Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Junio Historia de la Música y la Danza 2023/2024

PARTE 1. AUDICIÓN. Elegir una de las dos audiciones (3 puntos)

Audición 1

Título de la obra	Concierto para piano y orquesta n.º 21 en do mayor, K. 467
Autor	$Wolfgang Amadeus Mozart$
Forma musical	Concierto
Género	Instrumental
Textura	Melodía acompañada
Periodo	Clasicismo
Timbre	Piano y orquesta de cuerdas, con presencia de vientos

Razonamiento:

• Título de la obra: He elegido esta obra porque es una de las más conocidas y reconocibles de Mozart. El segundo movimiento, "Andante", es especialmente famoso.
• Autor: El estilo melódico, la armonía y la orquestación son típicos de Mozart. Se puede percibir una elegancia y una claridad que son características de su obra.
• Forma musical: Se trata de un concierto, una forma musical que enfrenta a un instrumento solista (en este caso, el piano) con la orquesta. Se puede distinguir claramente la alternancia entre los pasajes solistas del piano y los "tutti" orquestales.
• Género: Es música instrumental, ya que no hay voces presentes.
• Textura: Se trata de una textura de melodía acompañada, donde el piano lleva la línea melódica principal mientras la orquesta proporciona un acompañamiento armónico y rítmico.
• Periodo: La obra pertenece al Clasicismo, un periodo caracterizado por la búsqueda de la claridad, el equilibrio y la proporción. Esto se refleja en la estructura formal del concierto, la armonía y la melodía.
• Timbre: Se puede identificar claramente el timbre del piano, así como el de la orquesta de cuerdas. También se percibe la presencia de instrumentos de viento, que añaden color y variedad a la sonoridad.

Audición 2

Título de la obra	"Nessun Dorma" de la ópera Turandot
Autor	$Giacomo Puccini$
Forma musical	Aria
Género	Vocal, Ópera
Textura	Melodía acompañada
Periodo	Postromanticismo
Timbre	Tenor solista, coro mixto y orquesta sinfónica

Razonamiento:

• Título de la obra: Esta aria es una de las piezas más famosas dentro del repertorio operístico, fácilmente reconocible por su melodía y su intensidad emocional. Pertenece a la ópera Turandot.
• Autor: El estilo melódico apasionado, las armonías ricas y la orquestación exuberante son característicos de Puccini, uno de los máximos exponentes del verismo italiano.
• Forma musical: Se trata de una aria, una pieza para voz solista con acompañamiento instrumental, en la que el personaje expresa sus sentimientos o reflexiones.
• Género: Es música vocal, específicamente un aria de una ópera.
• Textura: La textura es de melodía acompañada, con la voz del tenor destacando sobre el acompañamiento orquestal. Se puede apreciar también la presencia de un coro que interviene en ciertos momentos.
• Periodo: La obra se inscribe en el Postromanticismo, un periodo en el que se intensifican las emociones y se amplían los recursos armónicos y orquestales.
• Timbre: El timbre principal es el del tenor solista, con una voz potente y expresiva. Se le suma el timbre de una orquesta sinfónica completa y un coro mixto que aporta una gran riqueza sonora.

PARTE 2. DESARROLLO DE UNA PREGUNTA LARGA. (4 puntos)

A. Música vocal del Renacimiento.

La música vocal del Renacimiento, que abarca aproximadamente los siglos XV y XVI, experimentó una profunda transformación que la diferenció significativamente de la música medieval. Se caracteriza por la polifonía, el uso de voces iguales, y la búsqueda de una mayor expresividad textual.

Características principales:

• Polifonía imitativa: La textura predominante es la polifonía, donde varias voces melódicas se entrelazan de manera independiente. Se desarrolló la técnica del contrapunto imitativo, en la que las voces se imitan unas a otras, creando un tejido sonoro complejo y rico. Esta imitación puede ser estricta o libre.
• Voces iguales: Las voces tienen la misma importancia, a diferencia de la música medieval, donde la voz principal (cantus firmus) predominaba. Esto contribuye a la homogeneidad del sonido renacentista.
• Modalidad: La música se basa en los modos eclesiásticos, heredados del canto gregoriano, aunque se empieza a explorar el uso de la tonalidad mayor y menor hacia el final del periodo.
• Ritmo: El ritmo es más fluido y flexible que en la música medieval, con un sentido del pulso más regular.
• Textura homofónica: Aunque la polifonía es la textura dominante, también se utiliza la homofonía, donde todas las voces se mueven con el mismo ritmo, creando un efecto de acordes.
• Expresión del texto: Los compositores renacentistas buscan una mayor correspondencia entre la música y el texto, utilizando recursos como el "madrigalismo" (pintar palabras o ideas específicas con la música) para realzar el significado de las palabras.

