Examen Resuelto Prueba Acceso UCM 2024 Historia del Arte

OPCIÓN A

1.- Características del Arte romano en Hispania.

El Arte romano en Hispania se desarrolló desde la conquista romana (siglo III a.C.) hasta la caída del Imperio Romano de Occidente (siglo V d.C.), abarcando un largo periodo de romanización. Sus características principales son:

• Carácter práctico y utilitario: Roma priorizó la construcción de infraestructuras y edificios funcionales para la administración, la defensa, el comercio y la vida cotidiana, más que el mero ornato. Esto se refleja en la abundancia de obras de ingeniería.
• Urbanismo: Se fundaron numerosas ciudades siguiendo el modelo romano, con plano ortogonal (trazado hipodámico) derivado del campamento militar, organizado en torno a dos ejes principales: el cardo (Norte-Sur) y el decumanus (Este-Oeste). En el cruce se situaba el foro, centro cívico, religioso y comercial de la ciudad (ejemplos en Mérida, Tarragona, Zaragoza). Las ciudades solían estar amuralladas (Lugo, Tarragona).
• Arquitectura: Se adoptaron los modelos arquitectónicos romanos, adaptándolos a las condiciones locales y los materiales disponibles.
  • Ingeniería Civil: Destacan las calzadas (Vía Augusta, Vía de la Plata), puentes (Alcántara, Mérida, Salamanca) y acueductos (Segovia, Mérida -Los Milagros-, Tarragona -Pont del Diable-), que demuestran un gran dominio técnico.
  • Edificios Públicos: Se construyeron teatros (Mérida, Sagunto, Cartagena), anfiteatros (Mérida, Itálica, Tarragona) para espectáculos, circos (Mérida, Tarragona) para carreras, termas (Alange, Bathalha), templos (Templo de Diana en Mérida, Templo de Vic) para el culto imperial y a los dioses romanos, basílicas (en los foros, función judicial y comercial) y arcos de triunfo (Medinaceli, Bará).
  • Arquitectura Doméstica: Se distinguen la domus (vivienda unifamiliar urbana para clases altas, organizada en torno a un patio o atrium) y la villae (explotación agraria en el campo con una parte residencial (pars urbana) lujosamente decorada y una parte rústica (pars rustica) para la producción).
  • Materiales y Técnicas: Se empleó la piedra (sillares), el ladrillo y, fundamentalmente, el opus caementicium (hormigón romano), que permitía construir estructuras abovedadas (arcos de medio punto, bóvedas de cañón, cúpulas). Se utilizaron los órdenes clásicos (dórico-toscano, jónico, corintio).
• Escultura: Predomina el retrato, con una evolución desde el verismo republicano (realismo en los rasgos) hacia una mayor idealización en la época imperial, sirviendo como medio de propaganda política. También se realizaron relieves históricos y mitológicos en monumentos conmemorativos (arcos, columnas) y sarcófagos. Hubo tanto importación de obras como producción en talleres locales.
• Mosaico: Tuvo un desarrollo extraordinario, utilizándose para pavimentar suelos de domus y villae. Presentan gran variedad temática (geométrica, vegetal, escenas mitológicas, de caza, de circo, de la vida cotidiana) y una notable calidad técnica (opus tessellatum, opus vermiculatum). Ejemplos notables se encuentran en Mérida, Itálica, Villa de La Olmeda (Palencia), Conímbriga (Portugal, antigua Lusitania).
• Pintura: Se conserva peor, pero existen ejemplos de pintura mural al fresco decorando paredes en viviendas y edificios públicos, siguiendo los estilos pompeyanos.

En resumen, el arte romano en Hispania es un fiel reflejo del arte imperial, destacando por su monumentalidad, funcionalidad y su papel crucial en el proceso de romanización del territorio, dejando un legado patrimonial de gran riqueza.

2.- Características generales de la arquitectura del Cinquecento.

