PROPUESTA A

I- COMENTARIO DE TEXTO

Contexto y Localización: El fragmento pertenece a "Bodas de Sangre", una tragedia en prosa y verso escrita por Federico García Lorca en 1931 y estrenada en 1933. Se enmarca en el teatro lorquiano de la Generación del 27, caracterizado por la fusión de tradición y vanguardia, el uso de símbolos y la exploración de temas como el amor, la muerte, la honra y la opresión social. La obra se sitúa en la España rural, donde las pasiones y los códigos sociales rígidos desencadenan un final trágico.

Resumen de la escena: Este diálogo tiene lugar tras la huida de la Novia con Leonardo el día de su boda. La Madre del Novio, llena de dolor y sed de venganza, confronta a la Novia. Ésta se justifica, explicando que fue arrastrada por una fuerza mayor, la pasión irrefrenable que sentía por Leonardo, comparándolo con un "río oscuro" frente a la tibieza del Novio, "un niñito de agua". La Madre, sin embargo, la culpa y desprecia su justificación. La Novia, desesperada, ofrece su vida a cambio, proclamando su honradez a pesar de todo. La Madre, consumida por el dolor, rechaza cualquier consuelo, refugiándose en la resignación religiosa.

Estructura: El fragmento es un diálogo dramático entre dos personajes femeninos, la Novia y la Madre. Se estructura en una serie de réplicas y contrarréplicas que revelan la tensión y el conflicto entre ambas. El lenguaje es poético y cargado de simbolismo, como es característico en Lorca. Predominan las metáforas relacionadas con la naturaleza (agua, río, pájaros, escarcha) para expresar las emociones y la fuerza de la pasión.

Personajes:

• Novia: Personaje complejo y trágico, víctima de sus propias pasiones. Se debate entre el deber y el deseo, entre la razón y el instinto. Su discurso es apasionado y desesperado, buscando la comprensión y el perdón.
• Madre: Representa el dolor, la honra herida y la sed de venganza. Es un personaje fuerte, arraigado a las tradiciones y a los valores conservadores. Su dolor la consume y la lleva a rechazar cualquier tipo de consuelo.

Opinión Crítica: El fragmento es un claro ejemplo de la maestría de Lorca para construir personajes femeninos complejos y llenos de fuerza. El diálogo es intenso y conmovedor, reflejando el conflicto entre dos mujeres marcadas por la tragedia. La fuerza poética del lenguaje y el uso de símbolos contribuyen a crear una atmósfera de tensión y fatalidad.

Interpretación de la Novia: Interpretaría a la Novia como una mujer desgarrada por dentro, atrapada entre dos mundos: el de la convención social y el de la pasión arrolladora. Su voz estaría llena de angustia y desesperación, pero también de una cierta dignidad al defender su honradez. Utilizaría el cuerpo para expresar esa lucha interna, con movimientos que reflejen tanto la sumisión como la rebeldía. La mirada sería intensa y buscaría la conexión con la Madre, a pesar del rechazo de esta.

II- PREGUNTAS DE DESARROLLO

a- Géneros teatrales: drama, comedia y tragedia y sus variantes

• Tragedia: Género teatral que presenta un conflicto entre un personaje (héroe trágico) y su destino o una fuerza superior. El héroe trágico suele ser de noble cuna y se enfrenta a situaciones que le superan, generando en él un gran sufrimiento y, finalmente, la muerte o la destrucción. El objetivo de la tragedia es provocar la catarsis en el espectador, es decir, una purificación de las pasiones a través de la compasión y el temor.
  • Variantes:
    • Tragedia clásica (griega y romana): Esquilo, Sófocles, Eurípides, Séneca.
    • Tragedia isabelina: Shakespeare.
    • Tragedia neoclásica: Racine, Corneille.
• Comedia: Género teatral que presenta conflictos de carácter cotidiano y personajes comunes, con un tono humorístico y un final feliz. Su objetivo es provocar la risa en el espectador y, a menudo, criticar costumbres o vicios sociales.
  • Variantes:
    • Comedia de enredo: Se basa en equívocos y situaciones cómicas.
    • Comedia de costumbres: Critica los hábitos y comportamientos de una sociedad.
    • Comedia de caracteres: Se centra en los rasgos psicológicos de los personajes.
    • Farsa: Comedia exagerada y grotesca.
    • Comedia del Arte: con personajes arquetípicos.
• Drama: Género teatral que presenta conflictos serios, pero sin el tono elevado de la tragedia. Los personajes suelen ser de clase media y los temas pueden ser tanto individuales como sociales. El final puede ser feliz o infeliz, pero no necesariamente catastrófico.
  • Variantes: *Drama isabelino, drama romántico, drama social, drama burgués, drama histórico, tragicomedia.

