Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Junio Historia del Arte 2018

PROPUESTA A

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Representación en una superficie plana para dar una apariencia de profundidad:

a) Perspectiva.

Razonamiento: La perspectiva es la técnica artística que permite representar la profundidad y la posición relativa de los objetos en un plano. Se basa en la forma en que percibimos visualmente la distancia y la disminución del tamaño de los objetos a medida que se alejan. Aunque el volumen contribuye a la sensación de tridimensionalidad en una obra, no es la técnica específica para crear la apariencia de profundidad en una superficie plana. El canon, por otro lado, se refiere a un conjunto de reglas o proporciones ideales, no a la representación de la profundidad. Por lo tanto, la perspectiva es la única opción que describe correctamente el concepto preguntado.

2. Representación pictórica hecha en dos partes u hojas que pueden cerrarse una sobre otra:

c) Díptico

Razonamiento: Un díptico es una obra de arte, generalmente una pintura o un relieve, dividida en dos secciones o paneles que están unidos por bisagras, permitiendo que se plieguen como un libro. Un políptico consta de más de tres paneles, mientras que un tríptico tiene tres. La definición proporcionada en la pregunta se ajusta precisamente a la descripción de un díptico.

3. Mocárabe:

b) Elemento decorativo con forma de prisma vertical de base cóncava

Razonamiento: El mocárabe es un elemento decorativo arquitectónico, característico del arte islámico, que se asemeja a pequeñas bóvedas o prismas verticales de base cóncava, y se utiliza para crear transiciones ornamentales entre diferentes superficies, como en cúpulas, arcos y nichos. Aunque la decoración con versos del Corán es común en el arte islámico, esta se conoce como epigrafía, no como mocárabe. Por lo tanto, la opción a) no es correcta, y la c) tampoco, pues solo b) lo es.

4. En el Romanticismo se exaltan….

b) Las pasiones y sentimientos, incluidos los nacionalistas

Razonamiento: El Romanticismo fue un movimiento artístico, literario e intelectual que se originó a finales del siglo XVIII y se extendió hasta mediados del siglo XIX. Se caracterizó por su énfasis en la emoción, la individualidad, la subjetividad y la exaltación de la naturaleza. Los artistas románticos buscaban expresar sus sentimientos más profundos y sus pasiones, y a menudo encontraban inspiración en temas históricos, legendarios y nacionalistas. Si bien el mundo de los sueños y la irracionalidad también fueron explorados en el Romanticismo (especialmente en el Romanticismo tardío o en el Simbolismo, que se considera una derivación del primero), no fueron los temas centrales del movimiento en su conjunto, como sí lo fueron las pasiones y sentimientos, incluidos los nacionalistas. La opción c) hace referencia al Realismo, un movimiento posterior. Por lo tanto, la respuesta más precisa es la b).

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características de la arquitectura gótica: catedrales, lonjas y ayuntamientos.

Razonamiento: La arquitectura gótica se desarrolló en Europa entre los siglos XII y XVI, y se caracteriza por la búsqueda de la altura, la luminosidad y la verticalidad.

• Catedrales: Las catedrales góticas son los ejemplos más emblemáticos de este estilo. Sus características principales incluyen:
  • Planta de cruz latina: Con una nave central más alta y ancha, y naves laterales más bajas.
  • Bóvedas de crucería: Formadas por el cruce de dos arcos apuntados u ojivales, que permiten cubrir espacios más amplios y distribuir el peso de la cubierta hacia los pilares y contrafuertes.
  • Arcos apuntados u ojivales: A diferencia de los arcos de medio punto románicos, los arcos apuntados permiten mayor altura y esbeltez, contribuyendo a la sensación de verticalidad.
  • Contrafuertes y arbotantes: Elementos estructurales externos que contrarrestan el empuje lateral de las bóvedas, permitiendo la apertura de grandes ventanales.
  • Ventanas y rosetones: Las paredes se llenan de grandes ventanales decorados con vidrieras, que inundan el interior de luz y color, creando una atmósfera mística. Los rosetones, grandes ventanas circulares con tracería calada, son especialmente característicos.
  • Pináculos, gárgolas y esculturas: La decoración escultórica es abundante y se integra en la arquitectura. Los pináculos acentúan la verticalidad, y las gárgolas, además de su función práctica de desagüe, añaden un elemento grotesco y fantástico.
• Lonjas: Las lonjas eran edificios destinados a las transacciones comerciales. Aunque de menor tamaño que las catedrales, comparten algunas características góticas:
  • Salas diáfanas: Grandes espacios cubiertos con bóvedas de crucería, que permiten una mayor flexibilidad en el uso del espacio.
  • Arcos apuntados: Utilizados tanto en la estructura como en la decoración.
  • Ventanas y rosetones: Aunque en menor número que en las catedrales, las lonjas también incorporan ventanas y, en ocasiones, rosetones para iluminar el interior.
• Ayuntamientos: Los ayuntamientos, edificios de carácter civil, también adoptaron el estilo gótico:
  • Torres: A menudo, los ayuntamientos góticos presentan una torre alta que simboliza el poder y la autonomía de la ciudad.
  • Salas de reuniones: Espacios amplios cubiertos con bóvedas de crucería o artesonados de madera.
  • Decoración escultórica: Se utiliza para enfatizar la importancia del edificio y, a menudo, incluye escudos de armas, alegorías de la justicia y otras representaciones simbólicas.

