PROPUESTA A

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. b) Jules Chéret.

   • Razonamiento: Jules Chéret es ampliamente reconocido como el "padre del cartel moderno" debido a sus innovaciones en la litografía a color y su estilo artístico, que influyó significativamente en el diseño de carteles publicitarios a finales del siglo XIX. Sus carteles eran vibrantes, dinámicos y atraían la atención del público, estableciendo un nuevo estándar para el arte publicitario.

2. a) Art Nouveau.

   • Razonamiento: Émile Gallé fue una figura central del movimiento Art Nouveau, conocido por su trabajo innovador en vidrio. Experimentó con técnicas como el grabado al ácido, la superposición de capas de vidrio y la inclusión de elementos naturales, creando piezas únicas y altamente decorativas que reflejaban la estética orgánica y fluida del Art Nouveau.

3. a) Stravinsky.

   • Razonamiento: Igor Stravinsky fue el compositor principal de los Ballets Rusos durante su período más influyente. Sus obras, como "La consagración de la primavera", "El pájaro de fuego" y "Petrushka", revolucionaron la música clásica con sus ritmos audaces, armonías disonantes y coreografías innovadoras, convirtiéndose en piezas emblemáticas de la compañía y del siglo XX.

4. c) Paco de Lucía.

   • Razonamiento: Paco de Lucía es considerado uno de los guitarristas flamencos más influyentes de la historia. Su virtuosismo técnico, su innovación en la armonía y el ritmo, y su fusión del flamenco con otros géneros como el jazz, lo convirtieron en una figura legendaria que llevó el flamenco a audiencias internacionales.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. La pintura romántica europea.

La pintura romántica europea fue un movimiento artístico que se desarrolló principalmente entre finales del siglo XVIII y mediados del siglo XIX. Se caracterizó por:

• Subjetividad y emoción: Los artistas románticos buscaban expresar sus sentimientos y emociones personales, a menudo intensas y dramáticas, a través de sus obras. Se alejaron de la objetividad y la razón del Neoclasicismo, priorizando la experiencia individual.
• Exaltación de la naturaleza: La naturaleza se convirtió en un tema central, vista como una fuerza poderosa, sublime y misteriosa. Los paisajes a menudo reflejaban estados de ánimo y emociones humanas.
• Interés por lo exótico y lo histórico: Los románticos se sintieron atraídos por culturas lejanas, la Edad Media, lo sobrenatural y lo fantástico. Buscaban inspiración en leyendas, mitos y cuentos populares.
• Nacionalismo: El Romanticismo coincidió con el auge de los movimientos nacionalistas en Europa. Los artistas a menudo representaban temas históricos y folclóricos de sus propios países, buscando resaltar su identidad cultural.
• Individualismo: Se valoraba la figura del genio artístico, el artista como un ser atormentado y visionario, capaz de crear obras únicas y originales.

Principales representantes:

• España: Francisco de Goya (en su etapa tardía), con obras como "Los desastres de la guerra" y las "Pinturas negras".
• Francia: Eugène Delacroix, conocido por su uso vibrante del color y sus temas históricos y literarios ("La libertad guiando al pueblo"); Théodore Géricault, famoso por su dramática representación de "La balsa de la Medusa".
• Alemania: Caspar David Friedrich, célebre por sus paisajes melancólicos y simbólicos ("El caminante sobre el mar de nubes").
• Inglaterra: J.M.W. Turner, conocido por sus paisajes atmosféricos y sus experimentos con la luz y el color ("Lluvia, vapor y velocidad"); John Constable, famoso por sus representaciones de la campiña inglesa ("La carreta de heno").

2. La arquitectura organicista: Wright y Aalto.

La arquitectura organicista es una corriente que surgió a principios del siglo XX, buscando la armonía entre la construcción y el entorno natural. Sus principales características son:

• Integración con el entorno: Los edificios se diseñan para adaptarse al paisaje circundante, utilizando materiales locales y formas que se inspiran en la naturaleza.
• Funcionalidad: La forma del edificio sigue a su función, buscando la máxima eficiencia y comodidad para sus ocupantes.
• Espacios fluidos: Se evitan las líneas rectas y los ángulos agudos, prefiriendo formas curvas y orgánicas que crean una sensación de movimiento y continuidad.
• Uso de materiales naturales: Se priorizan materiales como la madera, la piedra y el vidrio, que envejecen con gracia y se integran visualmente con el entorno.
• Luz natural: Se busca maximizar el uso de la luz natural a través de grandes ventanales, claraboyas y patios interiores.

