiene una función ritual, educativa o espiritual, buscando la armonía, el equilibrio y la iluminación.

4. Relación con el público: En el teatro occidental, la "cuarta pared" separa a los actores del público, creando una ilusión de realidad. En el teatro oriental, la interacción con el público es más directa y se busca una conexión espiritual o energética más que una ilusión realista.

En resumen, el teatro occidental se centra en la representación realista de la vida y la psicología humana, mientras que el teatro oriental se enfoca en la expresión simbólica de la espiritualidad y la conexión con lo trascendental a través de formas estilizadas y rituales.

2-Defina teatro gestual (0,5p)

El teatro gestual es una forma de teatro que utiliza el cuerpo, el movimiento y la expresión física como principales medios de comunicación, minimizando o prescindiendo del uso de la palabra hablada. Se centra en la capacidad del actor para narrar historias, expresar emociones y crear personajes a través de gestos, posturas, mímica facial y lenguaje corporal.

En el teatro gestual, el cuerpo del actor se convierte en el principal instrumento de expresión. La precisión, el ritmo, la energía y la fluidez del movimiento son esenciales para comunicar con claridad. Esta forma de teatro puede abarcar desde la pantomima clásica hasta formas más abstractas de danza-teatro, pasando por el mimo corporal dramático y el teatro físico. El teatro gestual es una forma de comunicación escénica que sobrepasa las barreras del lenguaje hablado, creando un lenguaje universal.

3-¿Qué es el código kinésico? (0,5p)

El código kinésico, también conocido como lenguaje corporal, es un sistema de comunicación no verbal que se basa en los movimientos corporales, gestos, posturas, expresiones faciales y contacto visual. Estos elementos transmiten información, emociones, intenciones y actitudes de manera consciente o inconsciente.

El código kinésico incluye:

1. Gestos: Movimientos de las manos, brazos o cabeza que acompañan o sustituyen al lenguaje verbal.
2. Posturas: Posiciones del cuerpo que comunican actitudes y estados de ánimo.
3. Expresiones faciales: Movimientos de los músculos de la cara que reflejan emociones como alegría, tristeza, ira, miedo, sorpresa y asco.
4. Contacto visual: La forma en que se utiliza la mirada para establecer conexión, mostrar interés, intimidar o evitar la interacción.

En el teatro, el código kinésico es una herramienta fundamental para la construcción de personajes y la comunicación con el público. Los actores utilizan conscientemente su cuerpo para expresar las emociones y las intenciones de sus personajes, incluso en ausencia de palabras.

4-¿Qué es la memoria emocional y quién habló de ella en su sistema de interpretación? (0,5p)

La memoria emocional es la capacidad de recordar y revivir experiencias pasadas para acceder a las emociones asociadas con ellas. Es un concepto clave en el sistema de interpretación desarrollado por el actor y director ruso Konstantín Stanislavski.

Stanislavski sostenía que los actores debían utilizar sus propias experiencias emocionales como materia prima para crear personajes veraces y creíbles. La memoria emocional permite al actor acceder a un repertorio de emociones auténticas que puede utilizar en la interpretación.

Para utilizar la memoria emocional, el actor debe recordar una experiencia pasada que haya provocado una emoción similar a la que necesita expresar el personaje. No se trata de recrear la experiencia en sí, sino de utilizarla como un detonante para evocar la emoción deseada. Stanislavski enfatizaba la importancia de un uso cuidadoso y controlado de la memoria emocional, para evitar que el actor se viera abrumado por sus propias emociones y perdiera el control de la interpretación.

La memoria emocional es una de las técnicas más controvertidas del sistema de Stanislavski, y ha sido objeto de debate y revisión por parte de otros teóricos y prácticos del teatro. Sin embargo, sigue siendo una herramienta importante para muchos actores en la búsqueda de la verdad emocional en la interpretación.

5-Defina teatro pobre y diga quién planteó este tipo de teatro (0,5p)

El teatro pobre es una forma de teatro que se centra en el trabajo del actor y prescinde de elementos escenográficos, de vestuario, de iluminación y de sonido elaborados o superfluos. Se basa en la idea de que la esencia del teatro reside en la relación entre el actor y el público, y que esta relación puede potenciarse eliminando todo aquello que se considere accesorio.

El concepto de teatro pobre fue desarrollado por el director polaco Jerzy Grotowski en la década de 1960. Grotowski consideraba que el teatro se había convertido en un espectáculo excesivamente comercial y superficial, y que había perdido su conexión con lo esencial. Su propuesta era la de un teatro "pobre" en recursos materiales, pero "rico" en la entrega física y emocional del actor.

En el teatro pobre, el actor es el centro de la creación escénica. Se le exige un entrenamiento riguroso que le permita desarrollar al máximo sus capacidades expresivas, tanto físicas como vocales. El objetivo es lograr una "transluminación", un estado de entrega total en el que el actor trasciende sus propias limitaciones y se convierte en un vehículo para la expresión de algo que va más allá de sí mismo.

7-Defina happening (0,5p)

Un happening es una forma de arte escénico que se caracteriza por la improvisación, la participación del público y la ruptura de las convenciones tradicionales del teatro. Surgió en la década de 1950 como una reacción contra el arte convencional y como una forma de integrar el arte en la vida cotidiana.

Los happenings suelen tener una estructura abierta y flexible, sin un guion preestablecido ni una separación clara entre actores y espectadores. El público se convierte en parte activa del evento, y su interacción con los artistas y con el entorno contribuye a crear la obra.

Los happenings buscan generar una experiencia única e irrepetible, que rompa con la rutina y provoque la reflexión o la reacción emocional del público. A menudo se utilizan elementos sorpresa, acciones provocadoras y situaciones absurdas para desafiar las expectativas y crear un ambiente de juego y experimentación.

El artista estadounidense Allan Kaprow es considerado el creador del término "happening" y uno de los principales impulsores de esta forma de arte. Kaprow definía el happening como "algo espontáneo, algo que simplemente sucede que sea".

En resumen, un happening es un evento artístico que rompe con las convenciones del teatro tradicional, fomenta la improvisación y la participación del público, y busca generar una experiencia única e irrepetible que integre el arte en la vida cotidiana.