Examen Resuelto Prueba Acceso Universidad UCM Historia del Arte 2025

OPCIÓN A

1. Los órdenes arquitectónicos en la Antigua Grecia

Razonamiento: Para responder adecuadamente a esta pregunta, es fundamental definir qué son los órdenes arquitectónicos griegos, identificar los tres principales (Dórico, Jónico y Corintio) y describir detalladamente sus componentes y características distintivas, así como su evolución y significado estético. Se busca demostrar un conocimiento preciso de la terminología y la capacidad de comparar y contrastar los órdenes.

Respuesta: Los órdenes arquitectónicos en la Antigua Grecia son estilos constructivos canónicos que definen el sistema de proporciones, formas y decoración de los elementos sustentantes (columnas) y sustentados (entablamento) de un edificio, principalmente templos. Reflejan la búsqueda griega de la armonía, la proporción y la belleza ideal basada en principios matemáticos. Los tres órdenes principales son:

1. Orden Dórico:

   • Origen y Carácter: Es el más antiguo (s. VII a.C.) y sobrio. Originario del Peloponeso, se asocia con la robustez y la sencillez masculina.
   • Columna: Carece de basa, apoyándose directamente sobre el estilóbato (último escalón del basamento o crepidoma). El fuste es robusto, estriado con aristas vivas (generalmente 20 estrías) y presenta éntasis (ligero ensanchamiento central para corregir la ilusión óptica de concavidad). El capitel consta de dos partes: el equino (elemento circular moldurado similar a una almohadilla) y el ábaco (pieza prismática cuadrada que conecta con el entablamento).
   • Entablamento: Se compone de:
     • Arquitrabe: Liso y de gran altura.
     • Friso: Se divide en triglifos (placas verticales con tres estrías) y metopas (espacios cuadrados, a menudo decorados con relieves). La alternancia triglifo-metopa es característica.
     • Cornisa: Parte saliente que remata el entablamento, protegiendo el friso.
   • Ejemplo: El Partenón de Atenas (aunque con algunas influencias jónicas).

2. Orden Jónico:

   • Origen y Carácter: Surge en las costas de Asia Menor y las islas del Egeo hacia el s. VI a.C. Es más esbelto y decorativo que el dórico, asociándose con la gracia y la elegancia femenina.
   • Columna: Se apoya sobre una basa moldurada (elemento de transición entre el fuste y el estilóbato). El fuste es más esbelto, con estrías de cantos planos (generalmente 24) y menor éntasis. El capitel es su rasgo más distintivo, caracterizado por las volutas (espirales) laterales que unen el equino (decorado con ovas) y el ábaco (más estrecho y a veces moldurado).
   • Entablamento:
     • Arquitrabe: Suele dividirse en tres bandas horizontales superpuestas (fasciae).
     • Friso: Es una banda continua, sin división de triglifos y metopas, a menudo decorada con relieves narrativos.
     • Cornisa: Similar a la dórica pero a menudo con dentículos (pequeños bloques decorativos).
   • Ejemplo: El Erecteion en la Acrópolis de Atenas.

3. Orden Corintio:

   • Origen y Carácter: Es el más tardío (finales s. V a.C.) y ornamentado. Se considera una variante del jónico, con el que comparte la mayoría de elementos excepto el capitel. Se asocia con la exuberancia y el lujo.
   • Columna: Similar a la jónica (con basa, fuste esbelto y estriado). La gran diferencia radica en el capitel, que tiene forma de campana invertida y está decorado con dos filas de hojas de acanto superpuestas, de entre las cuales surgen caulículos o tallos que se enroscan en volutas (hélices) en las esquinas superiores y en el centro de cada cara.
   • Entablamento: Generalmente sigue las pautas del orden jónico (arquitrabe con fasciae, friso corrido, cornisa a menudo con dentículos).
   • Ejemplo: El Templo de Zeus Olímpico en Atenas.

En resumen, los órdenes griegos establecieron un lenguaje arquitectónico basado en la proporción y la decoración que influyó profundamente en la arquitectura romana y occidental posterior. Cada orden poseía un carácter estético propio, adecuado a diferentes tipos de edificios y contextos.

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2. La escultura de las portadas del Arte Gótico

Razonamiento: Esta pregunta requiere explicar la función, ubicación, iconografía y evolución estilística de la escultura monumental asociada a las portadas de las catedrales góticas. Es importante detallar las partes de la portada (tímpano, arquivoltas, jambas, dintel, parteluz) y cómo se distribuye la escultura en ellas, así como destacar el cambio desde la rigidez románica hacia un mayor naturalismo y humanización en el Gótico.