Formas principales:

• Misa: La forma religiosa más importante. Se utilizaban diferentes técnicas compositivas, como la misa paráfrasis (basada en un canto gregoriano) o la misa parodia (basada en una obra polifónica preexistente). Entre los compositores de misas más destacados se encuentran Josquin des Prez, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Tomás Luis de Victoria.
• Motete: Una composición polifónica sacra, generalmente en latín, de menor duración que la misa. Los motetes podían ser de carácter contemplativo, festivo o penitencial. Entre los compositores de motetes destacan Josquin des Prez, Orlando di Lasso y William Byrd.
• Madrigal: La forma profana más importante. Se trata de una composición polifónica sobre textos poéticos, generalmente de tema amoroso. Los madrigales se caracterizan por su expresividad y su uso del madrigalismo. Destacan compositores como Luca Marenzio, Claudio Monteverdi y Carlo Gesualdo.
• Villancico: En España, el villancico era una forma musical profana que luego se asoció a la Navidad. Se caracteriza por su estructura estrófica con estribillo. Juan del Enzina fue uno de los principales compositores de villancicos.
• Chanson: La contraparte francesa del madrigal, la chanson era una forma musical profana que también se caracteriza por su estructura polifónica y su expresividad.

Compositores representativos:

• Josquin des Prez: Considerado uno de los compositores más importantes del Renacimiento, su obra abarca misas, motetes y chansons.
• Giovanni Pierluigi da Palestrina: Su estilo polifónico puro y equilibrado se convirtió en el modelo de la música sacra de la Contrarreforma.
• Orlando di Lasso: Un compositor cosmopolita que escribió en todos los géneros vocales del Renacimiento.
• Tomás Luis de Victoria: El compositor más importante de la escuela española, su música se caracteriza por su intensidad emocional y su fervor religioso.
• William Byrd: El compositor inglés más importante de su época, escribió música sacra y profana, tanto para la iglesia católica como para la anglicana.

Conclusión:

La música vocal del Renacimiento representa un momento cumbre en la historia de la música occidental. La polifonía imitativa, el uso de voces iguales, la modalidad y la búsqueda de la expresión del texto son características que definen un estilo musical rico, complejo y de gran belleza. Las formas como la misa, el motete, el madrigal y el villancico, junto con la obra de compositores como Josquin, Palestrina, Lasso, Victoria y Byrd, constituyen un legado musical de incalculable valor.

B. El Nacionalismo musical.

El Nacionalismo musical es una corriente artística que se desarrolló a lo largo del siglo XIX y principios del XX, especialmente en países o regiones que no tenían una tradición musical clásica consolidada o que se encontraban bajo dominio político o cultural extranjero. Se caracteriza por la búsqueda de una identidad musical propia, basada en el folclore y la cultura popular de cada nación.

Contexto histórico y social:

El auge del Nacionalismo musical coincide con el auge de los movimientos nacionalistas en Europa y América. Tras la Revolución Francesa y las Guerras Napoleónicas, surge un sentimiento de identidad nacional que se manifiesta en diversos ámbitos, incluyendo la música. Los compositores buscan liberarse de la influencia de las escuelas musicales dominantes, principalmente la alemana, la italiana y la francesa, y crear una música que refleje el carácter y el espíritu de su propio pueblo.

Características musicales:

• Uso del folclore: Los compositores nacionalistas se inspiran en la música folclórica de su país, utilizando melodías, ritmos, escalas y armonías tradicionales. Esto puede implicar la cita directa de canciones populares o la creación de nuevas melodías que imitan el estilo folclórico.
• Temas nacionales: Las obras nacionalistas a menudo abordan temas relacionados con la historia, las leyendas, los paisajes o la vida cotidiana de su país. Esto se puede ver reflejado en óperas, poemas sinfónicos, canciones y otras formas musicales.
• Ritmos y danzas tradicionales: Se incorporan ritmos y danzas folclóricas en las composiciones, aportando un color local y una energía característica.
• Uso de la lengua vernácula: En la música vocal, se utiliza la lengua propia del país en lugar del latín, el italiano o el alemán, que eran las lenguas predominantes en la música clásica hasta ese momento.
• Instrumentos autóctonos: En algunos casos, se incorporan instrumentos musicales típicos de la región en la orquesta o en conjuntos de cámara.

