Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Artes Escénicas 2019

PROPUESTA A

I-REALICE UN COMENTARIO DE TEXTO DEL SIGUIENTE FRAGMENTO EXTRAÍDO DE EDIPO, REY de SÓFOCLES (contexto, localización, resumen de la escena, estructura interna, personajes, estilo y opinión crítica. ¿Cómo interpretaría a uno de los personajes) (3p.)

Este fragmento pertenece a la obra "Edipo Rey" del dramaturgo griego Sófocles, escrita en el siglo V a.C. y considerada una de las obras maestras del teatro clásico griego. La obra se enmarca dentro del género de la tragedia, y narra la historia de Edipo, rey de Tebas, quien sin saberlo mata a su padre y se casa con su madre.

El fragmento se sitúa al principio de la obra, en el prólogo. La escena se desarrolla frente al palacio de Edipo en Tebas. Un grupo de suplicantes, compuesto por ancianos y jóvenes liderados por el Sacerdote de Zeus, se ha congregado frente al palacio para pedir ayuda a Edipo. La ciudad de Tebas está sufriendo una terrible peste, y los suplicantes imploran a Edipo que la salve, tal como lo hizo en el pasado cuando la liberó de la Esfinge.

La estructura interna del fragmento se divide en dos partes: la intervención de Edipo y la respuesta del Sacerdote. En la primera parte, Edipo se muestra preocupado por la situación de su pueblo y se ofrece a ayudar en todo lo que pueda. En la segunda parte, el Sacerdote describe la calamidad que azota a Tebas y le recuerda a Edipo su hazaña pasada, instándolo a actuar de nuevo para salvar la ciudad.

Los personajes que aparecen en este fragmento son Edipo, el rey de Tebas, y el Sacerdote de Zeus, que actúa como portavoz de los suplicantes. Edipo se caracteriza por su nobleza, su preocupación por el pueblo y su disposición a ayudar. El Sacerdote, por otro lado, representa la voz del pueblo desesperado y su fe en Edipo como salvador.

El estilo del fragmento es formal y solemne, propio de la tragedia griega. Se utiliza un lenguaje elevado y poético, con abundancia de metáforas e imágenes sensoriales. El tono es de súplica y desesperación, pero también de esperanza y confianza en la capacidad de Edipo.

En mi opinión, este fragmento es un excelente ejemplo de la maestría de Sófocles como dramaturgo. En pocas líneas, el autor consigue situarnos en el contexto de la obra, presentar a los personajes principales y establecer el conflicto central. La escena está cargada de tensión dramática y emotividad, y nos deja con la intriga de saber cómo actuará Edipo ante la nueva crisis que enfrenta su ciudad.

Si tuviera que interpretar a uno de los personajes, elegiría a Edipo. Me parece un personaje fascinante por su complejidad y su trágico destino. Trataría de transmitir su nobleza y su sentido del deber, pero también su vulnerabilidad y su miedo ante lo desconocido. Me centraría en expresar la angustia de un rey que ve sufrir a su pueblo y que se siente impotente para evitarlo, pero que a la vez está dispuesto a hacer todo lo posible para salvarlo.

II-CONTESTE A LAS SIGUIENTES PREGUNTAS DE DESARROLLO DE 2 PUNTOS CADA UNA:

a-Enumere los integrantes del equipo artístico de una obra y explique sus funciones

El equipo artístico de una obra teatral está compuesto por una variedad de profesionales que colaboran estrechamente para dar vida a la visión del dramaturgo. Los integrantes principales y sus funciones son:

