Examen Resuelto Prueba Acceso UCM Historia del Arte 2023

OPCIÓN A

1.- El Arte Romano en Hispania: obras representativas.

El arte romano en Hispania es el resultado de la profunda romanización de la península Ibérica tras su conquista, iniciada en el siglo III a.C. y consolidada durante el Imperio. Este arte no fue una mera copia de los modelos de Roma, sino que se adaptó a las condiciones locales, integrando a menudo elementos indígenas y desarrollando características propias, aunque siempre dentro de los cánones estéticos y funcionales romanos. Su propósito principal era utilitario y de propaganda, manifestando el poder y la civilización de Roma.

Las manifestaciones más significativas se centran en:

• Arquitectura e Ingeniería Civil: Roma destacó por su pragmatismo y capacidad constructiva, legando a Hispania infraestructuras monumentales.

  • Obras de ingeniería: Son fundamentales para la vertebración del territorio y la vida urbana. Destacan los acueductos, como el imponente Acueducto de Segovia, con su doble arquería de granito perfectamente ensamblado sin argamasa, o el Acueducto de los Milagros en Mérida (Emerita Augusta), con sus robustos pilares y arcos de ladrillo y piedra. Los puentes, como el Puente de Alcántara sobre el Tajo, con su inscripción dedicatoria y sus sólidos arcos, o el Puente Romano de Mérida sobre el Guadiana, son testimonio de la pericia ingenieril. Las calzadas, como la Vía Augusta, articulaban la comunicación en toda la península.
  • Urbanismo: Las ciudades se planificaban siguiendo el modelo de campamento militar (castrum), con trazado ortogonal (cardo y decumano) y un centro cívico, el foro, donde se ubicaban los principales edificios públicos. Ejemplos notables son Emerita Augusta (Mérida), Tarraco (Tarragona) e Itálica (Santiponce, Sevilla). En estas ciudades encontramos:
    • Edificios para espectáculos: El Teatro y Anfiteatro de Mérida son quizás los mejor conservados. El teatro, con su scaenae frons ricamente decorado, y el anfiteatro, destinado a luchas de gladiadores y fieras, reflejan la importancia del ocio en la vida romana. También destacan el Teatro y Anfiteatro de Tarraco.
    • Templos: Dedicados a la tríada capitolina o al culto imperial. Sobresalen el llamado Templo de Diana en Mérida, de orden corintio y períptero, o el Templo Romano de Vic.
    • Monumentos conmemorativos: Los arcos de triunfo, como el Arco de Bará en Tarragona o el Arco de Medinaceli, exaltaban victorias militares o el poder imperial.
  • Murallas: Ciudades como Lugo (Lucus Augusti) conservan casi íntegro su perímetro amurallado, un ejemplo excepcional de arquitectura militar romana tardía.

• Escultura: Aunque a menudo importada o realizada por talleres itálicos, la escultura romana en Hispania incluye excelentes retratos imperiales y de particulares, buscando el realismo característico romano, y relieves históricos o mitológicos que decoraban edificios y monumentos.

• Mosaico: Floreció especialmente en las villas rurales, residencias de la aristocracia terrateniente. Los mosaicos pavimentales hispanos, como los hallados en la Villa de La Olmeda (Palencia) o la Villa de Carranque (Toledo), muestran una gran riqueza temática (mitología, escenas de caza, geométricas) y una notable calidad técnica, con uso de teselas de diversos materiales y colores (opus tessellatum).

En resumen, el arte romano en Hispania es un legado monumental y duradero que evidencia la profunda huella de Roma en la península, destacando por su funcionalidad, solidez constructiva y capacidad para organizar el territorio y la vida urbana, dejando ejemplos arquitectónicos y artísticos de primer orden.

2.- Dalí y el Surrealismo.

Salvador Dalí es una de las figuras más emblemáticas y controvertidas del Surrealismo, movimiento artístico y literario surgido en París en la década de 1920 bajo el liderazgo de André Breton. El Surrealismo buscaba liberar el potencial creativo del inconsciente, explorando el mundo de los sueños, lo irracional y lo automático como fuentes de inspiración artística, influido en gran medida por las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud.

