Examen Resuelto Selectividad EVAU UCLM Historia del Arte 2019

Antes de abordar las preguntas del examen, es esencial establecer un contexto claro. Estoy en un examen de Historia del Arte, en una convocatoria de 2019, dentro del marco de la Evaluación para el Acceso a la Universidad en España. El examen se divide en tres partes: conceptos, preguntas de desarrollo y análisis de obras de arte. Las instrucciones indican que debo elegir entre la Propuesta A o la Propuesta B, y se penalizarán las faltas de ortografía relacionadas con el uso del castellano. El formato de las preguntas varía desde selección múltiple hasta desarrollo escrito y análisis crítico de imágenes.

PROPUESTA A

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Representación pictórica hecha en dos partes u hojas que pueden cerrarse una sobre otra:

c) Díptico.

Razonamiento: Un díptico es una obra de arte, comúnmente una pintura, dividida en dos secciones o paneles que están unidos por bisagras. La palabra "díptico" proviene del griego "diptychos", donde "di" significa "dos" y "ptychē" significa "pliegue". La descripción coincide exactamente con la definición de díptico, ya que menciona explícitamente que se trata de dos partes u hojas que se pueden cerrar una sobre la otra. Un políptico tendría más de tres secciones y un tríptico constaría de tres secciones, por lo que se descartan las otras dos opciones.

2. Técnica en madera policromada:

c) Estofado.

Razonamiento: El estofado es una técnica escultórica de trabajar la madera, en la cual primero se realiza un recubrimiento con yeso, se pinta de pan de oro o plata y se pinta encima con temple. Finalmente, se raspa la pintura para que se vea el oro de abajo, creando así un efecto de gran riqueza visual. Esta técnica se usaba principalmente para la imaginería religiosa. Las otras opciones no son correctas porque el escorzo es una técnica de representación pictórica para dar sensación de profundidad y el grabado es una técnica de impresión, no una técnica de trabajo en madera.

3. Escuela-taller fundada por W. Gropius en Weimar:

b) Bauhaus.

Razonamiento: La Bauhaus fue una escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar, Alemania. Es conocida por su enfoque innovador que combinaba las bellas artes con las artes aplicadas y por su influencia en el diseño moderno. El Organicismo es una corriente arquitectónica que se inspira en la naturaleza y el Pop-Art es un movimiento artístico que surgió a mediados del siglo XX, por lo que no coinciden con la descripción.

4. Estructura, normalmente de madera, con la que se decora la cabecera de una iglesia o sus capillas laterales:

b) Retablo.

Razonamiento: Un retablo es una estructura arquitectónica y artística que se sitúa detrás del altar en las iglesias, especialmente en las iglesias católicas. Los retablos suelen estar hechos de madera y a menudo están decorados con pinturas, esculturas y relieves que representan escenas bíblicas o de la vida de los santos. El friso es una banda horizontal decorativa, mientras que el arquitrabe es una viga horizontal que se apoya en columnas o pilares, ninguna de estas dos definiciones se ajusta a la descripción de una estructura que decora la cabecera de una iglesia.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. Características generales de la arquitectura griega.

Razonamiento: La arquitectura griega, que se desarrolló principalmente entre los siglos VII y IV a.C., es conocida por su armonía, proporción y uso de los órdenes arquitectónicos. Se caracteriza por:

• Materiales: El material principal era la piedra, especialmente el mármol, que permitía un gran nivel de detalle y precisión.
• Sistema constructivo: La arquitectura griega es fundamentalmente adintelada, es decir, basada en el uso de dinteles y columnas. No empleaban el arco ni la bóveda.
• Órdenes arquitectónicos: Los griegos desarrollaron tres órdenes principales: dórico, jónico y corintio. Cada orden tenía sus propias características en cuanto a la forma y decoración de las columnas, capiteles y entablamentos. El orden dórico era el más sobrio y robusto, el jónico era más esbelto y elegante, y el corintio era el más ornamentado.
• Tipología de edificios: Los edificios más representativos eran los templos, dedicados a sus dioses. Los templos griegos se construían sobre una plataforma escalonada llamada crepidoma y estaban rodeados por una columnata (peristilo). La planta del templo solía ser rectangular, con una cella o naos en el centro, donde se ubicaba la estatua del dios. También se construyeron teatros, stoas (pórticos), ágoras (plazas públicas), gimnasios y estadios.
• Proporción y armonía: Los arquitectos griegos buscaban la perfección a través de la proporción y la armonía. Utilizaban relaciones matemáticas, como la proporción áurea, para lograr un equilibrio visual en sus edificios. Se empleaban correcciones ópticas para que los edificios se percibieran de forma perfecta desde la distancia.
• Decoración: La escultura estaba integrada en la arquitectura, especialmente en los frontones (espacio triangular sobre el entablamento), los frisos (banda horizontal decorativa) y las metopas (espacios entre los triglifos en el friso dórico). Los templos estaban originalmente policromados, aunque hoy en día solo vemos el color de la piedra.