• Director: Es el máximo responsable artístico de la obra. Se encarga de la concepción general del espectáculo, la interpretación del texto, la dirección de los actores y la coordinación de todos los demás equipos creativos. Su función es unificar los diversos elementos de la producción en una visión coherente y significativa.
• Escenógrafo: Diseña el espacio escénico, es decir, los decorados, la ambientación y los elementos visuales que conforman el entorno físico donde se desarrolla la acción. Su trabajo contribuye a crear la atmósfera y el contexto de la obra. La función matemática que lo representa es $E = f(x, y, z)$, donde $E$ es el espacio escénico, y $x$, $y$, y $z$ son las dimensiones del escenario.
• Diseñador de vestuario: Crea la indumentaria de los personajes, teniendo en cuenta la época, el contexto social, la personalidad de cada personaje y la visión general del director. Su función es ayudar a definir visualmente a los personajes y su evolución a lo largo de la obra.
• Diseñador de iluminación: Crea la atmósfera lumínica de la obra, utilizando la luz para resaltar a los actores, crear ambientes, marcar transiciones y enfatizar momentos dramáticos. Su trabajo contribuye a la narrativa visual y emocional del espectáculo. Su función puede representarse como $I = f(t)$, donde $I$ es la intensidad de la luz y $t$ es el tiempo.
• Compositor musical o diseñador de sonido: Crea la música y los efectos sonoros que acompañan a la obra, ya sea música original, música preexistente o efectos ambientales. Su función es reforzar la atmósfera, subrayar las emociones y contribuir al ritmo general del espectáculo. Matemáticamente, se puede expresar como $S = A \\\\sin(2\\\\pi ft + \\\\phi)$, donde $S$ es la señal de sonido, $A$ es la amplitud, $f$ es la frecuencia, $t$ es el tiempo, y $\\\\phi$ es la fase.
• Coreógrafo: Si la obra incluye secuencias de danza o movimiento estilizado, el coreógrafo diseña y dirige estas secuencias, trabajando con los actores para desarrollar un lenguaje corporal que se integre con la narrativa y la estética del espectáculo.
• Dramaturgista: Un investigador y asesor literario que puede asistir al director en la interpretación del texto, el análisis de la obra y su contexto histórico y cultural.

b-Hable de la acción, dentro de los elementos dramáticos

La acción es uno de los elementos fundamentales del drama, constituyendo el motor que impulsa la historia y genera el conflicto. Se refiere al conjunto de acontecimientos que se suceden en la obra, tanto a nivel externo (lo que hacen los personajes) como interno (lo que piensan y sienten). La acción se desarrolla a través de una estructura que suele incluir:

• Exposición: Presentación de los personajes, el contexto y la situación inicial.
• Incidente incitador: Un acontecimiento que rompe el equilibrio inicial y desencadena el conflicto.
• Conflicto: El enfrentamiento entre fuerzas opuestas, que puede ser externo (entre personajes) o interno (dentro de un personaje).
• Clímax: El punto de máxima tensión dramática, donde el conflicto alcanza su punto álgido.
• Desenlace: La resolución del conflicto y el restablecimiento del equilibrio, aunque no necesariamente con un final feliz.

La acción se construye a través de las interacciones entre los personajes y sus decisiones. Cada acción tiene consecuencias que afectan al desarrollo de la trama y a la evolución de los personajes. La acción puede ser lineal (cronológica) o no lineal (con saltos temporales), y puede tener un ritmo rápido o lento, dependiendo del género y del estilo de la obra.

La acción es esencial para mantener el interés del público y para comunicar el mensaje o la tesis de la obra. A través de la acción, el público puede identificarse con los personajes, comprender sus motivaciones y reflexionar sobre los temas que se plantean en la obra.

III-CONTESTESTE BREVEMENTE A LAS SIGUIENTES PREGUNTAS DE 0,5 PUNTOS CADA UNA:

a-¿Cómo se pueden clasificar los actos de respuesta?

Los actos de respuesta se pueden clasificar según la función del estímulo al que responden, se distinguen tres tipos:

• Pregunta: Respuestas que buscan proporcionar información solicitada.
• Orden: Respuestas que implican la ejecución de una acción indicada.
• Afirmación: Respuestas que expresan acuerdo, desacuerdo, confirmación o refutación de una declaración previa.

b-¿A qué se denomina “ritmo”, dentro de la expresión oral?

Dentro de la expresión oral, el ritmo se refiere a la cadencia y la velocidad del habla, es decir, a la alternancia de pausas, silencios, acentos y entonaciones que se producen al hablar. Un buen manejo del ritmo es fundamental para mantener la atención del público y para transmitir el significado y la emoción del discurso. El ritmo se puede expresar matemáticamente como una función de la duración de las sílabas y las pausas:

$R = \\\\frac{\\\\sum_{i=1}^{n} (s\\_i + p\\_i)}{T}$

Donde $R$ es el ritmo, $s\\_i$ es la duración de la sílaba $i$, $p\\_i$ es la duración de la pausa después de la sílaba $i$, $n$ es el número total de sílabas, y $T$ es la duración total del discurso.

c-¿Qué labor llevan a cabo los coreógrafos?

Los coreógrafos son artistas que crean y diseñan secuencias de movimiento, generalmente en el ámbito de la danza, pero también en otras disciplinas escénicas como el teatro musical o la ópera. Su labor implica:

• Inventar pasos y movimientos: Crear una secuencia de movimientos originales que se ajusten a la música, la historia y la estética del espectáculo.
• Enseñar y ensayar con los bailarines: Transmitir la coreografía a los intérpretes y trabajar con ellos para perfeccionar la ejecución técnica y la expresión artística.
• Colaborar con el director y otros creativos: Integrar la coreografía en la visión general del espectáculo, coordinándose con el diseño de vestuario, la iluminación y la escenografía.
• Adaptar la coreografía al espacio escénico: Tener en cuenta las dimensiones y características del escenario para crear una coreografía que se vea bien desde la perspectiva del público.

d-¿Qué es un “aparte”?