La arquitectura del Cinquecento corresponde al periodo del Alto Renacimiento en Italia (aproximadamente 1500-1527, con el Saco de Roma) y su continuación manierista. El foco principal se traslada de Florencia a Roma, bajo el mecenazgo de los Papas (Julio II, León X). Sus características generales son:

• Clasicismo y Monumentalidad: Se busca la recuperación depurada y rigurosa de los principios de la arquitectura clásica grecorromana (Vitruvio), pero aplicados con una mayor escala, solemnidad y grandiosidad que en el Quattrocento. Se aspira a la perfección formal y a la creación de edificios imponentes.
• Armonía y Proporción: Se mantiene la búsqueda de la armonía, el orden, la simetría y las proporciones matemáticas basadas en el módulo y la sección áurea, considerados reflejo del orden cósmico y la belleza ideal.
• Predominio de la Planta Centralizada: Aunque se siguen usando plantas basilicales, se muestra una clara preferencia por las plantas centrales (cruz griega, círculo, cuadrado) para iglesias y otros edificios singulares, consideradas la forma perfecta y símbolo de la divinidad. El círculo y la cúpula adquieren un gran protagonismo.
• Uso Depurado de los Órdenes Clásicos: Se emplean los órdenes arquitectónicos (dórico-toscano, jónico, corintio, compuesto) con corrección canónica y a menudo superpuestos en las fachadas según su grado de robustez (toscano/dórico en la base, jónico en medio, corintio/compuesto arriba).
• Articulación Clara del Muro: Los muros se articulan mediante elementos clásicos (pilastras, columnas adosadas, entablamentos, frontones, vanos con edículos) que definen claramente la estructura y las proporciones del edificio. Se busca la claridad compositiva y la lectura lógica del edificio.
• Desarrollo de la Cúpula: La cúpula sobre tambor se convierte en un elemento emblemático, coronando las iglesias de planta central y otorgándoles monumentalidad y un foco espacial interior.
• Principales Arquitectos y Obras:
  • Donato Bramante: Considerado el iniciador del estilo. Obras clave: Templete de San Pietro in Montorio (Roma, 1502), considerado el manifiesto de la arquitectura del Cinquecento por su pureza clásica, planta central y proporciones; y el proyecto inicial para la Basílica de San Pedro del Vaticano (planta de cruz griega con una gran cúpula central).
  • Miguel Ángel: Aunque también escultor y pintor, tuvo un papel crucial en arquitectura, especialmente en la fase manierista. Modificó el proyecto de San Pedro, diseñando la imponente cúpula y simplificando la planta. También diseñó la Plaza del Capitolio en Roma, mostrando ya una tensión y dinamismo que anticipan el Barroco.
  • Andrea Palladio: Trabajó principalmente en el Véneto en la segunda mitad del siglo. Gran teórico ("I Quattro Libri dell'Architettura"), es famoso por sus villas (Villa Capra "La Rotonda", cerca de Vicenza, con planta central y cuatro pórticos jónicos) y sus iglesias (San Giorgio Maggiore, Venecia, con una ingeniosa solución de fachada). Su influencia (Palladianismo) fue enorme en siglos posteriores.

El Saco de Roma en 1527 marca un punto de inflexión, dando paso al Manierismo, donde los arquitectos (como Giulio Romano, Vignola, o el propio Miguel Ángel en su última etapa) comienzan a transgredir las normas clásicas, buscando la complejidad, la tensión y la sorpresa, aunque sin abandonar el lenguaje formal del Renacimiento.

3.- El Neoclasicismo: las artes figurativas: Canova y David.

El Neoclasicismo fue un movimiento artístico y cultural que se desarrolló desde mediados del siglo XVIII hasta las primeras décadas del XIX, como reacción al Rococó y en el contexto de la Ilustración y la Revolución Francesa. Se inspiró en el arte y la cultura de la Antigüedad clásica (Grecia y Roma), considerados modelos de racionalidad, orden, virtud y belleza ideal. Los descubrimientos arqueológicos de Herculano (1738) y Pompeya (1748) y los escritos teóricos de Winckelmann ("noble sencillez y serena grandeza") fueron fundamentales para su difusión.

En las artes figurativas (escultura y pintura), el Neoclasicismo se caracterizó por:

• Temática: Predominio de temas históricos (antiguos, especialmente griegos y romanos), mitológicos y alegóricos, utilizados a menudo con una finalidad didáctica o moralizante (exaltación de la virtud cívica, el heroísmo, el sacrificio por la patria). También retratos, pero con una tendencia a la idealización.
• Estilo: Búsqueda de la claridad compositiva, el orden, el equilibrio y la contención emocional. Predominio del dibujo y la línea sobre el color. Acabados pulidos y precisos. Rechazo de los excesos decorativos y la sensualidad del Rococó. Inspiración directa en estatuas y relieves clásicos.