Respuesta: La escultura de las portadas góticas representa uno de los capítulos más brillantes del arte medieval, transformando las fachadas de las catedrales en auténticas "Biblias en piedra" con una función primordialmente didáctica y doctrinal, destinada a instruir a una población mayoritariamente analfabeta.

• Ubicación y Función: La escultura monumental se concentra en las portadas (principalmente occidentales y del transepto), consideradas el umbral entre el mundo terrenal y el espacio sagrado. Su objetivo es catequético (enseñar la doctrina cristiana), simbólico (representar el orden cósmico y divino) y estético (embellecer el templo).

• Estructura y Distribución Iconográfica: La portada gótica organiza la escultura de manera jerárquica y narrativa en sus distintas partes:

  • Tímpano: Es el espacio semicircular o apuntado sobre el dintel, reservado para el tema principal, generalmente el Juicio Final (en la portada central), escenas de la vida de la Virgen María (muy venerada en el Gótico) o de Cristo, o el santo titular de la iglesia.
  • Arquivoltas: Son las bandas de arcos concéntricos que enmarcan el tímpano. Suelen albergar figuras de ángeles, santos, profetas, ancianos del Apocalipsis o representaciones de las artes liberales, los meses del año o los signos del zodíaco, completando el programa iconográfico principal.
  • Dintel: Viga horizontal sobre las jambas, a menudo decorada con escenas complementarias al tímpano, como la separación de los bienaventurados y los condenados en el Juicio Final, o la resurrección de los muertos.
  • Jambas: Son los soportes verticales a ambos lados de la puerta. Albergan grandes estatuas (estatuas-columna en las primeras etapas, luego más exentas) que representan apóstoles, profetas, santos o personajes del Antiguo Testamento que prefiguran a Cristo.
  • Parteluz (o Trumeau): Pilar central que divide la puerta en dos vanos, frecuentemente ocupado por la figura más importante: Cristo Maestro (Beau Dieu) o la Virgen con el Niño.

• Evolución Estilística: La escultura gótica evoluciona significativamente desde sus inicios (s. XII) hasta su fase final (s. XV):

  • Primer Gótico (Transición del Románico): Las figuras aún muestran cierta rigidez, hieratismo y adaptación al marco arquitectónico (ley del marco), similar al Románico, aunque ya se aprecia una mayor volumetría y un incipiente naturalismo (ej. Pórtico Real de Chartres).
  • Gótico Pleno o Clásico (s. XIII): Se alcanza la culminación del estilo. Las figuras ganan en naturalismo, volumen y autonomía respecto a la arquitectura. Los rostros se individualizan, expresan emociones (la "sonrisa gótica"), los cuerpos adoptan posturas más relajadas (ligero contrapposto), los paños caen con mayor naturalidad y peso. Se busca una belleza idealizada pero más humana (ej. Portadas de Amiens, Reims).
  • Gótico Tardío (ss. XIV-XV): Se acentúa el realismo hasta llegar al detallismo extremo. Las emociones se intensifican, buscando el dramatismo y el patetismo. Las figuras se mueven con mayor libertad, las composiciones se vuelven más complejas y los ropajes adquieren plegados angulosos y abundantes (ej. Portada del Sarmental en Burgos, aunque anterior, muestra ya gran naturalismo).

En conclusión, la escultura de las portadas góticas es un arte monumental al servicio de la fe, que evoluciona desde una subordinación a la arquitectura hacia un naturalismo creciente, una mayor expresividad y una profunda humanización de lo sagrado.

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3. La pintura de Leonardo da Vinci

Razonamiento: Para abordar esta pregunta, es necesario situar a Leonardo como una figura central del Alto Renacimiento italiano (Cinquecento) y analizar las características técnicas y estilísticas que definen su innovadora pintura. Se deben mencionar conceptos clave como el sfumato, el claroscuro, la composición, el estudio psicológico de los personajes y su enfoque científico, ilustrándolo con ejemplos de sus obras más relevantes.

Respuesta: Leonardo da Vinci (1452-1519) es uno de los máximos exponentes del Alto Renacimiento italiano y una figura polifacética cuyo genio abarcó tanto las artes como las ciencias. Su pintura supuso una revolución por su innovación técnica, su profundidad psicológica y su búsqueda de una representación más fiel y atmosférica de la realidad.