En resumen, la arquitectura griega es un ejemplo de equilibrio entre la funcionalidad, la estética y la proporción, y ha tenido una influencia fundamental en la arquitectura occidental.

2. Evolución de la pintura renacentista italiana. Siglo XV: Masaccio, Fra Angélico, Piero della Francesca y Botticelli.

Razonamiento: El siglo XV, conocido como Quattrocento, fue un período de gran innovación en la pintura italiana. Los artistas de esta época rompieron con las convenciones del arte gótico y sentaron las bases de la pintura renacentista.

• Masaccio (1401-1428): Considerado el padre de la pintura renacentista, Masaccio revolucionó la pintura con su uso de la perspectiva y el claroscuro. Introdujo la perspectiva lineal, creando una ilusión de profundidad y espacio tridimensional. Su uso del claroscuro, el contraste entre luz y sombra, dio a sus figuras una sensación de volumen y realismo sin precedentes. Sus obras más importantes incluyen los frescos de la Capilla Brancacci en Florencia, como "El tributo de la moneda" y "La expulsión de Adán y Eva del Paraíso".
• Fra Angélico (1395-1455): Fra Angélico fue un monje dominico y pintor que combinó la espiritualidad del arte gótico con las innovaciones renacentistas. Sus obras se caracterizan por su delicadeza, su uso de colores luminosos y su profunda religiosidad. Aunque utilizó la perspectiva, su estilo se mantuvo más ligado a la tradición gótica que el de Masaccio. Sus obras más famosas son los frescos del Convento de San Marcos en Florencia, incluyendo "La Anunciación".
• Piero della Francesca (1415-1492): Piero della Francesca fue un maestro de la perspectiva y la geometría. Sus pinturas se caracterizan por su rigor matemático, su claridad compositiva y su uso de la luz para crear una atmósfera serena y monumental. Sus figuras son estáticas y solemnes, y sus paisajes están construidos con una precisión casi científica. Entre sus obras más destacadas se encuentran "El Bautismo de Cristo", "La Flagelación de Cristo" y los frescos de la Leyenda de la Vera Cruz en Arezzo.
• Sandro Botticelli (1445-1510): Botticelli es conocido por su estilo elegante y lírico, y por sus temas mitológicos y alegóricos. A diferencia de Masaccio o Piero della Francesca, Botticelli no se centró tanto en la representación realista del espacio, sino en la belleza idealizada de las figuras y la armonía de la composición. Sus obras, como "El nacimiento de Venus" y "La Primavera", están llenas de simbolismo y reflejan el interés humanista por la cultura clásica.

En conclusión, la pintura del Quattrocento experimentó una evolución significativa gracias a las innovaciones de estos artistas. Masaccio introdujo la perspectiva y el claroscuro, Fra Angélico combinó la espiritualidad gótica con la técnica renacentista, Piero della Francesca dominó la perspectiva y la geometría, y Botticelli desarrolló un estilo lírico y alegórico. Todos ellos contribuyeron a la creación de un nuevo lenguaje visual que definió el Renacimiento y que sentó las bases para el desarrollo posterior de la pintura occidental.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig.1 Puntuación máxima. 2 puntos

Razonamiento: La imagen muestra una escultura en relieve que representa una escena religiosa cristiana. Se puede identificar a Jesucristo en el centro, rodeado de sus apóstoles. La escena parece representar la Última Cena o un momento similar de comunión.