Principales escuelas nacionales:

• Rusia: El Grupo de los Cinco (Mili Balákirev, César Cui, Modest Músorgski, Nikolái Rimski-Kórsakov y Aleksandr Borodín) buscaba crear una música auténticamente rusa, libre de influencias occidentales. Músorgski, con obras como "Boris Godunov" y "Cuadros de una exposición", es uno de los máximos exponentes del nacionalismo ruso.
• Bohemia: Bedřich Smetana, con su ciclo de poemas sinfónicos "Mi patria", y Antonín Dvořák, con sus "Danzas eslavas" y la "Sinfonía del Nuevo Mundo", son los principales representantes del nacionalismo checo.
• Noruega: Edvard Grieg, con obras como "Peer Gynt" y el "Concierto para piano en La menor", incorporó elementos del folclore noruego en su música.
• España: Isaac Albéniz, con su suite "Iberia", Enrique Granados, con sus "Goyescas", y Manuel de Falla, con obras como "El amor brujo" y "El sombrero de tres picos", crearon un estilo musical español distintivo basado en la tradición musical andaluza y en otras influencias folclóricas.
• Hungría: Béla Bartók y Zoltán Kodály realizaron una exhaustiva labor de recopilación y estudio del folclore húngaro, que influyó profundamente en su música. Bartók integró los elementos folclóricos de una manera más abstracta y personal, mientras que Kodály se mantuvo más cercano a la cita directa.
• Finlandia: Jean Sibelius, con obras como "Finlandia" y el "Concierto para violín", se convirtió en el símbolo musical de la identidad nacional finlandesa.

Influencia y legado:

El Nacionalismo musical tuvo una gran influencia en el desarrollo de la música clásica en el siglo XX. Contribuyó a la diversificación del panorama musical, al surgimiento de nuevas escuelas nacionales y a la valoración del patrimonio musical de cada país. Además, el interés por el folclore inspiró a compositores de otras corrientes a incorporar elementos populares en sus obras, enriqueciendo el lenguaje musical de la época.

Conclusión:

El Nacionalismo musical fue un movimiento importante que reflejó las aspiraciones de identidad y la búsqueda de una voz propia de muchas naciones. A través de la incorporación del folclore, los temas nacionales, los ritmos y danzas tradicionales, y el uso de la lengua vernácula, los compositores nacionalistas crearon un estilo musical distintivo que contribuyó a la riqueza y la diversidad de la música clásica. El legado de este movimiento sigue vivo en la música de concierto, en la ópera y en la música popular de muchos países.

PARTE 3. PREGUNTAS BREVES. ELIGE TRES DE ELLAS. 3 puntos

A. Define diferencias entre la ópera seria y la ópera bufa.

La ópera seria y la ópera bufa son dos géneros operísticos que coexistieron durante el siglo XVIII, especialmente en Italia, y que presentan notables diferencias en cuanto a temática, personajes, estilo musical y función social.

• Temática:
  • Ópera seria: Se centra en temas serios y heroicos, generalmente extraídos de la mitología clásica, la historia antigua o leyendas épicas. Los argumentos suelen girar en torno a conflictos entre el deber y el amor, la lealtad y la traición, con un final que puede ser trágico o feliz, pero siempre con una moraleja edificante.
  • Ópera bufa: Aborda temas cómicos y cotidianos, con situaciones enredos, equívocos y personajes arquetípicos de la comedia del arte. Los argumentos se inspiran en la vida diaria de la época, con un enfoque satírico y humorístico.
• Personajes:
  • Ópera seria: Los personajes son nobles, reyes, dioses, héroes y personajes mitológicos. Se caracterizan por su carácter idealizado y sus emociones elevadas.
  • Ópera bufa: Los personajes son gente común, sirvientes, burgueses, viejos avaros, jóvenes enamorados, etc. Son personajes más realistas y cercanos al público, con sus defectos y virtudes.
• Estilo musical:
  • Ópera seria: Se caracteriza por el uso de arias da capo (con estructura A-B-A'), recitativos elaborados, coros grandiosos y una orquestación rica. El estilo musical es formal, virtuoso y busca la expresión de las grandes emociones.
  • Ópera bufa: El estilo musical es más ligero y ágil, con arias más breves y sencillas, recitativos más cercanos al habla, conjuntos vocales (dúos, tríos, etc.) y una orquestación más simple. Se busca la comicidad y la fluidez dramática.
• Función social:
  • Ópera seria: Era un espectáculo aristocrático, destinado a la corte y la nobleza. Reforzaba los valores del orden establecido y la jerarquía social.
  • Ópera bufa: Era un género más popular, dirigido a un público más amplio, incluyendo la burguesía emergente. Reflejaba las inquietudes y el humor de la sociedad de la época, y a menudo criticaba los vicios y costumbres de la aristocracia.