Dalí se unió oficialmente al grupo surrealista parisino en 1929, aportando una vertiente particular y muy personal al movimiento. Su contribución fundamental fue el desarrollo del método paranoico-crítico. Este método, según lo describía el propio Dalí, consistía en "un método espontáneo de conocimiento irracional basado en la asociación interpretativo-crítica de los fenómenos delirantes". En esencia, Dalí buscaba simular estados de paranoia para acceder a las imágenes del subconsciente y plasmarlas en sus obras con una precisión casi fotográfica. A diferencia del automatismo psíquico que practicaban otros surrealistas (como Miró o Masson), que buscaba la espontaneidad del trazo sin control consciente, Dalí utilizaba una técnica pictórica meticulosa, académica y detallista, heredera de los grandes maestros clásicos (como Velázquez o Vermeer), para representar escenas oníricas, ilógicas y perturbadoras con un realismo exacerbado. Esta combinación de realismo técnico y contenido irracional crea un efecto chocante y enigmático característico de su obra.

Las características principales de la obra surrealista de Dalí incluyen:

• Iconografía obsesiva y recurrente: Sus cuadros están poblados de imágenes simbólicas que se repiten y transforman, extraídas de sus obsesiones personales, miedos y deseos: relojes blandos (símbolo de la relatividad del tiempo y la memoria), muletas (apoyo para la "blandura" de la realidad), hormigas (putrefacción, deseo), huevos (vida prenatal, pureza), figuras alargadas y deformadas, cajones (secretos del inconsciente), paisajes desérticos y oníricos (influencia del paisaje de Cadaqués).
• Realismo fotográfico: Una técnica depurada y minuciosa para dotar de verosimilitud a las escenas más absurdas e irracionales, creando lo que él llamaba "fotografías de sueños pintadas a mano".
• Imágenes dobles o invisibles: El método paranoico-crítico le permitía crear composiciones donde una misma forma puede ser interpretada de múltiples maneras, revelando figuras ocultas o ambiguas (ej. El enigma sin fin).
• Temáticas: Exploración del subconsciente, el mundo de los sueños, el deseo sexual (a menudo ligado a la figura de Gala, su musa y esposa), la muerte, la putrefacción, la religión (en su etapa posterior) y la ciencia.
• Excentricidad y autopromoción: Dalí cultivó una imagen pública excéntrica y provocadora, convirtiéndose a sí mismo en una obra de arte surrealista andante, lo que contribuyó enormemente a su fama pero también le generó conflictos con el grupo surrealista ortodoxo, del que fue expulsado por Breton debido a su aparente comercialismo y posturas políticas ambiguas.

Obras representativas de su período surrealista:

• La persistencia de la memoria (1931): Su obra más icónica, con los famosos relojes blandos derritiéndose en un paisaje desolado.
• El gran masturbador (1929): Una compleja alegoría de sus ansiedades sexuales y personales.
• Construcción blanda con judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) (1936): Una visión angustiosa y grotesca que anticipa el conflicto español.
• Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar (1944): Ejemplo de su capacidad para plasmar la lógica interna de los sueños.

En conclusión, Dalí fue una figura crucial dentro del Surrealismo, al que aportó una metodología y un estilo únicos. Su método paranoico-crítico y su virtuosismo técnico le permitieron crear algunas de las imágenes más potentes e inolvidables del arte del siglo XX, explorando las profundidades del subconsciente humano con una originalidad y una fuerza visual extraordinarias.

3.- La pintura renacentista: Masaccio, Fra Angelico y Botticelli.

La pintura del Renacimiento italiano, especialmente durante el Quattrocento (siglo XV) en Florencia, marcó una ruptura radical con la tradición gótica medieval y sentó las bases de la representación moderna. Se caracterizó por un renovado interés en el arte de la Antigüedad clásica, el estudio de la naturaleza, la aplicación de principios científicos como la perspectiva lineal, y una nueva concepción del ser humano como centro del universo (humanismo). Dentro de este contexto florentino, Masaccio, Fra Angelico y Sandro Botticelli representan tres facetas distintas y fundamentales de esta revolución pictórica.

• Masaccio (Tommaso di Ser Giovanni di Simone, 1401-1428): Es considerado uno de los pioneros y grandes innovadores de la pintura renacentista. A pesar de su corta vida, su obra supuso un antes y un después.