• Estilo: La obra parece pertenecer al arte románico, dada la frontalidad de las figuras, la falta de perspectiva y la rigidez de las posturas. Además, la disposición de las figuras en un espacio plano y sin profundidad es característica de este período.
• Iconografía: La figura central, que se puede identificar como Jesucristo, es la más grande y se encuentra en una posición elevada, lo que indica su importancia. Los apóstoles están a su alrededor, algunos de ellos sostienen objetos que podrían ser panes o cálices. La presencia de halos o aureolas alrededor de las cabezas indica la santidad de las figuras.
• Composición: La composición es simétrica, con Jesucristo en el centro y los apóstoles distribuidos a ambos lados. Hay una clara jerarquía de tamaño, con Jesucristo siendo la figura más grande. La disposición de las figuras es frontal y hierática, típica del arte románico.
• Técnica: La técnica es el relieve, probablemente tallado en piedra, a juzgar por la textura y el color. El relieve es alto, ya que las figuras sobresalen considerablemente del fondo.
• Función: Es probable que esta obra tuviera una función religiosa y decorativa, posiblemente formando parte de un tímpano, un capitel o un friso en una iglesia románica. La escena representada tendría como objetivo instruir a los fieles en la fe cristiana.

En conclusión, la obra es un ejemplo típico del arte románico, con su estilo hierático, su composición simétrica y su función religiosa. La escena representada probablemente sea la Última Cena o un momento similar de comunión entre Jesucristo y sus apóstoles.

Fig.2 Puntuación máxima. 2 puntos

Razonamiento: La imagen representa una pintura surrealista con relojes blandos o derretidos como elemento principal. La obra es "La persistencia de la memoria" (1931) de Salvador Dalí, una de las obras más icónicas del movimiento surrealista.

• Estilo: Surrealismo. El Surrealismo fue un movimiento artístico y literario que surgió en la década de 1920 y que buscaba liberar la imaginación y explorar el mundo de los sueños y el subconsciente. Las obras surrealistas a menudo presentan imágenes oníricas, ilógicas y sorprendentes.
• Tema: El tema principal de la obra es la relatividad del tiempo y su naturaleza subjetiva. Los relojes blandos, que parecen derretirse o deformarse, simbolizan la distorsión del tiempo en el mundo de los sueños y el subconsciente. El paisaje desolado y la extraña criatura en el centro contribuyen a la atmósfera onírica y misteriosa.
• Composición: La composición es asimétrica y está dominada por las formas orgánicas de los relojes y la criatura central. El paisaje en el fondo, con una playa y acantilados, crea una sensación de profundidad y espacio, pero la perspectiva es extraña e irreal.
• Técnica: La técnica es óleo sobre lienzo. Dalí era conocido por su virtuosismo técnico y su capacidad para representar imágenes con gran detalle y precisión, a pesar de su naturaleza fantástica. El uso del claroscuro y la paleta de colores ocres y azules contribuyen a la atmósfera surrealista.
• Simbolismo: Los relojes blandos son el símbolo más evidente de la obra y representan la fluidez y la irracionalidad del tiempo en el subconsciente. La criatura central, que parece una versión distorsionada del propio Dalí, puede interpretarse como una representación del artista en el mundo de los sueños. Las hormigas que se arrastran sobre uno de los relojes pueden simbolizar la decadencia o el paso del tiempo.

En conclusión, "La persistencia de la memoria" es una obra maestra del Surrealismo que explora la naturaleza subjetiva del tiempo y la irracionalidad del subconsciente. La imagen de los relojes blandos se ha convertido en un ícono cultural y la obra sigue fascinando e intrigando a los espectadores por su atmósfera onírica y su simbolismo complejo.

PROPUESTA B

PRIMERA PARTE. CONCEPTOS.

1. Técnica pictórica que difumina los contornos.

c) Sfumato.

Razonamiento: El sfumato es una técnica pictórica que consiste en difuminar los contornos de las figuras, creando una transición suave entre las luces y las sombras. Esta técnica fue desarrollada por Leonardo da Vinci y se utiliza para dar a las pinturas una sensación de profundidad, atmósfera y misterio. La palabra "sfumato" proviene del italiano "fumo", que significa "humo", y hace referencia a la apariencia nebulosa que crea esta técnica. La perspectiva lineal y el punto de fuga son técnicas relacionadas con la representación del espacio, pero no con el difuminado de los contornos.

2. Arquitectura adintelada es aquella que…

b) Emplea líneas rectas horizontales.