En resumen, la arquitectura gótica, tanto en edificios religiosos como civiles, se distingue por su verticalidad, luminosidad y la utilización de elementos estructurales como el arco apuntado, la bóveda de crucería, los arbotantes y contrafuertes, que permiten la construcción de edificios altos y esbeltos con grandes ventanales que inundan el interior de luz.

2. La pintura barroca: italiana (Caravaggio), flamenca (Rubens) y holandesa (Rembrandt).

Razonamiento: La pintura barroca se desarrolló durante el siglo XVII y principios del XVIII, y se caracteriza por el dramatismo, el movimiento, el uso del claroscuro y la representación realista de las figuras.

• Caravaggio (Italia): Michelangelo Merisi da Caravaggio es uno de los pintores más influyentes del Barroco. Sus principales características son:
  • Tenebrismo: Uso extremo del claroscuro, con fuertes contrastes entre luces y sombras, creando una atmósfera dramática y misteriosa. Las figuras emergen de fondos oscuros, iluminadas por una luz intensa y focalizada.
  • Realismo: Representación cruda y directa de la realidad, sin idealizaciones. Sus personajes son personas comunes, con rostros y cuerpos que reflejan la dureza de la vida.
  • Naturalismo: Interés por captar la verdad de la naturaleza, incluso en sus aspectos más desagradables.
  • Composiciones dinámicas: A menudo, las figuras se disponen en diagonales o en escorzo, creando una sensación de movimiento y tensión.
  • Temas religiosos y de género: Aunque se especializó en la pintura religiosa, también abordó escenas de la vida cotidiana, como en "Los jugadores de cartas" o "La buenaventura".

Ejemplo: "La crucifixión de San Pedro" ($1601$)

• Rubens (Flandes): Peter Paul Rubens es el máximo exponente de la escuela flamenca barroca. Sus características incluyen:
  • Dinamismo y movimiento: Sus composiciones están llenas de energía y vitalidad, con figuras que se retuercen y entrelazan en composiciones complejas.
  • Colorido vibrante: Uso de una paleta rica y luminosa, con colores cálidos y saturados que contribuyen a la sensación de exuberancia y opulencia.
  • Carnalidad: Sus figuras son voluptuosas y llenas de vida, con una representación sensual de la carne, especialmente en sus desnudos femeninos.
  • Temas variados: Abordó una amplia gama de temas, incluyendo religiosos, mitológicos, históricos, retratos y paisajes.
  • Influencia de la pintura italiana: Rubens viajó a Italia y estudió la obra de los grandes maestros del Renacimiento, como Miguel Ángel y Tiziano, cuya influencia se refleja en su obra.

Ejemplo: "Las tres gracias" ($1635$)

• Rembrandt (Holanda): Rembrandt Harmenszoon van Rijn es uno de los pintores más importantes de la historia del arte y el máximo representante de la escuela holandesa barroca. Sus características principales son:
  • Claroscuro: Uso magistral de la luz y la sombra para crear atmósferas íntimas y psicológicas. A diferencia del tenebrismo de Caravaggio, Rembrandt utiliza el claroscuro de forma más sutil y matizada.
  • Profundidad psicológica: Sus retratos son penetrantes estudios psicológicos que revelan el carácter y el estado de ánimo de sus modelos.
  • Autorretratos: Rembrandt se autorretrató a lo largo de toda su vida, creando una crónica visual de su envejecimiento y su evolución como artista.
  • Temas religiosos y cotidianos: Abordó tanto temas religiosos como escenas de la vida cotidiana, a menudo con un enfoque intimista y reflexivo.
  • Técnica pictórica: Su pincelada es suelta y expresiva, y a menudo utiliza empastes gruesos para crear texturas y efectos de luz.