Características Principales de su Pintura:

1. Sfumato: Es quizás su aportación más característica. Consiste en difuminar los contornos de las figuras y los objetos mediante una transición muy suave entre luces y sombras, creando una atmósfera vaporosa y eliminando las líneas definidas. Esto aporta un gran realismo atmosférico, funde las figuras con el paisaje y dota a las obras de un halo de misterio y suavidad. Es claramente visible en los rostros y paisajes de la Mona Lisa o La Virgen de las Rocas.
2. Claroscuro (Chiaroscuro): Leonardo utilizó magistralmente el contraste entre luces y sombras para modelar las figuras, darles volumen y tridimensionalidad, y crear focos de atención dramática. Aunque no llega al tenebrismo barroco, su uso del claroscuro es fundamental para la composición y la expresividad.
3. Composición: Sus composiciones son cuidadosamente estudiadas, buscando el equilibrio, la armonía y la claridad narrativa. A menudo utiliza esquemas geométricos, como la pirámide, para organizar a los personajes principales, confiriendo estabilidad y monumentalidad a la escena (ej. La Virgen, el Niño Jesús y Santa Ana, La Virgen de las Rocas). En La Última Cena, organiza a los apóstoles en grupos de tres, generando dinamismo y variedad dentro de una estructura simétrica centrada en Cristo.
4. Profundidad Psicológica: Leonardo superó la mera representación física para explorar los estados de ánimo y las emociones de sus personajes ("los movimientos del alma"). Sus figuras muestran gestos, miradas y expresiones que revelan su mundo interior, como la enigmática sonrisa de la Gioconda o las diversas reacciones de los apóstoles en La Última Cena al anuncio de la traición.
5. Estudio de la Naturaleza y la Anatomía: Como científico, Leonardo realizó profundos estudios de anatomía humana, botánica, geología y óptica, que aplicó directamente en su pintura. Esto se refleja en la corrección anatómica de sus figuras, la precisión en la representación de plantas y rocas, y el realismo de sus paisajes y fenómenos atmosféricos.
6. Experimentación Técnica: Su afán investigador le llevó a experimentar con las técnicas pictóricas, a veces con resultados desafortunados en cuanto a la conservación (como el óleo sobre yeso en La Última Cena). Sin embargo, esta experimentación también fue clave para lograr efectos como el sfumato.

Obras Clave:

• La Anunciación (Uffizi): Obra temprana donde ya se aprecian su interés por la perspectiva y el paisaje.
• La Virgen de las Rocas (Louvre y National Gallery): Ejemplo paradigmático del sfumato, el claroscuro y la composición piramidal en un paisaje misterioso.
• La Última Cena (Santa Maria delle Grazie, Milán): Fresco mural (técnica mixta experimental) de enorme impacto dramático y psicológico, con una composición magistral.
• La Gioconda o Mona Lisa (Louvre): Quizás el retrato más famoso del mundo, cumbre del sfumato y de la captación psicológica.
• San Juan Bautista (Louvre): Obra tardía que intensifica el uso del claroscuro y el sfumato para crear una figura andrógina y enigmática.

En definitiva, la pintura de Leonardo da Vinci marcó un antes y un después en la Historia del Arte por su combinación de rigor científico, innovación técnica y profunda sensibilidad artística, sentando las bases para el desarrollo posterior de la pintura occidental.

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4. La pintura romántica en Francia (Ingres, Géricault y Delacroix)

Razonamiento: La pregunta pide analizar la pintura romántica francesa, centrándose en tres figuras clave que, aunque agrupadas bajo el mismo movimiento, presentan estilos y enfoques distintos. Es necesario definir el Romanticismo como reacción al Neoclasicismo, destacar sus temas predilectos (historia, exotismo, pasión, individualismo) y luego detallar las características específicas y aportaciones de Ingres (a caballo entre Neoclasicismo y Romanticismo), Géricault (pionero del drama romántico) y Delacroix (líder del movimiento).

