Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Historia del Arte 2017

PROPUESTA A

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. b) Bulto redondo.

   • Una escultura de bulto redondo es aquella que se puede observar desde cualquier punto de vista, es decir, está esculpida en todas sus dimensiones. Esto la diferencia del relieve, que está adherido a un plano de fondo.

2. c) Grutesco.

   • El grutesco es un motivo decorativo renacentista que se basa en la combinación de elementos vegetales, animales, humanos y fantásticos, de forma intrincada y simétrica. Se inspira en las decoraciones encontradas en las ruinas romanas, como la Domus Aurea de Nerón.

3. b) Arte Gótico.

   • El arco apuntado, también conocido como arco ojival, es un elemento estructural y estético característico del arte gótico. Su forma permite distribuir mejor el peso de las cubiertas, lo que a su vez posibilita construir edificios más altos y con vanos más amplios.

4. a) El que carece de una referencia figurativa.

   • El arte abstracto se caracteriza por no representar objetos reconocibles del mundo real. En lugar de ello, utiliza formas, colores y líneas para expresar ideas, emociones o conceptos de manera no figurativa.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características de la escultura gótica.

La escultura gótica, en comparación con su predecesora románica, presenta una serie de características distintivas:

• Mayor naturalismo y expresividad: Las figuras se vuelven más realistas, con una representación más detallada de la anatomía, los ropajes y las expresiones faciales. Se busca transmitir emociones y sentimientos.

• Independencia progresiva del marco arquitectónico: Aunque la escultura sigue estando presente en portadas y tímpanos, las figuras tienden a liberarse del marco, adquiriendo mayor volumen y movimiento.

• Desarrollo de nuevos temas iconográficos: Además de los temas religiosos tradicionales, aparecen representaciones de la vida cotidiana, la naturaleza y la alegoría.

• Humanización de las figuras divinas: Se busca representar a Cristo, la Virgen y los santos de una manera más cercana y humana, abandonando la rigidez y la hieraticidad del románico.

• Se distinguen: las esculturas en las portadas, en el parteluz, esculturas exentas y los retablos.

2. La pintura barroca española: Velázquez.

La pintura barroca española se caracteriza por su realismo, su tenebrismo (influencia de Caravaggio) y su temática predominantemente religiosa, aunque también hay ejemplos de pintura de género, mitológica y retratos. Diego Velázquez es el máximo exponente de este periodo. Sus obras maestras, como "Las Meninas" o "La rendición de Breda", destacan por:

• Dominio de la técnica: Velázquez es conocido por su maestría en el uso de la luz y la sombra (claroscuro), su pincelada suelta y precisa, y su capacidad para captar la atmósfera y la psicología de los personajes.

• Realismo y naturalismo: Sus obras reflejan la realidad de la época, sin idealizaciones. Los personajes, incluso los de la realeza, son representados con sus imperfecciones y particularidades.

• Composiciones complejas: Velázquez introduce innovaciones en la composición, jugando con la perspectiva, los planos y la profundidad para crear escenas dinámicas y envolventes. Un ejemplo son las diferentes interpretaciones del cuadro "Las Meninas".

• Temas variados: Aunque trabajó principalmente para la corte, Velázquez abordó una amplia gama de temas, desde retratos reales y escenas mitológicas hasta bodegones y cuadros de género.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1

La imagen muestra el Partenón, un templo griego dedicado a la diosa Atenea, ubicado en la Acrópolis de Atenas.

• Estilo: Griego clásico (siglo V a.C.).

• Arquitectura: Es un templo dórico, períptero (rodeado de columnas) y octástilo (ocho columnas en la fachada principal). Está construido en mármol blanco del Pentélico.

• Elementos destacables:

  • Columnas dóricas con éntasis (ligero abombamiento en el fuste) para corregir la ilusión óptica y dar una apariencia más esbelta.
  • Frontón triangular con esculturas que representaban escenas mitológicas.
  • Friso con metopas (escenas en relieve) y triglifos (elementos decorativos).
  • Planta rectangular con una cella (sala interior) que albergaba la estatua criselefantina (oro y marfil) de Atenea Partenos, obra de Fidias.

• Significado: El Partenón es un símbolo de la democracia ateniense, la perfección estética y la grandeza de la civilización griega. Es un ejemplo de la búsqueda de la armonía y la proporción en el arte clásico.

Fig. 2

La obra representada es "Impresión, sol naciente" de Claude Monet, un cuadro emblemático del movimiento impresionista.

• Estilo: Impresionismo (finales del siglo XIX).

• Técnica: Óleo sobre lienzo.

• Características:

  • Pinceladas sueltas y visibles, que capturan la impresión visual del momento más que una representación detallada y precisa.
  • Uso de colores puros y brillantes, aplicados directamente sobre el lienzo sin mezclar en la paleta.
  • Énfasis en la representación de la luz y sus efectos sobre el agua y la atmósfera.
  • Captura de un instante fugaz, un momento específico del amanecer en el puerto de Le Havre.

• Significado: "Impresión, sol naciente" dio nombre al movimiento impresionista y representa una ruptura con la pintura académica tradicional. Monet busca plasmar la sensación visual, la atmósfera y la luz del momento, más que la representación objetiva de la realidad.

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PROPUESTA B

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. b) Emplea líneas rectas horizontales.