Ejemplo: "La ronda de noche" ($1642$)

En resumen, la pintura barroca italiana, flamenca y holandesa comparten el gusto por el dramatismo, el movimiento y el realismo, pero cada una tiene sus propias características distintivas. Caravaggio se distingue por su tenebrismo y su realismo crudo, Rubens por su dinamismo, su colorido vibrante y la carnalidad de sus figuras, y Rembrandt por su uso del claroscuro, su profundidad psicológica y su técnica pictórica expresiva.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig. 1

Descripción: La escultura representa a un hombre joven, desnudo, en una postura dinámica y con una expresión de esfuerzo. El cuerpo está en tensión, con los músculos marcados y las venas hinchadas. El brazo derecho está extendido hacia adelante, como si estuviera a punto de lanzar un objeto, mientras que el brazo izquierdo se dobla hacia atrás, equilibrando el cuerpo. La cabeza está girada hacia la izquierda, con la mirada fija en la dirección del lanzamiento. El cabello es corto y rizado, y los rasgos faciales son finos y armoniosos. La escultura está realizada en bronce y presenta una pátina oscura.

Análisis:

• Tema: La escultura representa a un atleta, probablemente un lanzador de disco, en el momento previo al lanzamiento. El tema del atletismo era muy popular en la antigua Grecia, donde se valoraba la belleza y la perfección del cuerpo humano.
• Estilo: La escultura pertenece al estilo clásico griego, del siglo V a.C. Se caracteriza por el idealismo, la armonía, el equilibrio y la proporción. El cuerpo del atleta está representado de forma idealizada, con una musculatura perfecta y unas proporciones armoniosas. La postura, conocida como "contrapposto", crea una sensación de equilibrio y dinamismo.
• Autor: La escultura es el Discóbolo, atribuida al escultor griego Mirón.
• Composición: La composición es dinámica y equilibrada. El cuerpo del atleta forma una curva en forma de "S", que crea una sensación de movimiento y tensión. El brazo derecho extendido y el izquierdo doblado se contrarrestan mutuamente, creando un equilibrio perfecto.
• Técnica: La escultura está realizada en bronce, utilizando la técnica de la cera perdida. Esta técnica permitía crear esculturas huecas, más ligeras y con mayor detalle que las talladas en piedra.
• Contexto: La escultura fue creada en la Grecia clásica, un período de gran esplendor cultural y artístico. La escultura refleja los valores de la sociedad griega, que valoraba la belleza, la perfección física, el equilibrio y la armonía.

Comentario:

El Discóbolo de Mirón es una de las esculturas más famosas de la antigua Grecia y un ejemplo paradigmático del estilo clásico. La obra transmite una sensación de dinamismo, fuerza y equilibrio, y refleja la admiración de los griegos por la belleza y la perfección del cuerpo humano. La escultura ha sido admirada e imitada a lo largo de la historia, y se ha convertido en un símbolo universal del deporte y del ideal atlético.

Fig. 2

Descripción: La pintura representa un grupo de cinco mujeres desnudas en un espacio interior. Las figuras están distorsionadas y fragmentadas, con formas angulares y geométricas. Los rostros tienen rasgos primitivos, y dos de ellas parecen llevar máscaras africanas. El espacio está dividido en planos facetados, y los colores son intensos y contrastantes, predominando los tonos ocres, rosados y azules.

Análisis:

• Tema: La pintura representa un burdel, con cinco prostitutas que se ofrecen al espectador. El tema era considerado escandaloso en la época, ya que rompía con la tradición de representar la desnudez femenina de forma idealizada.
• Estilo: La pintura pertenece al estilo cubista, del que el autor fue uno de sus iniciadores. El cubismo se caracteriza por la fragmentación de las formas, la representación simultánea de diferentes puntos de vista y la renuncia a la perspectiva tradicional. Las figuras están descompuestas en planos geométricos y se representan desde múltiples ángulos a la vez.
• Autor: La pintura es "Las señoritas de Avignon" ($1907$), del pintor español Pablo Picasso.
• Composición: La composición es compleja y fragmentada. Las cinco figuras se agrupan en el centro de la composición, rodeadas de planos facetados que representan el espacio interior del burdel. La falta de perspectiva tradicional crea una sensación de inestabilidad y dinamismo.
• Color: Los colores son intensos y contrastantes, predominando los tonos ocres, rosados y azules. Los colores contribuyen a la sensación de crudeza y primitivismo de la obra.
• Influencias: La pintura muestra influencias del arte africano, especialmente en las máscaras que llevan dos de las figuras, y de la pintura de Cézanne, en la simplificación geométrica de las formas.