Un "aparte" es una técnica teatral en la que un personaje se dirige directamente al público, rompiendo la "cuarta pared" (la barrera imaginaria que separa a los actores del público), para compartir un pensamiento, un comentario o una información que los demás personajes en escena no deben oír. Los apartes sirven para:

• Crear complicidad con el público: El personaje comparte información privilegiada con el público, estableciendo una conexión más íntima.
• Revelar el pensamiento interno del personaje: Los apartes permiten al público conocer las verdaderas intenciones, motivaciones o sentimientos del personaje, que pueden ser diferentes de lo que expresa a los demás personajes.
• Añadir un efecto cómico o irónico: Los apartes pueden utilizarse para hacer comentarios humorísticos o sarcásticos sobre la acción o los demás personajes.
• Proporcionar información adicional: Los apartes pueden servir para aclarar aspectos de la trama o del contexto que no son evidentes a través del diálogo o la acción.

e-Defina teatro pobre y diga quién planteó ese tipo de teatro

El teatro pobre es una forma de teatro que se centra en el trabajo del actor y prescinde de elementos escenográficos elaborados, vestuario sofisticado o iluminación compleja. Se basa en la idea de que el teatro puede existir con un mínimo de recursos materiales, utilizando el cuerpo, la voz y la imaginación del actor como principales herramientas de expresión.

El concepto de "teatro pobre" fue desarrollado por el director polaco Jerzy Grotowski en la década de 1960. Grotowski consideraba que el teatro debía ser un acto de comunicación esencial entre el actor y el público, un encuentro ritual que no necesita de artificios ni de elementos superfluos.

f-¿Qué es la memoria emocional y quién la consideró un elemento imprescindible en su sistema de interpretación?

La memoria emocional es la capacidad de un actor para acceder y revivir emociones experimentadas en el pasado, con el fin de utilizarlas para construir la interpretación de un personaje. Se basa en la idea de que las emociones dejan una huella en la memoria, y que esa huella puede ser recuperada y utilizada de manera consciente.

El actor y director ruso Konstantín Stanislavski fue el primero en considerar la memoria emocional como un elemento imprescindible en su sistema de interpretación, conocido como el "Método". Stanislavski creía que la verdad emocional era esencial para una actuación convincente, y que la memoria emocional era una herramienta fundamental para que el actor pudiera crear personajes auténticos y creíbles.

PROPUESTA B

I-REALICE UN COMENTARIO DE TEXTO DEL SIGUIENTE FRAGMENTO EXTRAÍDO de EL PERRO HORTELANO de LOPE DE VEGA (contexto, localización, resumen de la escena, estructura interna, personajes, estilo y opinión crítica. ¿Cómo interpretaría a uno de los personajes) (3p.)

El fragmento pertenece a la obra "El perro del hortelano", una comedia palatina escrita por Lope de Vega en el siglo XVII, en pleno Siglo de Oro español. La obra se enmarca dentro del género de la comedia de enredo, y se caracteriza por su ingenio, su ritmo ágil y sus personajes arquetípicos.

El fragmento se sitúa hacia el final de la obra, en el acto tercero. La escena tiene lugar en Nápoles, en la casa del Conde Ludovico. Tristán, un criado, le está contando a Ludovico una historia que ha inventado para ayudar a su amo, Teodoro, a casarse con la Condesa Diana. Tristán le dice a Ludovico que Teodoro es en realidad su hijo perdido, fruto de una relación pasada. Ludovico, emocionado, se cree la historia y abraza a Teodoro, aceptándolo como su hijo.

La estructura interna del fragmento se puede dividir en dos partes:

• Líneas 485-510: Tristán le cuenta a Ludovico la historia ficticia sobre el origen noble de Teodoro.
• Líneas 511-518: Ludovico reacciona con alegría y acepta a Teodoro como su hijo.

Los personajes que aparecen en este fragmento son Tristán y Ludovico. Tristán es el criado astuto y gracioso, arquetipo del "gracioso" en la comedia del Siglo de Oro. Ludovico es un noble ingenuo y bonachón, fácilmente manipulable.