   • La arquitectura adintelada, también conocida como arquitrabada, se basa en el uso de dinteles (elementos horizontales) apoyados sobre soportes verticales (columnas o pilares). Es característica de la arquitectura egipcia y griega clásica.

2. b) Manierismo.

   • El Manierismo es un estilo artístico que se desarrolla en el siglo XVI, entre el Renacimiento y el Barroco. Se caracteriza por su complejidad, su artificialidad y su alejamiento de los cánones clásicos de belleza y proporción.

3. c) Arte Barroco.

   • El tenebrismo es una técnica pictórica característica del Barroco, especialmente de Caravaggio y sus seguidores. Consiste en un uso dramático del claroscuro, con fuertes contrastes entre zonas iluminadas y zonas en sombra, creando una atmósfera intensa y teatral.

4. b) Postimpresionismo.

   • El Postimpresionismo es un término que engloba diversos estilos pictóricos que se desarrollan a finales del siglo XIX y principios del XX, como reacción al Impresionismo. Artistas como Van Gogh, Cézanne o Gauguin se caracterizan por una mayor libertad en el uso del color y la forma, con una intención expresiva y subjetiva.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. La escultura romana: el retrato y el relieve histórico.

La escultura romana se caracteriza por su realismo y su funcionalidad. Dos géneros destacan especialmente:

• El retrato: Los romanos desarrollaron un gran interés por la representación fiel de los individuos, tanto de personajes públicos como de ciudadanos privados. Los retratos romanos se caracterizan por su realismo, su detallismo y su capacidad para captar la personalidad y el carácter del retratado. Evolucionan desde un realismo extremo, casi exagerado (época republicana), hacia una mayor idealización en época imperial, influenciada por el arte griego.

• El relieve histórico: Los relieves romanos se utilizaban para conmemorar victorias militares, narrar acontecimientos históricos o decorar edificios públicos y monumentos funerarios. Se caracterizan por su detallismo, su precisión en la representación de los personajes y los escenarios, y su carácter narrativo. Ejemplos destacados son los relieves del Ara Pacis o los de la Columna Trajana.

2. Características generales de la pintura renacentista italiana.

La pintura renacentista italiana, que se desarrolla entre los siglos XIV y XVI, presenta una serie de características distintivas:

• Recuperación de la Antigüedad clásica: Los artistas renacentistas se inspiran en los modelos de la Grecia y Roma antiguas, buscando la belleza, la armonía y la proporción.

• Humanismo: El hombre se convierte en el centro de interés, y se busca representar la figura humana de manera realista y expresiva.

• Desarrollo de la perspectiva: Se perfecciona la técnica de la perspectiva lineal, que permite crear una ilusión de profundidad y tridimensionalidad en la pintura.

• Uso del claroscuro: Se utiliza el contraste entre luces y sombras para modelar las figuras y crear volumen.

• Temática variada: Aunque la temática religiosa sigue siendo importante, aparecen nuevos temas como la mitología, el retrato y el paisaje.

• Naturalismo: se introduce el estudio de la naturaleza y la representación de la misma.

• Técnica al fresco: los muros se cubrían con yeso en varias capas, la última se aplicaba húmeda, para luego pintar sobre ella, al secar los colores se fusionan con el yeso. En el siglo XV también se empieza a utilizar la pintura al óleo.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1 La imagen representa la portada de una iglesia, la cual destaca en su desarrollo y características.

• Estilo: Gótico

• Arquitectura:

  • La imagen presenta la portada de una catedral gótica, seguramente una catedral francesa, por su composición.
  • Posee un arco apuntado, característico del gótico.
  • Las arquivoltas que componen la portada están decoradas con relieves escultóricos.
  • En el tímpano se representa el Juicio Final, con Cristo en Majestad, la Virgen, San Juan y los apóstoles.
  • En el parteluz, que divide el acceso, se halla una figura de Cristo bendiciendo.
  • A ambos lados de la portada, en los laterales, se encuentran otras figuras escultóricas, seguramente representando a profetas y santos.
  • En la parte superior se aprecia un rosetón, que permite la entrada de luz al interior del templo, el cual suele estar decorado con vidrieras policromadas.

• Significado: La portada de una catedral gótica es un elemento fundamental, no solo desde el punto de vista arquitectónico, sino también simbólico y didáctico. La decoración escultórica representa escenas bíblicas y enseñanzas religiosas, con el objetivo de instruir a los fieles y mostrarles el camino de la salvación.

Fig. 2

La imagen muestra la Torre Eiffel, construida en París por Gustave Eiffel para la Exposición Universal de 1889.

• Estilo: Arquitectura del Hierro (siglo XIX).

• Materiales y técnica: La Torre Eiffel está construida con hierro forjado, utilizando una estructura de celosía que permite una gran altura y resistencia con un peso relativamente ligero. La construcción se realizó mediante remaches.

• Características:

  • Altura de 330 metros (incluida la antena).
  • Forma piramidal con base cuadrada.
  • Tres niveles o plataformas accesibles al público.
  • Diseño innovador para la época, que generó controversia y debate.

• Significado: La Torre Eiffel es un símbolo de la Revolución Industrial, el progreso tecnológico y la modernidad. Inicialmente criticada por su estética, se ha convertido en un icono de París y de Francia, y en una de las estructuras más reconocibles del mundo. Representa la capacidad del hombre para superar los límites y construir obras de ingeniería audaces y sorprendentes.