Comentario:

"Las señoritas de Avignon" es una obra revolucionaria que marcó un antes y un después en la historia del arte. Con esta pintura, Picasso rompió con las convenciones artísticas tradicionales y abrió el camino al desarrollo del cubismo y de las vanguardias artísticas del siglo XX. La obra fue considerada escandalosa en su época, tanto por su tema como por su estilo, pero hoy en día es reconocida como una de las obras maestras del arte moderno y una de las pinturas más influyentes del siglo XX.

PROPUESTA B

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Óvalo que circunda habitualmente a Cristo en Majestad. Es propio del…

a) Arte románico

Razonamiento: La mandorla, un halo en forma de óvalo o almendra que rodea la figura de Cristo en Majestad (Pantocrátor), es un elemento iconográfico característico del arte románico. Se utiliza para simbolizar la gloria y la divinidad de Cristo. Aunque la mandorla también puede aparecer en algunas representaciones góticas, es mucho menos frecuente y su uso no es tan definitorio del estilo como en el románico. En el arte barroco, la mandorla es prácticamente inexistente, ya que se prefiere una representación más naturalista y menos simbólica.

2. Escorzo:

b) Figura dispuesta perpendicular u oblicuamente al plano en que ha sido representada

Razonamiento: El escorzo es una técnica de representación artística que consiste en mostrar una figura u objeto en posición perpendicular u oblicua al plano del cuadro o del espectador, creando una ilusión de profundidad y tridimensionalidad. Esta técnica permite acortar las líneas de la figura para dar la sensación de que se extiende hacia el fondo o hacia el espectador. La opción a) podría referirse a la contorsión o a una postura forzada, pero no es la definición correcta de escorzo.

3. Estructura, normalmente de madera, con la que se decora la cabecera de una iglesia o sus capillas laterales:

b) Retablo

Razonamiento: Un retablo es una estructura arquitectónica y decorativa que se sitúa detrás del altar en una iglesia. Suele estar hecho de madera, aunque también puede ser de piedra, mármol u otros materiales, y puede estar pintado, esculpido o dorado. Los retablos suelen contener imágenes religiosas, como escenas de la vida de Cristo, la Virgen María o los santos, y sirven para enmarcar el altar y focalizar la atención de los fieles. Un friso es una banda horizontal decorativa, y un arquitrabe es un elemento horizontal que se apoya sobre columnas o pilares.

4. Pintura que reduce la forma a conos, cubos, cilindros o esferas:

b) Cubismo

Razonamiento: El cubismo es un movimiento artístico de vanguardia que se caracteriza por la fragmentación de las formas y la representación simultánea de diferentes puntos de vista. Los artistas cubistas, como Pablo Picasso y Georges Braque, simplificaban la realidad reduciendo las formas a figuras geométricas básicas como cubos, conos, cilindros y esferas. El Pop-Art se centra en la cultura popular y la imaginería de los medios de comunicación, mientras que el Postimpresionismo abarca una variedad de estilos que reaccionaron contra el Impresionismo, pero no se caracterizan por la reducción geométrica de las formas de manera sistemática como sí lo hace el cubismo. Aunque Cézanne, considerado precursor del cubismo, sí utilizaba la simplificación geométrica, por lo que podría considerarse postimpresionista, el cubismo es el movimiento que se define por la descripción de la pregunta de forma más precisa.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características de la escultura y pintura románicas.

Razonamiento: El arte románico se desarrolló en Europa entre los siglos XI y XII, y se caracteriza por su carácter religioso, su simplicidad formal y su fuerte simbolismo.

Escultura románica:

• Supeditación al marco arquitectónico: La escultura románica está estrechamente ligada a la arquitectura, y se utiliza para decorar portadas, tímpanos, capiteles, arquivoltas y otros elementos arquitectónicos.
• Función didáctica y simbólica: Las esculturas tenían la función de enseñar la doctrina cristiana a una población mayoritariamente analfabeta. Las imágenes representan escenas bíblicas, vidas de santos y alegorías religiosas, con un fuerte contenido simbólico.
• Falta de naturalismo: Las figuras son rígidas, hieráticas y esquemáticas. No se busca la representación realista del cuerpo humano, sino la expresión de ideas y conceptos religiosos.
• Ley de adaptación al marco: Las figuras se adaptan al espacio arquitectónico en el que se encuentran, deformándose si es necesario para encajar en el marco.
• Perspectiva jerárquica: El tamaño de las figuras depende de su importancia religiosa, no de su posición en el espacio. Cristo, por ejemplo, suele ser representado más grande que las demás figuras.
• Horror vacui: Tendencia a llenar todo el espacio disponible con figuras o elementos decorativos, evitando los espacios vacíos.
• Materiales: Piedra, madera policromada.