b- Naturaleza, descripción y clasificación de los códigos de significación escénica verbal y no verbal

Los códigos de significación escénica son los elementos que se utilizan en la representación teatral para comunicar significados al espectador. Se dividen en:

• Códigos Verbales: Son aquellos que se basan en el lenguaje oral.
  • Texto dramático: La palabra escrita por el dramaturgo, que incluye diálogos, monólogos y acotaciones.
  • Interpretación actoral: La forma en que el actor dice el texto, utilizando la voz, el tono, el ritmo, la entonación y el volumen para dar vida a las palabras.
• Códigos No Verbales: Son aquellos que no utilizan el lenguaje oral.
  • Expresión corporal: Gestos, movimientos, posturas, expresiones faciales del actor.
  • Vestuario: La ropa y los accesorios que llevan los actores, que informan sobre su personaje, época, estatus social, etc.
  • Maquillaje: La caracterización física del actor, que puede transformar su apariencia.
  • Escenografía: El espacio físico donde se desarrolla la acción, incluyendo decorados, muebles y objetos.
  • Iluminación: La luz que se utiliza para crear ambientes, destacar personajes o acciones, y generar efectos emocionales.
  • Música y efectos sonoros: Elementos auditivos que complementan la acción y crean atmósfera.
  • Utilería: Conjunto de objetos que se utilizan en la escena, como la Dalia que se menciona en el texto de la propuesta A, por ejemplo.

III- PREGUNTAS BREVES

a- ¿Qué diferencias esenciales existen entre el teatro de calle y el de interior?

El teatro de calle se realiza en espacios abiertos, como plazas, calles o parques, interactuando directamente con el público, que a menudo se convierte en parte del espectáculo. Es más informal, improvisado y busca la participación del espectador. El teatro de interior se realiza en espacios cerrados, como salas de teatro, con una separación clara entre el escenario y el público. Es más formal, planificado y busca la contemplación del espectador.

b- Defina teatro-danza

El teatro-danza es una forma de expresión escénica que fusiona elementos del teatro y la danza. No se trata de una obra de teatro con danza incorporada, sino de una integración de ambos lenguajes, donde el movimiento y la palabra tienen la misma importancia para contar una historia o expresar emociones.

c- ¿Quién fundó el Teatro de Arte de Moscú? ¿Qué sistema de interpretación defendía?

Konstantín Stanislavski fundó el Teatro de Arte de Moscú en 1898. Defendía el "Sistema Stanislavski", un método de interpretación basado en la búsqueda de la verdad emocional del actor a través de la "memoria emotiva", la observación de la realidad y la creación de un personaje verosímil. El objetivo era lograr una interpretación naturalista y realista, alejada de la afectación y la artificialidad.

d- ¿Qué es la Biomecánica y quién la propuso como forma de entrenamiento?

La Biomecánica es un sistema de entrenamiento actoral desarrollado por Vsévolod Meyerhold, discípulo de Stanislavski. Se basa en el estudio del movimiento del cuerpo humano como una máquina, buscando la máxima expresividad a través de la precisión, el ritmo y la economía de movimientos. Meyerhold propuso la Biomecánica como una forma de entrenar al actor para que fuera capaz de controlar su cuerpo y expresar emociones de forma clara y eficiente.

e- ¿Para qué debe utilizar la estrategia el personaje?

El personaje debe utilizar la estrategia para alcanzar su objetivo en la obra. La estrategia es el plan de acción que el personaje desarrolla para superar los obstáculos que se le presentan y conseguir lo que desea. Es un elemento fundamental para la construcción del personaje y para el desarrollo de la trama.

f- ¿Qué funciones debe llevar a cabo el director de escena?