El estilo del fragmento es típicamente lopesco: un lenguaje ágil, ingenioso y coloquial, con un ritmo rápido y un tono humorístico. Lope utiliza versos octosílabos, propios de la comedia, y emplea recursos como la ironía, el doble sentido y la exageración para crear comicidad.

En mi opinión, este fragmento es un buen ejemplo de la maestría de Lope para la comedia de enredo. La escena es divertida y dinámica, y la astucia de Tristán contrasta con la ingenuidad de Ludovico, generando una situación cómica y entretenida. El fragmento también refleja la crítica social que a menudo se encuentra en las comedias de Lope, en este caso, la crítica a la nobleza y a la importancia que se le da a la sangre y al linaje.

Si tuviera que interpretar a uno de los personajes, elegiría a Tristán. Me parece un personaje muy atractivo por su ingenio, su picardía y su capacidad para manipular a los demás. Trataría de transmitir su astucia y su sentido del humor, pero también su lealtad a su amo y su deseo de ayudarlo a conseguir sus objetivos. Me centraría en la expresión corporal y en el uso de la voz para crear un personaje divertido y carismático, que se gane la simpatía del público.

II-CONTESTE A LAS SIGUIENTES PREGUNTAS DE DESARROLLO DE 2 PUNTOS CADA UNA:

a-Diga quién era Stanislavski y hable de su legado

Konstantín Stanislavski (1863-1938) fue un actor, director y pedagogo teatral ruso, considerado uno de los fundadores del teatro moderno. Su legado es inmenso y su influencia se extiende hasta nuestros días, siendo su "sistema" o "método" uno de los pilares fundamentales de la formación actoral en todo el mundo.

Stanislavski revolucionó el arte de la interpretación al proponer un enfoque psicofísico, es decir, un método que integraba el trabajo emocional y físico del actor. Su objetivo era lograr una actuación "verdadera", creíble y orgánica, en la que el actor no se limitara a imitar o representar superficialmente las emociones, sino que las viviera realmente en escena.

Para ello, desarrolló un sistema basado en la investigación y la experimentación, que incluía técnicas como:

• La memoria emocional: La capacidad de acceder a emociones pasadas para utilizarlas en la construcción del personaje.
• Las circunstancias dadas: El análisis del contexto, las relaciones y la situación en la que se encuentra el personaje.
• El "sí mágico": La capacidad de imaginar y creer en las circunstancias ficticias de la obra como si fueran reales.
• La acción psicofísica: La idea de que las acciones físicas y las emociones están interconectadas, y que el actor puede acceder a las emociones a través de la acción física.
• La comunicación y la interacción: La importancia de la escucha y la respuesta genuina entre los actores en escena.

El legado de Stanislavski no se limita a su sistema de interpretación. También fundó el Teatro de Arte de Moscú, una compañía que se convirtió en un referente mundial por su rigor artístico y su compromiso con la renovación teatral. Además, escribió varios libros, como "El trabajo del actor sobre sí mismo" y "La construcción del personaje", que son considerados textos fundamentales para la teoría y la práctica teatral.

b- Géneros teatrales: drama, comedia, tragedia y sus variantes

Los géneros teatrales son categorías que se utilizan para clasificar las obras dramáticas en función de su contenido, su tono y su estructura. Los tres géneros principales son:

• Tragedia: Se caracteriza por el conflicto entre un protagonista (héroe trágico) y fuerzas superiores (el destino, los dioses, la sociedad), que le conducen a un desenlace fatal. La tragedia suele inspirar compasión y temor en el público, y plantea interrogantes sobre la condición humana, la justicia y el sufrimiento. Ejemplos clásicos son "Edipo Rey" de Sófocles o "Hamlet" de Shakespeare.
  • Variantes: La tragedia clásica griega, la tragedia isabelina, la tragedia neoclásica.
• Comedia: Se caracteriza por su tono ligero y humorístico, y por la resolución feliz de los conflictos. La comedia suele satirizar las debilidades humanas, las costumbres sociales o las situaciones cotidianas, y busca provocar la risa del público. Ejemplos son "El sueño de una noche de verano" de Shakespeare o "El perro del hortelano" de Lope de Vega.
  • Variantes: Comedia de enredo, comedia de costumbres, comedia de carácter, comedia romántica, farsa, sátira.
• Drama: Es un género más amplio que abarca obras que no son ni tragedias ni comedias puras, sino que combinan elementos de ambas. El drama se centra en conflictos humanos realistas, y puede tener un desenlace feliz o infeliz. El drama explora las complejidades de las relaciones humanas y las situaciones de la vida cotidiana. Ejemplos son "Casa de muñecas" de Ibsen o "La casa de Bernarda Alba" de Lorca.
  • Variantes: Drama burgués, drama social, drama psicológico, tragicomedia, melodrama.