Pintura románica:

• Supeditación a la arquitectura: Al igual que la escultura, la pintura románica está estrechamente ligada a la arquitectura. Se utiliza para decorar los muros interiores de las iglesias, especialmente los ábsides y las bóvedas.
• Función didáctica y simbólica: Las pinturas, al igual que las esculturas, tenían la función de enseñar la doctrina cristiana y transmitir mensajes religiosos.
• Falta de naturalismo: Las figuras son planas, esquemáticas y sin volumen. No hay profundidad ni perspectiva, y los colores son planos y simbólicos.
• Líneas gruesas y colores planos: Los contornos de las figuras se delimitan con líneas gruesas y negras, y los colores se aplican de forma plana, sin gradaciones ni matices.
• Perspectiva jerárquica: El tamaño de las figuras depende de su importancia religiosa.
• Temas religiosos: Pantocrátor, Tetramorfos, escenas bíblicas, vidas de santos.
• Técnica: Fresco, temple sobre tabla.

Ejemplos:

• Escultura: Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago de Compostela.
• Pintura: Frescos de San Clemente de Tahull.

En resumen, tanto la escultura como la pintura románicas se caracterizan por su fuerte carácter religioso, su simplicidad formal, su falta de naturalismo y su función didáctica y simbólica. Ambas están supeditadas a la arquitectura y se utilizan para decorar las iglesias y transmitir mensajes religiosos a la población.

2. El organicismo. Wright.

Razonamiento: El organicismo es una corriente arquitectónica que se desarrolló a principios del siglo XX y que se caracteriza por la búsqueda de la armonía entre el edificio y su entorno natural. Los arquitectos organicistas se inspiraban en las formas y los procesos de la naturaleza para crear edificios que se integraran en el paisaje y que respondieran a las necesidades de sus usuarios.

Frank Lloyd Wright ($1867-1959$) es considerado el máximo exponente del organicismo. Su obra se caracteriza por los siguientes principios:

• Integración con el entorno: Wright creía que los edificios debían estar en armonía con su entorno natural. Utilizaba materiales locales, adaptaba la forma del edificio al terreno y diseñaba los espacios interiores para que se abrieran al exterior, creando una continuidad entre el interior y el exterior.
• Planta libre: Wright abogaba por la planta libre, un concepto que permitía una mayor flexibilidad en la distribución de los espacios interiores. Eliminaba los muros de carga innecesarios y utilizaba pilares y tabiques móviles para crear espacios diáfanos y adaptables.
• Materiales naturales: Wright prefería utilizar materiales naturales como la piedra, la madera y el ladrillo, que consideraba más honestos y duraderos que los materiales artificiales.
• Formas orgánicas: Wright se inspiraba en las formas y los procesos de la naturaleza para diseñar sus edificios. Utilizaba líneas curvas, formas geométricas inspiradas en plantas y animales, y diseñaba los espacios interiores para que fluyeran de forma natural.
• Espacio interior como protagonista: Wright concebía el espacio interior como el verdadero protagonista de la arquitectura. Diseñaba los espacios interiores para que fueran confortables, funcionales y estéticamente agradables, y los conectaba entre sí de forma fluida.
• Casas de la Pradera (Prairie Houses): Un estilo desarrollado por Wright que se caracteriza por su horizontalidad, sus amplios aleros, sus ventanas corridas y su integración con el paisaje. Estas casas son un claro ejemplo de los principios organicistas de Wright.

Ejemplos:

• Casa de la Cascada (Fallingwater) ($1935$): Construida sobre una cascada en Pensilvania, es el ejemplo más famoso de la arquitectura orgánica de Wright. La casa se integra perfectamente en su entorno natural, y el sonido del agua se convierte en un elemento más del diseño. $v = \\\\frac{\\\\omega}{k}$
• Museo Guggenheim de Nueva York ($1959$): Un edificio en espiral que rompe con las convenciones de la arquitectura museística tradicional. El espacio interior, una rampa continua que asciende hasta una cúpula de cristal, es el verdadero protagonista de la obra.

En resumen, el organicismo de Wright se basa en la idea de que la arquitectura debe estar en armonía con la naturaleza y con las necesidades humanas. Sus edificios son ejemplos de integración con el entorno, de uso de materiales naturales, de formas orgánicas y de espacios interiores fluidos y funcionales. La obra de Wright ha tenido una gran influencia en la arquitectura moderna y contemporánea, y su legado sigue siendo relevante en la actualidad.