El director de escena es el responsable artístico de la puesta en escena de una obra teatral. Sus funciones principales son:

• Interpretar el texto dramático y definir la propuesta estética.
• Seleccionar a los actores y dirigir sus interpretaciones.
• Coordinar a los diferentes equipos creativos (escenografía, vestuario, iluminación, etc.).
• Supervisar los ensayos y ajustar la puesta en escena.
• Tomar las decisiones estéticas finales que impactan a la audiencia.

PROPUESTA B

I- COMENTARIO DE TEXTO

Contexto y Localización: Este fragmento pertenece a la comedia palatina "El perro del hortelano" escrita por Lope de Vega en 1618. La obra se enmarca en el Siglo de Oro español, un período de gran florecimiento del teatro. Lope de Vega es uno de los máximos exponentes de la comedia nueva, un género teatral que rompió con las reglas clásicas y se caracterizó por la mezcla de lo trágico y lo cómico, la variedad de personajes y la agilidad de la acción. La obra se desarrolla en Nápoles, en un ambiente de nobleza y amores cortesanos.

Resumen de la escena: En este diálogo, Marcela, criada de la condesa Diana, le pide a su ama que le permita casarse con Teodoro (secretario de Diana y objeto de su amor secreto) y marcharse de su servicio para evitar el dolor de verlo con otra. Diana, que está celosa de la relación entre Teodoro y Marcela, inicialmente se muestra comprensiva, pero luego cambia de opinión y decide casar a Marcela con Fabio, otro pretendiente, para impedir que esté con Teodoro.

Estructura: El fragmento es un diálogo en verso entre dos personajes femeninos, Diana y Marcela. Se estructura en una serie de réplicas y contrarréplicas, donde Marcela expone su petición y Diana va cambiando de parecer, revelando sus verdaderas intenciones. El lenguaje es propio de la comedia del Siglo de Oro, con un tono elegante y cortesano, pero también con toques de humor e ironía.

Personajes:

• Diana: Condesa de Belflor, personaje principal de la obra. Es una mujer noble, caprichosa, celosa y enamorada en secreto de su secretario, Teodoro. Su comportamiento es voluble y egoísta, utilizando su poder para manipular a los demás.
• Marcela: Criada de Diana, enamorada de Teodoro. Es un personaje más sencillo y directo que Diana, que expresa sus sentimientos con sinceridad.

Opinión Crítica: El fragmento muestra la maestría de Lope de Vega para construir diálogos ágiles y llenos de matices. El juego de réplicas y contrarréplicas revela la psicología de los personajes y el conflicto central de la obra: el amor imposible entre Diana y Teodoro debido a la diferencia de clases y los celos de la condesa. La obra, utiliza la figura retórica del "perro del hortelano", que ni come ni deja comer, para retratar el comportamiento de Diana.

Interpretación de Diana: Interpretaría a Diana como una mujer poderosa pero insegura, atrapada en sus propios celos y contradicciones. Su voz tendría un tono altivo y caprichoso, pero también dejaría entrever la vulnerabilidad y el deseo oculto. El cuerpo expresaría esa dualidad, con gestos elegantes pero también con movimientos bruscos que reflejen su frustración. La mirada sería intensa y calculadora, cambiando rápidamente de la amabilidad a la ira.

II- PREGUNTAS DE DESARROLLO

a- Análisis crítico de un espectáculo escénico

El análisis crítico de un espectáculo escénico implica evaluar de forma razonada y objetiva los diferentes elementos que componen la puesta en escena, así como su impacto en el espectador. Se deben considerar los siguientes aspectos:

1. Texto dramático: Analizar la calidad del texto, su estructura, temática, personajes y lenguaje.
2. Dirección: Evaluar la propuesta estética del director, su interpretación del texto, la coherencia de la puesta en escena y la dirección de actores.
3. Interpretación: Valorar la calidad de las interpretaciones de los actores, su credibilidad, expresividad y capacidad para transmitir emociones.
4. Escenografía, vestuario, iluminación y sonido: Analizar cómo estos elementos contribuyen a la creación de la atmósfera, a la caracterización de los personajes y al desarrollo de la acción.
5. Impacto en el espectador: Reflexionar sobre el efecto que produce el espectáculo en el público, si logra conmover, entretener, hacer reflexionar, etc.