Antonio Canova (1757-1822): Fue el escultor neoclásico por excelencia, aclamado en toda Europa.

• Estilo: Buscaba la belleza ideal inspirada en la estatuaria griega clásica (Praxíteles, Fidias), pero con una sensibilidad más suave y delicada. Sus obras se caracterizan por una extraordinaria perfección técnica, un acabado pulido y terso del mármol ("ultima mano") que otorga una apariencia mórbida y sensual a la piedra, y una gracia elegante en las composiciones.
• Temática: Cultivó temas mitológicos (Psique reanimada por el beso del Amor, Las Tres Gracias, Perseo con la cabeza de Medusa), alegóricos, retratos idealizados (famoso el de Paulina Bonaparte como Venus Victrix) y monumentos funerarios.
• Concepto: Representa la vertiente más amable y esteticista del Neoclasicismo, enfocada en la búsqueda de la belleza pura y la perfección formal.

Jacques-Louis David (1748-1825): Fue la figura dominante de la pintura neoclásica, especialmente en Francia, y un artista comprometido políticamente con la Revolución y luego con Napoleón.

• Estilo: Su estilo es más severo y riguroso que el de Canova. Se caracteriza por:
  • Predominio absoluto del dibujo, con contornos nítidos y precisos.
  • Composiciones claras, ordenadas, a menudo estructuradas como frisos clásicos, con figuras escultóricas.
  • Uso del color subordinado al dibujo, a menudo frío y contenido.
  • Iluminación clara y directa que modela las formas.
  • Búsqueda de la máxima claridad narrativa y expresiva.
• Temática: Se centró en temas de historia antigua con fuerte carga moral y cívica (El Juramento de los Horacios, considerado el manifiesto de la pintura neoclásica; La muerte de Sócrates; Los lictores llevando a Bruto los cuerpos de sus hijos), episodios de la Revolución Francesa (La muerte de Marat, que convierte un suceso contemporáneo en una tragedia clásica) y la exaltación de Napoleón (Napoleón cruzando los Alpes, La Coronación de Napoleón).
• Concepto: Representa la vertiente más ética, política y comprometida del Neoclasicismo. Sus obras buscan instruir y mover al espectador a través del ejemplo de la virtud y el heroísmo.

Ambos artistas, Canova y David, encarnan los ideales del Neoclasicismo en sus respectivas disciplinas, aunque con enfoques personales distintos: Canova más centrado en la belleza ideal y la perfección técnica, y David en la fuerza moral, la claridad narrativa y el compromiso histórico.

4. La pintura de Tiziano y la escuela veneciana.

La escuela veneciana de pintura se desarrolló en la República de Venecia durante los siglos XV y XVI, alcanzando su apogeo en este último. Se distingue claramente de la escuela florentina y romana por sus características particulares, ligadas al singular ambiente cultural, social y geográfico de Venecia.

Características generales de la escuela veneciana:

• Primacía del Color y la Luz (Colorito): Frente al énfasis en el dibujo y la forma (Disegno) de la tradición centro-italiana, los venecianos priorizaron el color, la luz y la atmósfera como principales medios expresivos. Utilizaron una paleta rica y vibrante, a menudo con pigmentos importados gracias al comercio veneciano. Exploraron los efectos de la luz sobre las superficies, las texturas y el ambiente, creando atmósferas sensuales y envolventes.
• Técnica Pictórica: Predominó el uso del óleo sobre lienzo (más resistente a la humedad veneciana que el fresco o la tabla). Desarrollaron una técnica de pincelada más suelta y visible ("pittura di macchia"), aplicando el color en capas (veladuras) para lograr profundidades y matices tonales, y a veces usando empastes para resaltar texturas.
• Importancia del Paisaje y la Atmósfera: El paisaje natural o urbano adquiere una relevancia notable, no solo como fondo, sino como elemento activo que contribuye al estado de ánimo y la atmósfera de la obra. La luz crepuscular, los cielos nubosos y los reflejos acuáticos son frecuentes.
• Sensualidad y Riqueza Material: Las obras venecianas a menudo celebran la riqueza material, el lujo de las telas, las joyas y los cuerpos humanos, con un tratamiento sensual y vitalista, reflejo de la opulencia de la sociedad veneciana.
• Temática: Abordaron temas religiosos, mitológicos (a menudo con un enfoque hedonista), históricos (relacionados con la gloria de Venecia), retratos (con gran penetración psicológica) y las llamadas "poesías" (escenas de carácter lírico y enigmático).