III-CONTESTESTE BREVEMENTE A LAS SIGUIENTES PREGUNTAS DE 0,5 PUNTOS CADA UNA:

a-¿A qué se le llama “romper la cuarta pared”?

Se le llama "romper la cuarta pared" a la técnica teatral en la que los actores se dirigen directamente al público, reconociendo su presencia y rompiendo la convención de que existe una "cuarta pared" invisible que separa el mundo ficcional del escenario del mundo real del público. Es como si los personajes se salieran de la obra por un momento para interactuar con los espectadores.

b-¿Qué es el código paralingüístico?

El código paralingüístico es el conjunto de elementos no verbales que acompañan al habla y que aportan información adicional sobre el significado, la intención y la emoción del mensaje. Incluye aspectos como:

• El tono de voz: Agudo, grave, ascendente, descendente.
• El volumen: Alto, bajo, susurros.
• El ritmo: Rápido, lento, pausado.
• La entonación: Melódica, monótona, enfática.
• Las pausas y silencios: Significativos, dubitativos, dramáticos.

c-¿Por qué son importantes la relajación y la concentración a la hora de interpretar?

La relajación y la concentración son fundamentales para la interpretación porque permiten al actor:

• Controlar su cuerpo y su voz: La relajación libera la tensión muscular y permite un uso más eficiente y expresivo del cuerpo y la voz. La concentración ayuda a evitar distracciones y a mantener el foco en la tarea interpretativa. Su relación se puede representar con la siguiente ecuación: $C = \\\\frac{1}{T}$, donde $C$ es la concentración y $T$ es la tensión. A mayor tensión, menor concentración.
• Acceder a su imaginación y a sus emociones: La relajación crea un estado de apertura y receptividad que facilita el acceso al mundo interior del actor. La concentración permite canalizar la energía creativa y dar forma a las emociones del personaje.
• Estar presente en el momento: La relajación y la concentración ayudan al actor a estar plenamente presente en el aquí y ahora de la escena, respondiendo de manera genuina a los estímulos y a los demás actores.

d-¿Cuál es la función del regidor?

El regidor es el responsable de coordinar todos los aspectos técnicos y organizativos de una representación teatral durante los ensayos y las funciones. Es el enlace entre el director y los equipos técnicos, y se encarga de:

• Seguir el guion y dar las entradas a los actores: Indica a los actores cuándo deben entrar y salir de escena, y cuándo deben decir sus líneas.
• Coordinar los cambios de escena, luces, sonido y efectos especiales: Asegura que todos los elementos técnicos se ejecuten en el momento preciso y de acuerdo con las indicaciones del director.
• Resolver cualquier problema técnico que surja durante la función: Actúa como solucionador de problemas, asegurando que la función continúe sin interrupciones.
• Velar por la seguridad de los actores y del equipo técnico: Supervisa que se cumplan las normas de seguridad en el escenario.

e-¿Qué es la acción psicofísica?

La acción psicofísica es un concepto central en el sistema de Stanislavski que se refiere a la interconexión entre las acciones físicas y las emociones. Según Stanislavski, el actor puede acceder a las emociones del personaje a través de la realización de acciones físicas concretas y precisas. La idea es que la acción física genera una respuesta emocional orgánica y auténtica. Por ejemplo, la acción física de escribir una carta ($A$) puede generar la emoción de amor ($E$) si el personaje está enamorado, se puede representar como $E = f(A)$.

f-¿Qué le ocurre en el proceso de crisis al personaje?

En el proceso de crisis, el personaje se enfrenta a un conflicto interno o externo que le obliga a tomar decisiones difíciles y a cambiar su forma de ser o de actuar. La crisis es un punto de inflexión en la historia del personaje, y suele implicar:

• Un desafío a sus creencias o valores: El personaje se ve confrontado con una situación que pone a prueba sus convicciones más profundas.
• Una pérdida o una amenaza: El personaje puede perder algo o a alguien importante, o puede enfrentarse a una amenaza que pone en peligro su seguridad o su bienestar.
• Una toma de conciencia: El personaje puede descubrir algo sobre sí mismo o sobre el mundo que le rodea que le obliga a replantearse su vida.
• Una transformación: Como resultado de la crisis, el personaje experimenta un cambio significativo en su personalidad, sus relaciones o su situación.

La crisis es un momento crucial en el desarrollo del personaje, y suele ser el motor que impulsa la acción de la obra hacia el clímax y el desenlace.