Razonamiento: La arquitectura adintelada, también conocida como arquitectura arquitrabada, es aquella que utiliza dinteles, elementos horizontales, para cubrir los espacios entre las columnas o pilares. Este tipo de arquitectura se caracteriza por el uso de líneas rectas horizontales y verticales, en contraposición a la arquitectura abovedada, que utiliza arcos y bóvedas. La opción "a" es incorrecta porque el arco y la bóveda son característicos de la arquitectura abovedada, no adintelada. Por lo tanto, la opción "c" también es incorrecta.

3. Estilo artístico que recupera las formas del arte griego y romano.

b) Arte neoclásico.

Razonamiento: El Neoclasicismo fue un movimiento artístico que se desarrolló a finales del siglo XVIII y principios del XIX, y que se inspiró en el arte y la cultura de la antigua Grecia y Roma. Los artistas neoclásicos buscaban la claridad, la simplicidad y la racionalidad, en contraposición al estilo barroco y rococó, que consideraban excesivamente ornamentados y emocionales. El arte romántico se caracteriza por la expresión de las emociones y la individualidad, mientras que el arte barroco es conocido por su dramatismo y su exuberancia decorativa, por lo que no coinciden con la descripción.

4. Pintura que reduce la forma a conos, cubos, cilindros o esferas.

b) Cubismo.

Razonamiento: El Cubismo fue un movimiento artístico de vanguardia que surgió a principios del siglo XX, liderado por Pablo Picasso y Georges Braque. Los artistas cubistas rompieron con la representación tradicional de la perspectiva y la forma, y en su lugar representaron los objetos desde múltiples puntos de vista simultáneamente, descomponiéndolos en formas geométricas como cubos, conos, cilindros y esferas. El Pop-Art se caracteriza por el uso de imágenes de la cultura popular y el Postimpresionismo es un término general que engloba varios estilos que surgieron después del Impresionismo, por lo que no coinciden con la descripción.

SEGUNDA PARTE. PREGUNTAS.

1. La mezquita y el palacio en el arte hispano-musulmán.

Razonamiento: El arte hispano-musulmán se desarrolló en la Península Ibérica durante la presencia musulmana, entre los siglos VIII y XV. La mezquita y el palacio son dos de los edificios más representativos de este arte.

La mezquita:

• Función: La mezquita es el lugar de culto de la religión islámica. Es un espacio dedicado a la oración y a la reunión de la comunidad musulmana.
• Estructura: La mezquita hispano-musulmana se inspira en la Mezquita de Damasco y, a su vez, en la casa de Mahoma en Medina. Sus partes principales son:
  • Patio (sahn): Un espacio abierto rodeado por galerías porticadas (riwaq), donde se encuentra la fuente de las abluciones (sabil).
  • Sala de oración (haram): Un espacio cubierto dividido en naves por columnas y arcos. La nave central suele ser más ancha y conduce al muro de la quibla.
  • Quibla: El muro orientado hacia La Meca, hacia donde los fieles dirigen sus oraciones.
  • Mihrab: Un nicho u hornacina en el muro de la quibla que indica la dirección de La Meca. Suele ser el lugar más decorado de la mezquita.
  • Mimbar: Un púlpito elevado desde donde el imán dirige la oración y pronuncia el sermón (jutba).
  • Alminar o minarete: Una torre desde la que el almuédano llama a la oración.
• Materiales: Los materiales más utilizados eran el ladrillo, la mampostería, la madera y el yeso.
• Decoración: La decoración en las mezquitas es anicónica, es decir, no representa figuras humanas ni animales, siguiendo las prohibiciones del Islam. Se basa en motivos geométricos, vegetales (ataurique) y epigráficos (caligrafía árabe).
• Ejemplos: El ejemplo más destacado de mezquita hispano-musulmana es la Mezquita de Córdoba. También son importantes la Mezquita de Bab al-Mardum en Toledo y la Aljafería de Zaragoza.