Frank Lloyd Wright (1867-1959):

• Considerado el padre de la arquitectura orgánica.
• Su obra más famosa es la Casa de la Cascada (Fallingwater), construida sobre una cascada en Pensilvania.
• Otras obras destacadas incluyen el Museo Guggenheim de Nueva York y la Casa Robie en Chicago.
• Wright creó el concepto de "Prairie Houses" (Casas de la Pradera), caracterizadas por sus líneas horizontales, techos voladizos y espacios abiertos.

Alvar Aalto (1898-1976):

• Arquitecto finlandés, uno de los principales exponentes del organicismo en Europa.
• Su obra se caracteriza por el uso de la madera, la luz natural y las formas curvas.
• Obras destacadas incluyen el Sanatorio de Paimio, la Villa Mairea y la Biblioteca de Viipuri.
• Aalto también diseñó muebles y objetos de vidrio, aplicando los mismos principios orgánicos que en su arquitectura.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1:

Se trata de La noche estrellada creada en 1889 por Vincent van Gogh, que fue un pintor postimpresionista holandés.

• Estilo: Postimpresionismo. Van Gogh es conocido por su uso expresivo del color, pinceladas gruesas y empastadas, y formas simplificadas.
• Técnica: Óleo sobre lienzo.
• Composición: La pintura muestra una vista nocturna desde la ventana del asilo de Saint-Rémy-de-Provence, donde Van Gogh estuvo internado. El cielo ocupa la mayor parte del lienzo, con remolinos de estrellas y una luna creciente brillante. En primer plano, un ciprés oscuro se eleva hacia el cielo, conectando la tierra y el cielo. Debajo, un pequeño pueblo con casas iluminadas.
• Color: Van Gogh utiliza colores intensos y contrastantes, como el azul y el amarillo, para crear una sensación de movimiento y emoción. Los colores no son realistas, sino que expresan los sentimientos del artista.
• Simbolismo: La pintura puede interpretarse como una representación de la lucha interna de Van Gogh, su búsqueda de paz y su conexión con la naturaleza. El ciprés, tradicionalmente asociado con la muerte y el luto, puede simbolizar su propia angustia, mientras que las estrellas brillantes pueden representar la esperanza y la trascendencia.
• Contexto: Van Gogh pintó "La noche estrellada" durante uno de los períodos más difíciles de su vida, mientras luchaba contra la enfermedad mental. La pintura refleja su estado emocional, pero también su profundo amor por la naturaleza y su búsqueda de belleza en medio del sufrimiento.

Fig. 2:

Se trata de Figura reclinada creada en 1938 por Henry Moore, fue un escultor británico.

• Estilo: Escultura moderna, con influencias del arte primitivo y del surrealismo. Moore es conocido por sus formas abstractas y orgánicas, inspiradas en la figura humana y la naturaleza.
• Material: Originalmente tallada en madera de olmo, aunque existen versiones en bronce.
• Forma: La escultura representa una figura humana reclinada, pero simplificada y abstracta. Las formas son redondeadas y fluidas, con huecos y protuberancias que sugieren el cuerpo humano sin representarlo de manera realista.
• Espacio: Moore juega con el espacio positivo (la masa de la escultura) y el espacio negativo (los huecos y vacíos), creando una sensación de dinamismo y tensión.
• Textura: La superficie de la escultura es lisa y pulida, lo que realza las formas orgánicas y permite que la luz se refleje de manera uniforme.
• Simbolismo: La figura reclinada es un tema recurrente en la obra de Moore, y puede interpretarse como una representación de la conexión entre el ser humano y la tierra, la fertilidad y la maternidad.
• Contexto: Moore se inspiró en el arte precolombino, especialmente en las esculturas Chac Mool de la cultura maya, que también representan figuras reclinadas. También se vio influenciado por el paisaje de su Yorkshire natal, con sus colinas y formaciones rocosas.

PROPUESTA B

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. c) Art Nouveau.