Tiziano Vecellio (c. 1488/1490 - 1576): Fue la figura dominante de la escuela veneciana durante gran parte del siglo XVI y uno de los pintores más influyentes de la historia del arte europeo. Su larga y prolífica carrera abarcó diversas fases estilísticas, pero siempre dentro de los parámetros venecianos.

• Maestría del Color y la Luz: Tiziano llevó el colorito veneciano a su máxima expresión. Su uso del color es rico, armónico y expresivo, capaz de definir formas, crear atmósferas y transmitir emociones. Manejó la luz con gran sutileza para modelar figuras y unificar la composición.
• Evolución Estilística:
  • Juventud: Influido por Giorgione (con quien colaboró) y Giovanni Bellini, muestra un colorido brillante y composiciones equilibradas (Amor sacro y amor profano).
  • Madurez: Desarrolla un estilo propio, grandioso y dinámico. Realiza grandes encargos religiosos (Asunción de la Virgen para los Frari, Retablo Pesaro), mitológicos (Bacanal de los Andrianos, Venus de Urbino - arquetipo de desnudo femenino) y retratos para las cortes europeas (Carlos V, Felipe II), demostrando una gran capacidad para captar la psicología de los personajes (Carlos V en la batalla de Mühlberg, Retrato de Paulo III Farnesio con sus sobrinos).
  • Vejez: Su estilo se vuelve más dramático y emotivo. La pincelada se hace extraordinariamente suelta, casi abocetada ("impresionismo mágico"), las formas se disuelven en color y luz, y la paleta se oscurece, con fuertes contrastes lumínicos (El castigo de Marsias, La Piedad - su última obra).
• Temática: Cultivó todos los géneros con maestría: pintura religiosa (con gran emotividad y dramatismo), mitológica (sus "poesías" para Felipe II son célebres por su sensualidad y belleza), y sobre todo el retrato (dotado de una profunda introspección psicológica y un sentido de la dignidad del retratado).
• Influencia: Su obra tuvo una repercusión inmensa en pintores posteriores como Rubens, Velázquez, Rembrandt y Delacroix, especialmente por su manejo del color, la luz y la técnica pictórica.

Otros grandes maestros de la escuela veneciana contemporáneos o sucesores de Tiziano fueron Giorgione (creador de atmósferas enigmáticas y poéticas), Tintoretto (con un estilo más dramático, dinámico y manierista, de fuertes contrastes de luz y sombra) y Veronés (conocido por sus grandes escenas festivas, llenas de lujo, color y claridad compositiva). Juntos, definieron una de las cumbres de la pintura renacentista y barroca.

5.- Las características del Surrealismo.

El Surrealismo fue un movimiento artístico y literario que surgió en París en la década de 1920, liderado por el escritor André Breton, quien publicó el primer Manifiesto del Surrealismo en 1924. Nacido en el contexto de la posguerra y heredero del espíritu de rebeldía del Dadaísmo, el Surrealismo se propuso explorar y liberar las fuerzas del inconsciente, inspirándose fundamentalmente en las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud sobre los sueños, los instintos reprimidos y el funcionamiento de la mente al margen de la lógica racional.