El palacio:

• Función: El palacio es la residencia del califa o del gobernante. Es un centro de poder político y administrativo, pero también un lugar de ocio y disfrute.
• Estructura: El palacio hispano-musulmán se organiza en torno a patios, jardines y estanques. Las estancias se distribuyen alrededor de estos espacios abiertos, creando una sensación de frescor y amplitud.
  • Salón del trono: El espacio más importante del palacio, donde el califa recibía a sus embajadores y celebraba las audiencias.
  • Mexuar: Sala de justicia donde el gobernante imparte justicia.
  • Diwan: Estancias privadas del califa y su familia.
  • Baños (hammam): Espacios dedicados a la higiene y al relax.
• Materiales: Se utilizaban materiales ricos y lujosos como el mármol, el estuco, la madera y los azulejos.
• Decoración: La decoración de los palacios era más rica y variada que la de las mezquitas. Además de los motivos geométricos, vegetales y epigráficos, se utilizaban mocárabes (prismas yuxtapuestos y superpuestos a modo de estalactitas) y alicatados (revestimientos de azulejos).
• Ejemplos: Los ejemplos más representativos de palacios hispano-musulmanes son la Alhambra de Granada y Medina Azahara en Córdoba.

En conclusión, la mezquita y el palacio son dos tipologías arquitectónicas fundamentales del arte hispano-musulmán. Ambos reflejan la riqueza y el refinamiento de esta cultura, y son ejemplos excepcionales de la arquitectura islámica en Occidente.

2. El Impresionismo. Características generales.

Razonamiento: El Impresionismo fue un movimiento artístico que surgió en Francia en la segunda mitad del siglo XIX, principalmente en la pintura. Los artistas impresionistas rompieron con las convenciones académicas y se centraron en captar la impresión visual del momento, la luz y el color.

Características generales:

• Pintura al aire libre (plein air): Los impresionistas salían a pintar al aire libre, directamente del natural, en lugar de trabajar en el estudio. Esto les permitía captar los efectos cambiantes de la luz y la atmósfera.
• Captación de la luz y el color: Los impresionistas se interesaban por la forma en que la luz incidía sobre los objetos y cómo los colores cambiaban en función de la iluminación. Utilizaban pinceladas sueltas y colores puros, aplicados directamente sobre el lienzo, sin mezclarlos previamente en la paleta.
• Pincelada suelta y visible: La técnica impresionista se caracteriza por el uso de pinceladas cortas, rápidas y visibles, que dan a la pintura una textura vibrante y una sensación de movimiento.
• Temas de la vida moderna: Los impresionistas se alejaron de los temas históricos, mitológicos y religiosos que dominaban la pintura académica. En su lugar, se centraron en temas de la vida cotidiana, como paisajes, escenas urbanas, retratos y escenas de ocio.
• Ausencia de dibujo previo: A menudo los pintores impresionistas prescindían del dibujo previo y construían el cuadro directamente con manchas de color, buscando captar la impresión general de la escena.
• Rechazo de las convenciones académicas: Los impresionistas fueron rechazados inicialmente por la Academia Francesa de Bellas Artes, que consideraba su técnica inacabada y sus temas triviales. Sin embargo, los impresionistas organizaron sus propias exposiciones y lograron revolucionar el mundo del arte.
• Influencia de la fotografía y las estampas japonesas: Los impresionistas se inspiraron en la fotografía, que ofrecía una nueva forma de captar la realidad, y en las estampas japonesas, que se caracterizaban por su uso de colores planos y composiciones asimétricas.

Principales representantes:

• Claude Monet: Considerado el padre del Impresionismo, Monet es conocido por sus series de pinturas sobre el mismo tema en diferentes momentos del día, como los "Nenúfares" y la "Catedral de Rouen".
• Édouard Manet: Precursor del Impresionismo, Manet escandalizó al público con obras como "Almuerzo sobre la hierba" y "Olympia", que rompían con las convenciones académicas.
• Pierre-Auguste Renoir: Conocido por sus pinturas de figuras, especialmente de mujeres y niños, Renoir se caracteriza por su estilo alegre y luminoso.
• Edgar Degas: Interesado por el movimiento, Degas es famoso por sus pinturas de bailarinas, carreras de caballos y escenas de la vida cotidiana.
• Camille Pissarro: Pissarro fue uno de los miembros fundadores del grupo impresionista y se dedicó principalmente a la pintura de paisajes.

En conclusión, el Impresionismo fue un movimiento revolucionario que cambió la forma de entender y representar la realidad en la pintura. Su énfasis en la luz, el color y la captación del momento fugaz ha tenido una influencia fundamental en el arte moderno.

TERCERA PARTE. ANÁLISIS Y COMENTARIO DE OBRAS DE ARTE.

Fig.1 Puntuación máxima. 2 puntos

Razonamiento: La imagen muestra una pintura de estilo flamenco, probablemente del siglo XV o principios del XVI, que representa a una pareja en un interior doméstico. La obra es "El matrimonio Arnolfini" (1434) de Jan van Eyck, una de las obras más famosas del arte flamenco.