  • Características: Su principal aportación fue la introducción de un naturalismo y un realismo sin precedentes, rompiendo con la idealización y estilización góticas. Representó figuras humanas con una monumentalidad escultórica, dotadas de peso, volumen y una fuerte presencia física, inspirándose en Giotto y en la escultura de Donatello. Fue uno de los primeros en aplicar sistemáticamente las leyes de la perspectiva lineal, descubiertas por Brunelleschi, para crear espacios tridimensionales convincentes en sus composiciones (ej. La Santísima Trinidad en Santa Maria Novella, Florencia). Utilizó la luz de manera realista para modelar las figuras y definir el espacio (claroscuro). Sus personajes expresan emociones humanas con una intensidad y dignidad nuevas.
  • Obras clave: Los frescos de la Capilla Brancacci en Santa Maria del Carmine, Florencia (ca. 1424-1427), especialmente El tributo de la moneda y La expulsión de Adán y Eva del Paraíso, son un manifiesto de su estilo revolucionario. La Santísima Trinidad (ca. 1425-1427) es un ejemplo magistral de uso de la perspectiva y representación teológica humanizada.

• Fra Angelico (Guido di Pietro, c. 1395-1455): Fraile dominico, su arte combina la piedad religiosa con las novedades renacentistas, creando un estilo único lleno de lirismo y espiritualidad.

  • Características: Aunque adoptó elementos renacentistas como cierto interés por la perspectiva y el volumen, su estilo conserva una elegancia y un detallismo derivados de la tradición gótica y miniaturista. Es célebre por su uso magistral del color, aplicando pigmentos brillantes y puros, y por su tratamiento de la luz, que a menudo tiene una cualidad diáfana y trascendente, casi divina. Sus figuras, aunque con cierta solidez, poseen una gracia delicada y transmiten una profunda serenidad espiritual y devoción. Su temática es exclusivamente religiosa.
  • Obras clave: Los frescos del Convento de San Marcos en Florencia (década de 1440), pintados para la meditación de los frailes, son de una belleza íntima y conmovedora (ej. La Anunciación del pasillo norte). Retablos como La Anunciación del Museo del Prado o La Coronación de la Virgen del Louvre muestran su habilidad compositiva y su exquisito cromatismo.

• Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, 1445-1510): Representa la faceta más lírica y cortesana del Renacimiento florentino, especialmente bajo el mecenazgo de los Médici.

  • Características: Su estilo se define por la primacía de la línea, fluida, elegante y sinuosa, que define las formas y crea ritmos armoniosos. Sus figuras son idealizadas, alargadas y de una belleza melancólica y grácil, a menudo alejadas del naturalismo robusto de Masaccio. Recuperó temas mitológicos de la Antigüedad clásica, interpretándolos a través del filtro del neoplatonismo de la corte medicea, que buscaba conciliar la filosofía clásica con el cristianismo. Su uso del color es claro y luminoso, aunque puede variar según la etapa. En su última fase, influido por la predicación de Savonarola, su estilo se volvió más austero, dramático y emocional, centrándose en temas religiosos con una intensa carga espiritual.
  • Obras clave: La Primavera (c. 1482) y El nacimiento de Venus (c. 1484-1486), ambas en los Uffizi, son ejemplos supremos de su estilo lineal, su gracia compositiva y su interés por la mitología neoplatónica. La Adoración de los Magos (Uffizi) muestra su habilidad retratística (incluyendo a miembros de la familia Médici). Obras tardías como La Calumnia de Apeles o la Natividad Mística reflejan su cambio hacia una mayor expresividad y dramatismo religioso.

En síntesis, Masaccio aportó el realismo, la perspectiva y la monumentalidad; Fra Angelico combinó la espiritualidad medieval con la luz y el color renacentistas; y Botticelli desarrolló un estilo lineal, elegante y poético, recuperando la mitología clásica con sensibilidad neoplatónica. Juntos, ilustran la riqueza y diversidad de la pintura florentina del Quattrocento.

4.- Características generales de Canova.