Sus características principales son:

• Exploración del Inconsciente: El objetivo central era acceder a una "realidad superior" (sur-realité) situada más allá de la razón y la conciencia, en el ámbito de los sueños, las fantasías, los deseos ocultos y lo irracional. Se buscaba plasmar el funcionamiento real del pensamiento, libre de cualquier control ejercido por la razón y al margen de toda preocupación estética o moral.
• Automatismo Psíquico: Es el método surrealista por excelencia, definido por Breton como "dictado del pensamiento, en ausencia de todo control ejercido por la razón". Se aplicó tanto a la escritura (escritura automática) como a las artes plásticas (dibujo y pintura automáticos), buscando crear de forma espontánea, sin planificación previa, dejando fluir imágenes y formas directamente del inconsciente (ejemplos en André Masson, Joan Miró inicial).
• Interpretación de los Sueños: Los sueños fueron considerados una vía privilegiada de acceso al inconsciente. Muchos artistas surrealistas buscaron representar el contenido y la atmósfera de los sueños, con sus asociaciones ilógicas, sus metamorfosis y sus escenarios extraños (especialmente en la vertiente figurativa).
• Yuxtaposición Inesperada de Objetos: Inspirados en la frase del Conde de Lautréamont ("bello como el encuentro fortuito sobre una mesa de disección de una máquina de coser y un paraguas"), los surrealistas buscaron provocar sorpresa y revelar conexiones ocultas mediante la unión de elementos incongruentes y dispares en un mismo espacio pictórico o escultórico.
• Creación de Imágenes Ambiguas y Simbólicas: Las obras surrealistas a menudo presentan imágenes cargadas de simbolismo personal o psicoanalítico, explorando temas como el deseo, el erotismo, la angustia, la violencia, la muerte y la transformación. Se juega con la metamorfosis de las formas y la creación de seres híbridos o fantásticos.
• Nuevas Técnicas Creativas: Para estimular el surgimiento de imágenes inesperadas y reducir el control consciente, desarrollaron o popularizaron diversas técnicas:
  • Frottage (Max Ernst): Frotar un lápiz o pintura sobre un papel colocado encima de una superficie rugosa.
  • Grattage (Max Ernst): Raspar capas de pintura fresca para revelar texturas o colores inferiores.
  • Decalcomanía (Óscar Domínguez): Aplastar pintura fresca entre dos superficies para obtener manchas y formas fortuitas.
  • Collage y Assemblage: Combinar fragmentos de imágenes o objetos encontrados.
  • Cadáver Exquisito: Creación colectiva (literaria o gráfica) donde cada participante añade un elemento sin conocer los anteriores.
• Dos Vertientes Principales:
  • Surrealismo Abstracto o Automatista: Más enfocado en el automatismo puro, la espontaneidad del gesto y la creación de formas orgánicas o biomórficas, a menudo abstractas o semi-abstractas (Joan Miró, André Masson, Yves Tanguy en parte).
  • Surrealismo Figurativo u Onírico: Utiliza una técnica pictórica minuciosa y realista para representar escenas de sueños, fantasías o visiones interiores, caracterizadas por su irrealidad, sus deformaciones y sus asociaciones ilógicas (Salvador Dalí - "fotografías de sueños pintadas a mano", René Magritte - con sus paradojas visuales, Max Ernst - en sus paisajes fantásticos, Paul Delvaux).

Figuras clave del movimiento incluyen a André Breton (teórico), Salvador Dalí, Joan Miró, Max Ernst, René Magritte, Yves Tanguy, André Masson, Man Ray (fotografía), Luis Buñuel (cine), entre otros. El Surrealismo tuvo una profunda influencia en el arte posterior, incluyendo el Expresionismo Abstracto y otras corrientes que exploran la subjetividad y lo irracional.

LÁMINAS: Comentar una de las dos láminas propuestas

Comentario de la Lámina 2 (Interior de la Mezquita de Córdoba)

1. Identificación y Localización: La imagen muestra una vista interior de la sala de oración (haram) de la Gran Mezquita de Córdoba, actualmente Catedral de Nuestra Señora de la Asunción (Mezquita-Catedral). Se trata de una de las obras cumbre de la arquitectura hispano-musulmana, perteneciente principalmente al periodo del Emirato y Califato Omeya de Córdoba. Se encuentra en la ciudad de Córdoba, Andalucía, España. Su construcción se inició en el año 784-786 d.C. bajo el emir Abd al-Rahman I y experimentó sucesivas ampliaciones en los siglos IX y X (Abd al-Rahman II, Al-Hakam II y Al-Mansur).