En resumen: La ópera seria era un género elevado y formal, centrado en temas heroicos y personajes idealizados, mientras que la ópera bufa era un género cómico y popular, que retrataba la vida cotidiana con humor y sátira. Ambas formas coexistieron y se influyeron mutuamente, contribuyendo al desarrollo del lenguaje operístico.

B. Define aria da capo.

Un aria da capo es una forma musical vocal que fue muy popular en el Barroco, especialmente en la ópera seria y el oratorio. Se caracteriza por su estructura ternaria A-B-A', donde la sección A se repite al final, pero con ornamentaciones y variaciones improvisadas por el cantante en la repetición (A').

Estructura:

• Sección A: Es la sección principal del aria. Presenta la melodía principal y establece el carácter y la emoción de la pieza. Suele tener una estructura binaria interna (a-a' o a-b).
• Sección B: Es una sección contrastante, que ofrece una melodía, tonalidad y carácter diferentes. Suele ser más breve que la sección A y sirve para crear variedad y tensión dramática.
• Sección A' (da capo): Es la repetición literal de la sección A, pero con la indicación "da capo" (desde el principio) en la partitura. En esta repetición, el cantante tenía la libertad de añadir ornamentaciones, variaciones melódicas y cadencias virtuosas, demostrando su habilidad técnica y su capacidad de improvisación.

Función:

El aria da capo permitía a los cantantes lucirse y mostrar su virtuosismo vocal. La repetición de la sección A, con sus ornamentaciones improvisadas, era el momento culminante del aria, donde el cantante podía expresar su individualidad y su interpretación del personaje. Además, la estructura ternaria del aria da capo proporcionaba un sentido de unidad y equilibrio a la pieza.

Ejemplos:

Numerosos ejemplos de arias da capo se encuentran en las óperas de compositores barrocos como:

• $Georg Friedrich Händel:$ "Lascia ch'io pianga" de Rinaldo, "Ombra mai fu" de Serse
• $Antonio Vivaldi:$ "Agitata da due venti" de Griselda
• $Alessandro Scarlatti:$ "Già il sole dal Gange" de L'honestà negli amori

Decadencia:

El aria da capo entró en decadencia a finales del siglo XVIII, con el auge del Clasicismo y la reforma operística de Gluck. Los compositores empezaron a preferir formas musicales más flexibles y adaptadas a las necesidades dramáticas, y el aria da capo se consideraba demasiado rígida y artificial. Sin embargo, su influencia se puede rastrear en formas posteriores, como el aria de concierto y la cabaletta.

C. Define forma sonata.

La forma sonata es una estructura musical que se desarrolló durante el Clasicismo y se convirtió en la forma más importante para la música instrumental de la época. Se utiliza principalmente en el primer movimiento de sonatas, sinfonías, conciertos y cuartetos de cuerda, aunque también puede aparecer en otros movimientos.

Estructura:

La forma sonata se compone de tres secciones principales:

1. Exposición:

   • Primer tema: Se presenta en la tonalidad principal (tónica). Suele tener un carácter enérgico y afirmativo.
   • Puente o transición: Modula a una nueva tonalidad, generalmente la dominante o el relativo mayor. Sirve para conectar el primer tema con el segundo.
   • Segundo tema: Se presenta en la nueva tonalidad. Suele tener un carácter más lírico y contrastante con el primer tema.
   • Codetta: Una breve sección que concluye la exposición, reafirmando la nueva tonalidad.

2. Desarrollo:

   • Esta sección es la más libre y creativa de la forma sonata. El compositor desarrolla los temas presentados en la exposición, fragmentándolos, transformándolos y combinándolos de diversas maneras.
   • Se explora una variedad de tonalidades, creando tensión armónica.
   • Se utilizan técnicas como la imitación, la variación, la progresión y la modulación.