El análisis debe ser objetivo, argumentado y basado en criterios teatrales sólidos. Es importante evitar juicios de valor subjetivos y centrarse en la evaluación de los elementos que componen la puesta en escena.

b- Los instrumentos del intérprete: la expresión gestual

La expresión gestual es uno de los instrumentos fundamentales del intérprete, junto con la voz y la expresión corporal. Se refiere al conjunto de gestos, movimientos y expresiones faciales que utiliza el actor para comunicar emociones, intenciones y características de su personaje.

La expresión gestual debe ser:

• Clara: Los gestos deben ser precisos y comprensibles para el espectador.
• Expresiva: Deben transmitir las emociones y los estados de ánimo del personaje.
• Natural: Deben ser coherentes con el personaje y la situación, evitando la exageración o la artificialidad.
• Orgánica: Deben surgir de la emoción interna del actor, no ser impuestos desde fuera.

El actor debe trabajar la expresión gestual a través de la observación, la improvisación y el entrenamiento físico, buscando la máxima expresividad y naturalidad en sus movimientos.

III- PREGUNTAS BREVES

a- ¿Qué diferencias esenciales hay entre el teatro clásico y el de vanguardia?

El teatro clásico (griego, romano, isabelino, neoclásico) se caracteriza por seguir reglas establecidas, como las unidades de acción, tiempo y lugar, la separación de géneros (tragedia y comedia) y el uso de verso. Los personajes suelen ser arquetípicos y los temas universales (amor, muerte, destino). El teatro de vanguardia (siglo XX) rompe con estas reglas, buscando la experimentación, la innovación y la ruptura con las convenciones. Se exploran nuevas formas de expresión, se mezclan géneros, se cuestiona la realidad y se busca la provocación del espectador.

b- ¿De qué se ocupa el dramaturgo?

El dramaturgo es el autor de obras teatrales. Su función principal es escribir el texto dramático, que incluye los diálogos, monólogos y acotaciones que guían la puesta en escena. El dramaturgo crea los personajes, la trama, el conflicto y el universo de la obra, utilizando el lenguaje como herramienta principal.

c- ¿Quiénes fundaron el The Group Theatre y en qué método se basaba este?

Harold Clurman, Cheryl Crawford y Lee Strasberg fundaron The Group Theatre en 1931 en Estados Unidos. Se basaba en el "Método", una adaptación del Sistema Stanislavski, que buscaba la verdad emocional del actor a través de la "memoria afectiva" y la identificación con el personaje.

d- Explica cómo concebía el teatro Artaud

Antonin Artaud, dramaturgo francés, concebía el teatro como un "Teatro de la Crueldad". No se refería a la crueldad física, sino a una experiencia teatral intensa y visceral que sacudiera al espectador y lo enfrentara a sus instintos más primarios. Artaud proponía un teatro ritual, basado en el gesto, el sonido, la luz y el movimiento, más que en la palabra. Su objetivo era romper con la racionalidad y liberar las fuerzas inconscientes del espectador.

e- Enumere las cuatro fases por las que pasa el personaje en el proceso de crisis

1. Incidente desencadenante: Un acontecimiento que rompe el equilibrio del personaje.
2. Conflicto: El personaje se enfrenta a obstáculos que le impiden alcanzar su objetivo.
3. Clímax: El momento de máxima tensión, donde el personaje debe tomar una decisión crucial.
4. Resolución: El desenlace del conflicto, que puede ser positivo o negativo para el personaje.

f- ¿En qué consiste el volumen?

En el contexto de la voz del actor, el volumen se refiere a la intensidad del sonido. Un buen volumen permite que el actor sea escuchado por toda la audiencia sin necesidad de gritar. El actor debe controlar el volumen de su voz para adaptarlo a las necesidades de la escena y del personaje, utilizando una proyección adecuada y una buena respiración.