Respuesta: El Romanticismo surge en Francia a principios del siglo XIX como una reacción contra la rigidez normativa y la racionalidad del Neoclasicismo. Prioriza la expresión de los sentimientos, la subjetividad, la imaginación y la pasión frente a la razón. La pintura romántica francesa, en particular, se caracteriza por su dinamismo, su gusto por los temas históricos (especialmente medievales o contemporáneos), el exotismo, la exaltación del individuo y la exploración de lo sublime y lo dramático. Tres figuras destacan en este panorama:

1. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867):

   • Posición: Aunque a menudo se le considera el último gran maestro neoclásico por su defensa del dibujo ("la probidad del arte"), su obra contiene elementos claramente románticos. Representa una tensión entre la pureza de la línea y la sensualidad del tema.
   • Estilo: Primacía absoluta del dibujo perfecto y la línea precisa (influencia de Rafael). Composiciones equilibradas y académicas. Acabado pulido y esmaltado.
   • Temática: Cultivó el retrato con gran penetración psicológica, los temas históricos y mitológicos (tratados con frialdad neoclásica), pero también temas claramente románticos como el desnudo femenino sensual y exótico (las Odaliscas), ambientados en Oriente.
   • Aportación Romántica: A pesar de su purismo formal, la sensualidad de sus desnudos, la elección de temas exóticos (como La Gran Odalisca) y cierta idealización melancólica lo conectan con la sensibilidad romántica, aunque él mismo se considerara un defensor del clasicismo.

2. Théodore Géricault (1791-1824):

   • Posición: Es considerado uno de los pioneros y figuras más potentes del Romanticismo francés, a pesar de su corta vida. Rompió con el idealismo neoclásico para abrazar el realismo dramático.
   • Estilo: Dinamismo compositivo (diagonales, tensión), pincelada enérgica, uso dramático del claroscuro (influencia de Caravaggio y Rubens), interés por la anatomía y el detalle realista (llegó a estudiar cadáveres).
   • Temática: Se centró en temas contemporáneos, a menudo escandalosos o impactantes, que reflejaban el sufrimiento humano, la lucha y la muerte. También pintó retratos de enfermos mentales y escenas ecuestres llenas de vigor.
   • Obra Clave: La Balsa de la Medusa (1819) es el manifiesto del Romanticismo francés. Representa un naufragio real con un dramatismo y realismo sin precedentes, denunciando la incompetencia y la corrupción, y explorando situaciones límite de la condición humana.

3. Eugène Delacroix (1798-1863):

   • Posición: Es la figura central y el líder indiscutible del Romanticismo pictórico francés. Encarnó la exaltación del color, la pasión y el movimiento. Fue el gran rival de Ingres.
   • Estilo: Supremacía del color sobre la línea. Pincelada suelta, vibrante y expresiva. Composiciones complejas, dinámicas y a menudo violentas. Gran interés por los efectos de la luz y el color (precursor del Impresionismo).
   • Temática: Muy variada: temas históricos (medievales y contemporáneos, como la Revolución de 1830), literarios (Shakespeare, Byron, Goethe), exóticos (viajes a Marruecos y Argelia, que le proporcionaron una nueva paleta de colores y temas), escenas de lucha de animales, alegorías políticas.
   • Obras Clave: La Matanza de Quíos (denuncia de un hecho contemporáneo), La Muerte de Sardanápalo (exotismo, violencia, composición abigarrada), La Libertad guiando al pueblo (icono de la lucha revolucionaria, alegoría política y drama humano).

En conclusión, aunque Ingres mantuvo un pie en el Neoclasicismo, Géricault y Delacroix rompieron radicalmente con él, explorando la emoción, el drama, el color y el movimiento como vehículos de expresión. Géricault destacó por su realismo impactante y Delacroix por su exaltación del color y la pasión, definiendo las características esenciales de la pintura romántica en Francia.

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5. Características generales del Cubismo

Razonamiento: Esta pregunta exige definir el Cubismo como movimiento de vanguardia, identificar a sus creadores, explicar sus objetivos fundamentales (superación de la perspectiva tradicional, representación simultánea de puntos de vista), describir sus características formales (geometrización, fragmentación, paleta reducida) y distinguir sus principales fases (Cézanniano/Proto-cubismo, Analítico, Sintético).

Respuesta: El Cubismo fue un movimiento artístico revolucionario surgido en París alrededor de 1907, considerado una de las primeras vanguardias del siglo XX y uno de los movimientos más influyentes en el arte moderno. Sus máximos exponentes y creadores fueron Pablo Picasso y Georges Braque, posteriormente seguidos por otros artistas como Juan Gris.