Antonio Canova (1757-1822) fue el escultor más célebre e influyente del Neoclasicismo europeo. Su obra encarna a la perfección los ideales estéticos de este movimiento, que surgió a mediados del siglo XVIII como reacción contra la frivolidad y el exceso ornamental del Rococó, y que buscaba recuperar la noble sencillez y la serena grandeza del arte de la Antigüedad clásica (Grecia y Roma), impulsado por los descubrimientos arqueológicos (Pompeya y Herculano) y las teorías de historiadores como Johann Joachim Winckelmann.

Las características generales de la escultura de Canova son:

• Idealización clásica: Canova buscaba la belleza ideal, inspirada en la estatuaria griega clásica y helenística. Sus figuras, ya sean mitológicas, históricas o retratos, se caracterizan por la perfección de las formas, la proporción armoniosa y una serenidad y contención emocional típicamente clásicas. Evita el realismo excesivo y la expresión desbordada de emociones.
• Virtuosismo técnico: Poseía una habilidad técnica extraordinaria en el trabajo del mármol. Lograba dotar a la piedra de una suavidad, una tersura y una delicadeza casi carnal, especialmente visible en la representación de la piel y los ropajes. Su tratamiento de las superficies es exquisito, alcanzando un acabado pulido y refinado que él mismo denominaba "ultima mano".
• Gracia y elegancia: Sus composiciones son equilibradas, claras y armoniosas. Las figuras adoptan poses elegantes y pausadas, con un movimiento suave y contenido (influencia del contrapposto clásico). Hay un predominio de la línea curva y sinuosa que aporta delicadeza a las formas.
• Temática: Abordó principalmente temas mitológicos (Psique reanimada por el beso del Amor, Las Tres Gracias, Perseo con la cabeza de Medusa), alegóricos, retratos idealizados (famoso es el de Paulina Bonaparte Borghese como Venus Victrix) y monumentos funerarios (como el de María Cristina de Austria en Viena o el de los Papas Clemente XIII y Clemente XIV en Roma), donde combinaba figuras alegóricas con retratos.
• Pureza del material: Prefería el mármol blanco de Carrara, buscando la pureza y luminosidad del material, sin policromía, siguiendo la interpretación (aunque históricamente inexacta) que el Neoclasicismo hacía de la escultura antigua.
• Influencia: Su taller en Roma fue un centro de peregrinación para artistas y comitentes de toda Europa. Su estilo se convirtió en el canon de la escultura neoclásica y su influencia fue inmensa y duradera, aunque posteriormente sería criticado por cierta frialdad académica por los escultores románticos.

En resumen, Antonio Canova representa la culminación de la escultura neoclásica, caracterizada por la búsqueda de la belleza ideal a través de la inspiración clásica, un virtuosismo técnico insuperable en el tratamiento del mármol, la gracia compositiva y una contención emocional que evoca la "noble sencillez y serena grandeza" propugnada por Winckelmann.

5.- Características de la arquitectura herreriana.

La arquitectura herreriana, también conocida como "estilo herreriano" o "estilo desornamentado", es la corriente arquitectónica que se desarrolló en España durante el último tercio del siglo XVI, coincidiendo fundamentalmente con el reinado de Felipe II (1556-1598). Su máximo exponente y quien le da nombre es el arquitecto Juan de Herrera (1530-1597), aunque sus orígenes se encuentran en la obra de Juan Bautista de Toledo, primer arquitecto de El Escorial. Este estilo se considera la culminación del Renacimiento español, pero con unas características muy particulares que reflejan el contexto histórico e ideológico de la España de la Contrarreforma.

Las características principales de la arquitectura herreriana son:

• Austeridad y sobriedad: Es quizás su rasgo más definitorio. Como reflejo del espíritu de la Contrarreforma y del carácter austero de Felipe II, el estilo herreriano rechaza la ornamentación superflua y la decoración exuberante del Plateresco anterior. Busca la pureza de las formas y la claridad estructural. Se le denomina "estilo desornamentado".

• Predominio de la línea recta y rigor geométrico: Las composiciones se basan en formas geométricas simples (cubos, prismas, pirámides, esferas) y en la repetición modular de elementos. Hay un claro predominio de las líneas rectas y los volúmenes nítidos y bien definidos. La simetría y la axialidad son fundamentales en la organización de las plantas y los alzados.