2. Análisis Técnico y Formal: La imagen nos sitúa en el interior de la vasta sala hipóstila. Las características técnicas y formales más destacables son:

• Estructura Hipóstila: La sala se configura como un "bosque de columnas" que soportan la cubierta. Esta disposición crea un espacio rítmico y aparentemente infinito, que invita a la oración y la introspección, sin un eje visual dominante que dirija la mirada hacia un único punto (a diferencia de la basílica cristiana), aunque todo el conjunto se orienta hacia el muro de la qibla (no visible en esta perspectiva).
• Sistema de Soportes: Se utiliza un sistema único y original de doble arco superpuesto para ganar altura y diafanidad. Sobre las columnas (muchas de ellas reutilizadas de edificios romanos y visigodos - spolia) se dispone un primer nivel de arcos de herradura (muy característicos del arte hispano-musulmán, aunque posiblemente con precedentes visigodos, aquí adquieren su forma canónica) y, sobre unos pilares que arrancan de los capiteles, un segundo nivel de arcos de medio punto que soportan directamente la cubierta (originalmente de madera). Este sistema permite elevar considerablemente el techo con columnas relativamente bajas y esbeltas.
• Bicromía: Los arcos presentan una alternancia de dovelas (las piezas que componen el arco) de color rojo (ladrillo) y blanco o claro (piedra caliza). Esta bicromía es uno de los rasgos más distintivos y estéticamente impactantes de la Mezquita de Córdoba, creando un efecto visual vibrante y rítmico.
• Columnas y Capiteles: Se aprecia una gran variedad de columnas (fustes de mármol de diferentes colores y procedencias) y capiteles (corintios, compuestos, de pencas), en gran parte reutilizados de construcciones anteriores, lo que refleja tanto el pragmatismo constructivo como el prestigio asociado a incorporar elementos de culturas pasadas. Sobre los capiteles se colocan cimacios o modillones de roléo para enlazar con el arranque de los arcos.
• Iluminación: Aunque la imagen muestra iluminación artificial actual, originalmente la luz penetraría tamizada a través de vanos y celosías, creando una atmósfera de penumbra mística, rota por los puntos de luz de las lámparas de aceite que colgaban del techo.
• Materiales: Los materiales principales son la piedra (sillares, dovelas claras), el ladrillo (dovelas rojas), el mármol (fustes y algunos capiteles) y la madera (en las cubiertas originales).

3. Análisis Estilístico y Contexto: Esta obra pertenece al Arte Hispanomusulmán, concretamente a su periodo Omeya (Emiral y Califal), que se caracteriza por la asimilación de elementos de la tradición clásica y visigoda, combinados con innovaciones propias para crear un lenguaje arquitectónico original y de gran refinamiento. La Mezquita de Córdoba es el ejemplo más emblemático de este estilo. El uso del arco de herradura, la bicromía de las dovelas, la solución de la doble arquería superpuesta y la configuración hipóstila son rasgos definitorios de esta fase del arte andalusí. Las ampliaciones posteriores, especialmente la de Al-Hakam II (siglo X), incorporarán elementos aún más ricos como los arcos polilobulados y entrecruzados, y una exuberante decoración en la zona de la maqsura y el mihrab (con mosaicos bizantinos y ricos atauriques). La construcción de la Mezquita fue un símbolo del poder y la legitimidad de la dinastía Omeya en Al-Andalus, y Córdoba se convirtió bajo su gobierno en uno de los centros culturales y científicos más importantes del mundo medieval. Tras la conquista cristiana de Córdoba en 1236, la mezquita fue consagrada como catedral, insertándose una nave gótica y posteriormente renacentista en su interior, lo que dio lugar al edificio híbrido actual, testimonio excepcional de la compleja historia cultural y religiosa de España.

4. Valoración Personal: La Mezquita de Córdoba es una obra maestra que sobrecoge por su escala, su originalidad y su belleza. El efecto del "bosque de columnas" y la vibrante bicromía de los arcos crean una experiencia espacial única, que transmite una sensación de orden, ritmo y profundidad casi laberíntica. La audacia de la solución estructural de la doble arquería y la reutilización inteligente de materiales preexistentes hablan de una gran capacidad técnica y una profunda conexión con la historia del lugar. Su conservación como catedral, aunque alterando parte de la estructura original, ha permitido su pervivencia y la convierte en un símbolo poderoso de la superposición de culturas en la Península Ibérica. Es, sin duda, uno de los monumentos más importantes y fascinantes del patrimonio arquitectónico mundial.