Características Generales:

1. Ruptura con la Perspectiva Tradicional: El Cubismo abandona la perspectiva lineal renacentista (basada en un único punto de vista) que había dominado la pintura occidental durante siglos. Su objetivo no es representar las cosas "como se ven", sino "como se piensan" o se conocen conceptualmente.
2. Visión Múltiple y Simultánea: Busca representar un objeto o figura desde múltiples puntos de vista al mismo tiempo, desplegando sus diferentes facetas sobre la superficie plana del lienzo. Esto permite ofrecer una visión más completa e intelectualizada del objeto.
3. Fragmentación y Geometrización: Las formas de la naturaleza se descomponen en elementos geométricos básicos (cubos, conos, cilindros, esferas), influidos por la obra tardía de Paul Cézanne ("tratar la naturaleza por el cilindro, la esfera, el cono"). Los objetos y figuras se fragmentan en múltiples planos interconectados.
4. Independencia del Color: En sus primeras fases, especialmente en el Cubismo Analítico, el color se subordina a la forma y la estructura. Se utiliza una paleta cromática muy restringida, dominada por grises, ocres y marrones, para no distraer de la descomposición formal.
5. Rechazo de la Representación Ilusionista: No se busca crear una ilusión de profundidad o de realidad tridimensional. El espacio pictórico se aplana, los objetos parecen interpenetrarse con el fondo, y se enfatiza la bidimensionalidad del lienzo.
6. Nueva Relación Figura-Fondo: La distinción tradicional entre figura y fondo se difumina. Los planos fragmentados de los objetos se integran con los del espacio circundante.

Fases del Cubismo:

• Proto-cubismo o Cubismo Cézanniano (c. 1907-1909): Período de experimentación inicial, muy influido por Cézanne y el arte primitivo (ibérico y africano). Las formas se simplifican y geometrizan, pero aún conservan cierto volumen y reconocimiento del objeto. Obra clave: Las Señoritas de Aviñón (1907) de Picasso.
• Cubismo Analítico (c. 1909-1912): Es la fase más hermética. La fragmentación de los objetos llega a su extremo, descomponiéndolos en múltiples planos y facetas desde diversos ángulos. La paleta es casi monocromática. Las figuras y objetos son a menudo difíciles de identificar. Se analiza la estructura del objeto. Artistas: Picasso, Braque.
• Cubismo Sintético (c. 1912-1914 en adelante): Reacciona contra la excesiva fragmentación anterior. Las formas se simplifican, se vuelven más planas y legibles. Se reintroduce el color, a menudo vivo y arbitrario. La principal innovación es la introducción de elementos de la realidad directamente en el cuadro mediante las técnicas del collage (pegado de papeles, periódicos, etc.) y el papier collé (papeles pegados), creando una "síntesis" del objeto a partir de signos y fragmentos. Artistas: Picasso, Braque, Juan Gris.

En resumen, el Cubismo representó una ruptura radical con la tradición pictórica occidental, proponiendo una nueva forma de representar la realidad basada en el análisis conceptual, la multiplicidad de puntos de vista y la fragmentación geométrica, abriendo el camino a la abstracción y a gran parte del arte del siglo XX.

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LÁMINAS: Comentar una de las dos láminas propuestas

Elección: Elijo comentar la segunda lámina de la Opción A.

Razonamiento: Para comentar esta lámina, seguiré los criterios especificados: identificación del estilo, época, autor y título (si se conocen), descripción técnica, análisis estilístico detallado utilizando la terminología adecuada, análisis iconográfico, contextualización histórica y sociocultural, relación con otros estilos y una valoración personal.

Respuesta:

Lámina 2: El Entierro del Señor de Orgaz

(a) Identificación Estilística y Temporal: La obra pertenece al Manierismo, concretamente a su vertiente española de finales del siglo XVI. El Manierismo es un estilo que se desarrolla en Italia tras el Alto Renacimiento (Cinquecento) y se difunde por Europa, caracterizado por la distorsión de las formas clásicas, la complejidad compositiva, el intelectualismo y una acentuada expresividad espiritual o dramática. El autor es Doménikos Theotokópoulos, "El Greco" (1541-1614), una de las figuras más originales y geniales de la pintura española. La obra es "El Entierro del Señor de Orgaz" (conocido popularmente como "El Entierro del Conde de Orgaz"), pintada entre 1586 y 1588 para la iglesia de Santo Tomé en Toledo, donde aún se conserva.