   • Razonamiento: René Lalique fue un destacado diseñador de joyas y vidriero asociado principalmente al movimiento Art Nouveau. Sus creaciones se caracterizan por el uso de materiales como el vidrio, el esmalte y las piedras preciosas, así como por la incorporación de motivos naturales como flores, insectos y figuras femeninas estilizadas, típicas del Art Nouveau.

2. a) Alfred Hitchcock.

   • Razonamiento: Salvador Dalí, reconocido pintor surrealista, colaboró con el director de cine Alfred Hitchcock en la película "Spellbound" (Recuerda, 1945). Dalí diseñó la famosa secuencia onírica de la película, aportando su estilo surrealista con imágenes impactantes y simbólicas que reflejaban el subconsciente del protagonista.

3. a) Hergé.

   • Razonamiento: Georges Remi, conocido por su seudónimo Hergé, fue un historietista belga, creador de la famosa serie de cómics "Las aventuras de Tintín". Tintín, un joven reportero intrépido, se convirtió en un icono cultural y las historias de Hergé son conocidas por su estilo de dibujo "línea clara", sus tramas ingeniosas y su documentación meticulosa.

4. b) Mafiosos.

   • Razonamiento: "El Padrino" (1972), dirigida por Francis Ford Coppola, es una película icónica que narra la vida de la familia Corleone, una poderosa familia de la mafia italiana en Nueva York. La película explora temas como el poder, la familia, la lealtad, la traición y la violencia en el contexto del crimen organizado.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. La arquitectura de exposiciones universales en el siglo XIX: Londres y París.

Las exposiciones universales del siglo XIX fueron eventos internacionales que mostraban los avances industriales, tecnológicos y culturales de la época. La arquitectura jugó un papel fundamental en estas exposiciones, creando edificios emblemáticos que reflejaban el progreso y la innovación.

Londres:

• Crystal Palace (1851): Diseñado por Joseph Paxton, fue el edificio principal de la Gran Exposición de Londres. Era una estructura revolucionaria de hierro fundido y vidrio, que permitía el paso de la luz natural y creaba un espacio diáfano y monumental. Su diseño modular y prefabricado fue un hito en la historia de la arquitectura y sentó las bases para la arquitectura moderna.
• Características:
  • Uso de materiales industriales (hierro y vidrio).
  • Diseño modular y prefabricado.
  • Gran escala y luminosidad.
  • Simbolismo del progreso industrial y tecnológico.

París:

• Galerie des Machines (1889): Diseñada por Ferdinand Dutert y Victor Contamin, fue uno de los edificios más destacados de la Exposición Universal de París de 1889. Era una enorme estructura de hierro y vidrio que albergaba maquinaria industrial. Su diseño innovador utilizaba arcos de tres articulaciones, que permitían cubrir grandes luces sin soportes intermedios.
• Torre Eiffel (1889): Diseñada por Gustave Eiffel, fue construida como arco de entrada a la Exposición Universal de París de 1889. Con sus 300 metros de altura, se convirtió en la estructura más alta del mundo en su momento y en un símbolo de la modernidad y el ingenio humano. Su estructura de hierro vista generó controversia en su época, pero hoy en día es uno de los monumentos más visitados del mundo.
• Características:
  • Uso de hierro como material principal.
  • Diseños audaces e innovadores.
  • Grandes dimensiones y alturas.
  • Simbolismo del progreso, la tecnología y la ingeniería.

2. La abstracción: Kandinsky, Moore, Pevsner y Gabo.

La abstracción es un movimiento artístico que surgió a principios del siglo XX, caracterizado por la representación de formas no figurativas, es decir, que no imitan la realidad visible. Los artistas abstractos buscaban expresar ideas, emociones y conceptos a través de elementos puramente visuales como el color, la línea, la forma y la composición.

Wassily Kandinsky (1866-1944):

• Pintor ruso, considerado uno de los pioneros de la abstracción.
• Su obra evolucionó desde el expresionismo hasta la abstracción pura.
• Kandinsky creía que el arte debía expresar el mundo interior del artista y que los colores y las formas podían evocar emociones y estados de ánimo.
• Escribió el influyente libro "De lo espiritual en el arte" (1911), donde expuso sus teorías sobre la abstracción.
• Obras destacadas: "Composición VII" (1913), "Amarillo, rojo y azul" (1925).