• Estilo: Primitivos flamencos. Los primitivos flamencos fueron un grupo de pintores que trabajaron en los Países Bajos en los siglos XV y XVI, y que se caracterizaron por su minuciosidad, su detallismo y su uso innovador del óleo.
• Tema: La obra representa a una pareja, identificada como Giovanni Arnolfini y su esposa, en una habitación ricamente decorada. La escena ha sido interpretada como una ceremonia de matrimonio o un retrato conmemorativo.
• Composición: La composición es simétrica, con la pareja en el centro y el espectador como punto de fuga centralizado por el espejo. El espacio está representado con gran detalle y precisión, creando una sensación de profundidad y realismo.
• Técnica: La técnica es óleo sobre tabla. Van Eyck fue uno de los pioneros en el uso del óleo, que permitía una mayor precisión, luminosidad y durabilidad que la témpera, usada anteriormente. La minuciosidad en los detalles, como las texturas de las telas, el reflejo en el espejo y la luz que entra por la ventana, es asombrosa.
• Simbolismo: La obra está llena de simbolismo. El espejo convexo en el fondo refleja la escena y muestra a dos personas más en la habitación, una de las cuales podría ser el propio pintor. La firma de Van Eyck, "Johannes de Eyck fuit hic 1434" ("Jan van Eyck estuvo aquí 1434"), aparece sobre el espejo, sugiriendo que él fue testigo de la escena. Otros elementos simbólicos incluyen el perro, que puede representar la fidelidad; las naranjas, que pueden simbolizar la fertilidad o la riqueza; y la única vela encendida en el candelabro, que puede representar la presencia de Dios o la llama del amor.

En conclusión, "El matrimonio Arnolfini" es una obra maestra del arte flamenco que destaca por su virtuosismo técnico, su detallismo y su complejo simbolismo. La obra es un ejemplo excepcional del uso innovador del óleo por parte de Van Eyck y de la capacidad de los primitivos flamencos para representar la realidad con una precisión asombrosa.

Fig.2 Puntuación máxima. 2 puntos

Razonamiento: La imagen representa una escultura de bulto redondo en la que se observa a un hombre desnudo en actitud de contorsión, con su brazo derecho extendido hacia atrás y su mano sosteniendo un objeto esférico. La escultura es una representación de "El ángel caído" (1877) de Ricardo Bellver, una obra destacada del romanticismo español.

• Estilo: Romanticismo. El Romanticismo fue un movimiento artístico y cultural que surgió a finales del siglo XVIII y principios del XIX, y que se caracterizó por la expresión de las emociones, la individualidad y la exaltación de lo sublime y lo irracional.
• Tema: La obra representa a Lucifer, el ángel caído, en el momento de su expulsión del Paraíso. La figura muestra una expresión de dolor, ira y desesperación, reflejando la tragedia de su caída.
• Composición: La composición es dinámica y asimétrica. El cuerpo de Lucifer se retuerce en una pose forzada, creando una sensación de movimiento y tensión. La diagonal que forma su cuerpo, desde la cabeza hasta el pie, acentúa la sensación de caída.
• Material y técnica: La escultura original está hecha en bronce, aunque existen copias en yeso, utilizando la técnica de fundido. La superficie es lisa y pulida, lo que permite apreciar los detalles anatómicos y la expresión del rostro.
• Expresión y simbolismo: La obra es una poderosa representación de la caída y el sufrimiento. La expresión del rostro de Lucifer, su cuerpo retorcido y la serpiente que se enrosca en su pierna transmiten una sensación de angustia y desesperación. La escultura puede interpretarse como una alegoría del mal, la rebelión y las consecuencias del pecado.
• Contexto: La obra fue presentada en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1878, donde causó un gran impacto y ganó la Primera Medalla. Posteriormente fue adquirida por el Estado y enviada a la Exposición Universal de París de 1878. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, aunque la copia en yeso se expone en un espacio público: el Parque del Retiro.

En conclusión, "El ángel caído" es una obra maestra de la escultura romántica española que destaca por su dramatismo, su expresividad y su virtuosismo técnico. La obra es una poderosa representación de la caída y el sufrimiento, y sigue conmoviendo a los espectadores por su intensidad emocional.