(b) Descripción Técnica y Análisis Estilístico: Se trata de un óleo sobre lienzo de grandes dimensiones (4,80 x 3,60 m). La composición es compleja y se divide claramente en dos registros horizontales:

• Zona Inferior (Terrenal): Representa el milagro del entierro de Don Gonzalo Ruiz de Toledo, señor de la villa de Orgaz, ocurrido en el siglo XIV. Según la leyenda, San Esteban y San Agustín descendieron del cielo para depositar su cuerpo en la tumba. Esta zona se caracteriza por un naturalismo notable en los retratos de los caballeros contemporáneos de El Greco (miembros de la nobleza toledana y clérigos), vestidos con ropas negras y gorgueras blancas, que asisten al evento con sobriedad y devoción. Destaca la minuciosidad en la representación de las calidades táctiles, especialmente en las brillantes y lujosas vestiduras litúrgicas de los dos santos. La composición aquí es más estática y ordenada, aunque densa. La luz en esta zona es más terrenal, aunque focalizada en el milagro central.
• Zona Superior (Celestial): Separada por una franja de nubes, representa la Gloria celestial que recibe el alma del difunto (representada como un niño desnudo transportado por un ángel hacia Cristo). Esta zona contrasta fuertemente con la inferior por su dinamismo, irrealidad y espiritualidad exacerbada, características plenamente manieristas. Las figuras de Cristo (en la cúspide), la Virgen María, San Juan Bautista, apóstoles, santos y ángeles adoptan formas alargadas y sinuosas (figura serpentinata), con posturas inestables y forzadas. El espacio es irracional, denso y ascendente. La luz es fría, irreal y cambiante, con fuertes contrastes de claroscuro, creando una atmósfera sobrenatural. El color es vibrante y antinaturalista, con predominio de amarillos, azules, verdes y carmines intensos y a menudo ácidos.

Características Manieristas Clave:

• Elongación y estilización de las figuras: Especialmente en la zona celestial.
• Composición compleja y dividida: Contrastando lo terrenal y lo divino.
• Uso arbitrario y expresivo del color y la luz: Colores fríos, irreales, luz dramática y no naturalista.
• Figura serpentinata: Posturas contorsionadas y elegantes.
• Espacio comprimido e irracional: Sobre todo en la Gloria.
• Intensa carga espiritual y emocional.
• Intelectualismo: La obra requiere conocimiento de la leyenda y la teología.

(c) Iconografía, Contexto y Relaciones: Iconográficamente, la obra narra el milagro del entierro del Señor de Orgaz, exaltando su piedad y la intercesión de los santos. Simboliza la conexión entre la Iglesia militante (terrenal) y la Iglesia triunfante (celestial), un tema muy acorde con el espíritu de la Contrarreforma, que buscaba reafirmar los dogmas católicos como los milagros, la veneración de los santos, la oración por los difuntos y la gloria celestial como recompensa a la fe y las buenas obras. La presencia de retratos de contemporáneos vincula el milagro pasado con la comunidad presente, reforzando su relevancia. El contexto histórico es la España de Felipe II, en pleno fervor contrarreformista, y Toledo como centro espiritual e intelectual. El Greco, formado en Creta (tradición bizantina), Venecia (influencia de Tiziano y Tintoretto en el color y la luz) y Roma (contacto con el Manierismo), desarrolla en Toledo un estilo personalísimo, profundamente espiritual y expresivo, al servicio de la Iglesia católica. Relaciones: La obra muestra la asimilación de influencias italianas (color veneciano, composición y formas manieristas) pero transformadas por la propia visión mística y la herencia bizantina de El Greco. Aunque manierista, su intensidad expresiva y su uso dramático de la luz prefiguran algunos aspectos del Barroco español.

(d) Estimación Personal: "El Entierro del Señor de Orgaz" es una obra maestra absoluta, no solo de El Greco sino de toda la pintura universal. La capacidad del artista para fusionar lo terrenal y lo divino, el retrato realista y la visión mística, en una composición tan compleja y a la vez unificada, es asombrosa. La división en dos mundos, conectada por la ascensión del alma, crea una tensión visual y espiritual fascinante. La maestría técnica en el tratamiento de las texturas, el color y la luz, y la profunda carga emocional y espiritual de la escena celestial, hacen de esta pintura una experiencia visual y religiosa inolvidable. Es la culminación del estilo único de El Greco y un perfecto exponente de la sensibilidad religiosa de su tiempo.