Henry Moore (1898-1986):

• Escultor británico, conocido por sus esculturas abstractas de formas orgánicas.
• Se inspiró en la figura humana, la naturaleza y el arte primitivo.
• Sus esculturas suelen estar hechas de bronce o piedra y presentan formas redondeadas, huecos y protuberancias.
• Moore exploró temas como la maternidad, la fertilidad y la relación entre el ser humano y el paisaje.
• Obras destacadas: "Figura reclinada" (1938), "Formas internas y externas" (1951).

Antoine Pevsner (1886-1962) y Naum Gabo (1890-1977):

• Hermanos y escultores rusos, pioneros del constructivismo, un movimiento artístico que buscaba integrar el arte en la vida cotidiana y la producción industrial.
• Utilizaron materiales industriales como el metal, el vidrio y el plástico para crear esculturas abstractas basadas en principios matemáticos y geométricos.
• Publicaron el "Manifiesto Realista" (1920), donde expusieron sus ideas sobre el arte constructivista.
• Pevsner se centró en la construcción de formas dinámicas y espaciales. Obras destacadas: "Columna desarrollable" (1942).
• Gabo exploró la transparencia, el movimiento y la luz en sus esculturas.Obras destacadas: "Cabeza construida nº 2" (1916), "Columna" (1923).

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1: Se trata de La balsa de la medusa fue pintada en 1818-1819 por Théodore Géricault, un pintor romántico francés.

• Estilo: Romanticismo. La pintura se caracteriza por su dramatismo, intensidad emocional y uso expresivo del color y la luz.
• Técnica: Óleo sobre lienzo.
• Composición: La pintura representa un acontecimiento real: el naufragio de la fragata francesa Méduse en 1816. Los supervivientes fueron abandonados en una balsa a la deriva durante 13 días, y solo 15 de ellos sobrevivieron. La composición es piramidal, con los cuerpos de los náufragos formando una diagonal ascendente que culmina en la figura de un hombre agitando un pañuelo hacia un barco lejano.
• Color y luz: Géricault utiliza una paleta de colores oscuros y sombríos, con tonos ocres, marrones y grises, para crear una atmósfera de desesperación y muerte. La luz se concentra en los cuerpos de los náufragos, resaltando su sufrimiento y agonía.
• Simbolismo: La pintura es una crítica a la negligencia del gobierno francés y una representación de la lucha por la supervivencia en condiciones extremas. También puede interpretarse como una alegoría de la condición humana, la fragilidad de la vida y la esperanza en medio de la desesperación.
• Contexto: Géricault se documentó exhaustivamente sobre el naufragio, entrevistando a los supervivientes y estudiando los cuerpos en la morgue. La pintura causó un gran escándalo en su época debido a su crudeza y realismo, pero también fue aclamada como una obra maestra del Romanticismo.

Fig. 2:

Se trata de Campbell's Soup Cans creada en 1962 por Andy Warhol fue un artista estadounidense, figura central del movimiento Pop Art.

• Estilo: Pop Art. El Pop Art se caracteriza por el uso de imágenes y objetos de la cultura popular, como productos de consumo, cómics y celebridades, como temas artísticos. Los artistas pop buscaban eliminar la jerarquía entre la alta cultura y la cultura popular, y cuestionar la noción de originalidad y autoría en el arte.
• Técnica: Serigrafía sobre lienzo. Warhol utilizó la técnica de la serigrafía, un proceso de impresión que permite reproducir imágenes de manera repetitiva y mecánica, para crear sus obras.
• Composición: La obra consta de 32 lienzos, cada uno representando una variedad diferente de sopa Campbell's. Los lienzos están dispuestos en una cuadrícula, imitando la forma en que se exhiben los productos en un supermercado.
• Color: Los colores son brillantes y planos, típicos de la publicidad y el diseño gráfico comercial.
• Simbolismo: La obra de Warhol cuestiona la noción de originalidad y la producción en masa en la sociedad de consumo. Al reproducir repetidamente una imagen banal y cotidiana, Warhol la eleva a la categoría de arte, desafiando las convenciones artísticas tradicionales.
• Contexto: "Campbell's Soup Cans" se convirtió en una de las obras más icónicas del Pop Art y de Warhol. Refleja el interés del artista por la cultura de masas, la publicidad y la sociedad de consumo de Estados Unidos en la década de 1960.