• Monumentalidad y escala: Las construcciones herrerianas suelen ser de grandes dimensiones, buscando transmitir una imagen de poder, solidez y permanencia, acorde con la grandeza de la Monarquía Hispánica.

• Materiales: Se utiliza principalmente el granito, que aporta robustez y un cromatismo austero (grisáceo), en combinación con la pizarra para las cubiertas inclinadas, que genera un fuerte contraste cromático y se convierte en un elemento distintivo.

• Elementos formales característicos:

  • Cubiertas de pizarra: Empinadas, a cuatro aguas o con formas complejas, rematadas a menudo por agudos chapiteles piramidales de influencia flamenca.
  • Torres: Generalmente cuadrangulares, situadas en las esquinas de los edificios, rematadas por los mencionados chapiteles de pizarra.
  • Fachadas lisas: Los muros son predominantemente lisos, con vanos (ventanas y puertas) distribuidos de forma regular y simétrica, a menudo recercados con molduras simples.
  • "Bolas herrerianas": Pequeños remates esféricos de piedra que se utilizan como elemento decorativo puntual en balaustradas, cornisas o vértices de frontones, siendo uno de los pocos motivos ornamentales permitidos.
  • Uso del orden dórico: Cuando se emplean órdenes clásicos, se prefiere el dórico por ser el más sobrio y robusto, aunque interpretado de forma simplificada.

• Obra cumbre y paradigma: El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial (1563-1584), diseñado inicialmente por Juan Bautista de Toledo y completado por Juan de Herrera, es la obra que define y resume el estilo. Su planta de parrilla, su imponente volumen, sus fachadas desnudas, sus torres y chapiteles, y su atmósfera de severa grandeza lo convierten en el manifiesto de la arquitectura herreriana.

• Influencia: El estilo herreriano tuvo una enorme difusión en España y en sus territorios de ultramar durante el siglo XVII, convirtiéndose en el estilo oficial de la monarquía de los Austrias y dejando numerosos ejemplos en arquitectura civil (palacios, ayuntamientos) y religiosa (iglesias, conventos). Ejemplos de su influencia son el Palacio Ducal de Lerma o la Catedral de Valladolid (proyectada por Herrera).

En definitiva, la arquitectura herreriana es un estilo renacentista genuinamente español, marcado por la austeridad formal, el rigor geométrico, la monumentalidad y el uso característico de materiales como el granito y la pizarra, siendo El Escorial su máxima expresión y reflejo de la ideología de la España de Felipe II.

LÁMINAS: Comentar una de las dos láminas propuestas

Comentario de la Lámina 2 (Guernica de Picasso)

1. Identificación y Clasificación: Nos encontramos ante una reproducción del Guernica, una de las obras más emblemáticas del siglo XX, pintada por Pablo Picasso en 1937. Se trata de un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones (aproximadamente 3,5 x 7,8 metros). Estilísticamente, la obra se enmarca dentro del Cubismo, particularmente en su fase sintética por la simplificación y superposición de planos, pero incorpora también elementos del Expresionismo por su fuerte carga emocional, la distorsión de las figuras y su dramatismo. Pertenece al período de madurez de Picasso, en un momento de fuerte compromiso político y social.

2. Análisis Técnico y Formal:

• Técnica y Materiales: Óleo sobre lienzo. Destaca el uso de una paleta cromática deliberadamente restringida, basada en el monocromatismo (negro, blanco y una gama de grises). Esta ausencia de color acentúa el dramatismo de la escena, le confiere un carácter fúnebre y documental, similar al de una fotografía de prensa de la época, y unifica la composición.
• Composición: La obra presenta una composición aparentemente caótica, pero estructurada de forma compleja. Se organiza en torno a un eje central triangular, cuyo vértice superior es la lámpara eléctrica (o un ojo-sol) y cuya base se extiende por la parte inferior del lienzo con la figura del guerrero muerto. A ambos lados de este triángulo central se distribuyen diversas figuras en un espacio interior/exterior ambiguo y fragmentado. La composición es dinámica, llena de tensión y movimiento, con líneas quebradas y diagonales que contribuyen a la sensación de violencia y caos.
• Figuras y Formas: Las figuras están representadas mediante la estética cubista: formas fragmentadas, geométricas, con múltiples puntos de vista simultáneos (simultaneidad). Los cuerpos están distorsionados de manera expresiva para transmitir dolor, angustia y sufrimiento. Observamos figuras humanas (madre con hijo muerto, guerrero caído, mujer atrapada en el edificio en llamas, mujer portando un candil) y animales (toro, caballo herido, paloma). Todas ellas aparecen en actitudes de desesperación, grito y muerte.
• Espacio y Luz: El espacio es bidimensional, negando la perspectiva tradicional renacentista. Los planos se superponen y se interpenetran, creando un espacio angosto y opresivo. La luz es artificial y dramática, procede principalmente de la lámpara central y del candil, creando fuertes contrastes de claroscuro que modelan las figuras y aumentan la tensión.