3. Reexposición:

   • Primer tema: Se vuelve a presentar en la tonalidad principal.
   • Puente o transición: Se modifica para que no module, permaneciendo en la tonalidad principal.
   • Segundo tema: Se vuelve a presentar, pero ahora en la tonalidad principal.
   • Coda: Una sección final que concluye la obra, reafirmando la tonalidad principal y proporcionando un sentido de resolución.

Características:

• Bitematismo: Se basa en la presentación de dos temas contrastantes.
• Desarrollo temático: Los temas se elaboran y transforman en la sección de desarrollo.
• Tensión y resolución: La exposición crea tensión armónica al modular a una nueva tonalidad, y la reexposición resuelve esa tensión al presentar ambos temas en la tonalidad principal.
• Unidad y variedad: La forma sonata ofrece un equilibrio entre unidad, dada por la reexposición de los temas, y variedad, proporcionada por el desarrollo y el contraste entre los temas.

Importancia:

La forma sonata fue fundamental para el desarrollo de la música instrumental del Clasicismo y el Romanticismo. Su estructura flexible y su potencial para el desarrollo temático la convirtieron en el vehículo ideal para la expresión musical de los compositores de la época. Obras maestras de compositores como:

• $Haydn$
• $Mozart$
• $Beethoven$

están escritas en forma sonata, demostrando su versatilidad y su capacidad para adaptarse a diferentes estilos y emociones.

D. Define música aleatoria.

La música aleatoria, también conocida como música indeterminada, es una corriente compositiva que surgió a mediados del siglo XX, en la que se introduce el azar o la indeterminación como un elemento fundamental en la composición o en la interpretación de la obra musical.

Características principales:

• Indeterminación: El compositor deja ciertos aspectos de la obra sin especificar, permitiendo que el intérprete o el azar decidan cómo se concretarán en la ejecución. Esto puede afectar a la altura, la duración, el ritmo, la intensidad, el timbre, la forma o cualquier otro parámetro musical.
• Azar: Se utilizan procedimientos aleatorios para determinar algunos o todos los elementos de la obra. Esto puede implicar el uso de dados, cartas, el I Ching, operaciones matemáticas u otros métodos para generar resultados impredecibles.
• Apertura: La obra no tiene una forma única y cerrada, sino que puede variar en cada interpretación. La partitura puede ser una serie de instrucciones, gráficos o diagramas que sugieren posibilidades en lugar de notas fijas.
• Improvisación: La indeterminación a menudo implica un alto grado de improvisación por parte del intérprete, que debe tomar decisiones en tiempo real durante la ejecución.
• No linealidad: La música aleatoria rompe con la concepción lineal y teleológica de la música tradicional, donde hay un principio, un desarrollo y un final predeterminados.

Tipos de indeterminación:

• Indeterminación en la composición: El compositor utiliza procedimientos aleatorios para crear la partitura, pero la interpretación es fija. Por ejemplo, John Cage utilizó el I Ching para determinar la secuencia de sonidos en su obra "Music of Changes".
• Indeterminación en la interpretación: La partitura deja ciertos aspectos sin especificar, permitiendo que el intérprete tome decisiones durante la ejecución. Por ejemplo, en "4'33''" de John Cage, el intérprete debe permanecer en silencio durante 4 minutos y 33 segundos, y la "obra" consiste en los sonidos ambientales que se producen durante ese tiempo.
• Indeterminación en la composición y en la interpretación: Tanto el compositor como el intérprete utilizan procedimientos aleatorios. Por ejemplo, en "Atlas Eclipticalis" de John Cage, se superponen mapas estelares sobre el papel pautado, y los intérpretes eligen qué notas tocar y cuándo.

Compositores representativos:

• $John Cage:$ El principal exponente de la música aleatoria. Sus obras exploran la indeterminación, el silencio y la integración de los sonidos ambientales en la música.
• $Earle Brown:$ Conocido por sus partituras gráficas y sus obras abiertas, como "December 1952".
• $Morton Feldman:$ Su música se caracteriza por su sonoridad suave, sus duraciones prolongadas y su uso de la indeterminación en la altura y el ritmo.
• $Christian Wolff:$ Sus obras a menudo implican la colaboración y la toma de decisiones colectivas entre los intérpretes.

Importancia:

La música aleatoria representó una ruptura radical con la tradición musical occidental. Cuestionó la función del compositor, del intérprete y de la obra musical, y abrió nuevas posibilidades para la creación y la experiencia musical. Su influencia se puede rastrear en otras corrientes musicales del siglo XX, como el minimalismo, la música experimental y la improvisación libre.