3. Análisis Iconográfico y Simbólico: El Guernica es una denuncia del bombardeo de la ciudad vasca de Guernica el 26 de abril de 1937 por la Legión Cóndor alemana, durante la Guerra Civil Española. Picasso transforma este hecho histórico concreto en un símbolo universal del horror de la guerra, la violencia y el sufrimiento infligido a la población civil inocente.

• El toro: Situado a la izquierda, impasible. Su interpretación es ambigua: puede representar la brutalidad, la oscuridad, la resistencia del pueblo español o incluso al propio Picasso como testigo.
• El caballo: En el centro, atravesado por una lanza, relinchando de dolor. Suele interpretarse como el símbolo del pueblo sufriente, de la víctima inocente.
• La madre con el hijo muerto: A la izquierda, bajo el toro. Es una imagen arquetípica del dolor (una Pietà laica), representando el sufrimiento más íntimo y desgarrador.
• El guerrero muerto: En el suelo, fragmentado, con una espada rota y una flor, símbolo quizás de una esperanza truncada.
• La mujer portando el candil: Entra por la derecha, iluminando la escena. Podría simbolizar la República, la conciencia o la búsqueda de la verdad en medio del caos.
• La mujer atrapada en llamas: A la derecha, gritando desesperadamente. Representa el terror y la destrucción directa causada por el bombardeo.
• La lámpara/ojo-sol: En el centro superior. Fuente de luz artificial y dura, puede interpretarse como un ojo divino que todo lo ve, la tecnología destructiva o la luz de la verdad que revela el horror.
• La paloma: Entre el toro y el caballo, apenas visible, herida. Símbolo tradicional de la paz, aquí aparece rota y agonizante.

4. Contexto Histórico y Sociocultural: La obra fue un encargo del Gobierno de la República Española para decorar el pabellón español en la Exposición Internacional de París de 1937. En plena Guerra Civil, se buscaba una obra que denunciara la barbarie del bando franquista y sus aliados y que sirviera como propaganda para recabar apoyo internacional. Picasso, profundamente afectado por la noticia del bombardeo, creó esta obra monumental como un alegato pacifista y antifascista. Tras la exposición, la obra viajó por diversos países para concienciar sobre la guerra y recaudar fondos. Picasso dispuso que el cuadro no volviera a España hasta que se restaurara la democracia, lo que finalmente ocurrió en 1981. Hoy se expone en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

5. Relaciones con otros estilos y valoración personal: El Guernica sintetiza la trayectoria cubista de Picasso y la dota de una carga expresiva y un compromiso político inéditos hasta entonces en su obra de esta magnitud. Se relaciona con la tradición de la pintura de historia (como Los fusilamientos del 3 de mayo de Goya, por su denuncia de la violencia), pero la renueva radicalmente mediante el lenguaje de la vanguardia. Personalmente, considero que el Guernica es una obra maestra absoluta y uno de los iconos del arte del siglo XX. Su fuerza expresiva, su capacidad para transmitir el horror y la angustia de la guerra a través de un lenguaje formal innovador, y su conversión en un símbolo universal de paz y denuncia de la violencia, la convierten en una pieza fundamental de la historia del arte y de la conciencia humana. A pesar de la complejidad de su lenguaje cubista, su mensaje es directo y conmovedor, manteniendo una vigencia estremecedora en el mundo actual.